Sayangnya, ada sangat sedikit fakta yang dapat dipercaya tentang kehidupan artis terhebat Alessandro da Marianno Vanni di Amedeo Filippepi, kita kenal dengan nama Sandro Botticelli. Diketahui bahwa Alessandro lahir di Florence pada 1445 dalam keluarga penyamak kulit Marpano Filippepi dan istrinya Emeralda, yang sudah memiliki tiga putra Giovanni, Simone dan Antonio. Tidak ada informasi pasti tentang bagaimana Alessandro menerima julukan "Botticelli" ("tong"), yang menjadi nama tengahnya. Mungkin begitulah orang tuanya memanggilnya dalam keluarga atau salah satu kakak laki-lakinya. Fakta kecil tentang masa kecil artis hebat hanya mengatakan bahwa putra keempat penyamak kulit tumbuh menjadi sangat jeli, penasaran, tapi anak yang menyakitkan.
Sekitar tiga belas, Sandro mulai belajar perhiasan di bawah kepemimpinan saudaranya Antonio, yang memiliki bengkel sendiri. Seni perhiasan, dengan gambar yang cermat dan teliti dari semua detail produk masa depan pada tahap sketsa, merebut hati pemuda itu dan membantunya memahami panggilannya yang sebenarnya. Jadi, sudah di awal 1460-an, Botticelli mulai mengunjungi bengkel salah satu pelukis Italia paling terkenal pada masanya, Fra Filippo Lippi (c. 1406-1469).
Fra Filippo memiliki biografi yang kaya dan tidak biasa. Selama lebih dari sepuluh tahun ia berada di ordo biarawan Karmelit, ditinggalkan olehnya pada tahun 1431. Sudah menjadi artis terkenal, Lippi, pada tahun 1456, mengobarkan gairah tak terkendali untuk biarawati muda Lucretia Buti. Dia menculik kekasihnya dari sebuah biara di Prato untuk menikahinya. Hanya berkat syafaat santo pelindung pelukis, Duke Cosimo de Medici, pengantin baru bisa hidup relatif aman. Kehidupan yang tidak biasa seperti itu meninggalkan jejak yang nyata pada karakter sang master, dia dibedakan oleh pemikirannya yang bebas dan keinginannya yang konstan untuk kesempurnaan dan penemuan. Ironisnya, putra Lippi dan Lucretia Filippino, dengan siapa Sandro telah dikenal sejak usia dini, kemudian menjadi muridnya.
Giorgio Vasarn, yang terlibat dalam penyusunan biografi Botticelli, menggambarkan tahun-tahun pelatihannya sedemikian rupa:"Dia menjadi pengikut gurunya dan menirunya sedemikian rupa sehingga Fra Filippo mencintainya dan segera membesarkannya sedemikian rupa sehingga tidak ada yang bisa memikirkannya." Sayangnya, ini adalah satu-satunya informasi tentang periode kehidupan artis ini.
Karya revolusioner Filippo Lippi “The Madonna under the Veil” (1465, Galeri Uffizi, Firenze), dilukis sebagai gambar altar untuk salah satu gereja di Florence, di mana untuk pertama kalinya dalam sejarah seni Renaissance Italia seorang wanita muda dari Florence muncul dalam bentuk Bunda Allah, Botticelli muda sangat kagum sebelumnya sehingga dia menciptakan banyak kanvas seperti itu. Sandro hampir sepenuhnya mengulangi karya lembut dan penuh inspirasi ini dalam karyanya "Madonna and Child with an Angel" (1465-1467, galeri Rumah Pendidikan, Florensia). Lukisan ini benar-benar mengulang komposisi Lippi, benar-benar secara akurat mereproduksi semua detail, hingga letak lipatan kerudung penutup kepala Madonna. Komposisi yang sangat mirip memiliki beberapa karya seniman lainnya.
Perlu dicatat bahwa dengan menyalin komposisi guru, seniman muda itu memperkenalkan intonasi baru ke dalam karyanya. Citra Madonna-nya lebih bijaksana dan damai. Agar tidak mengalihkan perhatian penonton dari para pahlawan kanvas, Botticelli meninggalkan latar belakang lanskap yang kompleks. Fokus pada gambar, membawa naungan keagungan ilahi dan pewarnaan liris yang luar biasa, telah menjadi ciri khas dari banyak karya awal seniman.
Setelah memahami sepenuhnya keakuratan dan kecanggihan gambar Lippi, dan mengadopsi caranya menyampaikan keadaan emosional karakter, Sandro meninggalkan bengkelnya pada tahun 1467, pada usia dua puluh dua. Tetapi pelukis tidak menyelesaikan pelatihannya tentang ini. Untuk mengembangkan dan meningkatkan keterampilannya, pelukis muda mengunjungi bengkel Andrea Verrocchio, pematung Italia yang terkenal, pelukis dan perhiasan, yang murid-muridnya termasuk Leonardo da Vinci dan Pietro Perugino.
Jika dia belajar dari Lippi Botticelli penguasaan garis yang virtuoso, dari Verrocchio ia mengadopsi seni menciptakan suasana khusus melalui pemodelan udara ringan. Dengan bantuan pengetahuan yang dipinjam dari guru yang berbeda, Sandro dengan cemerlang menampilkan karya-karya seperti Madonna dalam Rosario (sekitar tahun 1470, Galeri Uffizi, Firenze), Madonna di Loggia (sekitar tahun 1467, Galeri Uffizi, Florence) dan Madonna dengan Bayi dan dua malaikat ”(1468-1469, Museum Capodimonte, Napoli). Semua gambar di kanvas luar biasa tenang dan sangat canggih, dan komposisi komposisi karya sangat bijaksana.
Lukisan-lukisan awal seniman dibedakan dengan tidak adanya pemodelan hitam-putih yang kompleks, peran utama di dalamnya diberikan pada gambar yang diberkahi dengan dorongan ekspresif. Dengan bantuan hanya satu baris, Botticelli mengungkapkan dan seolah-olah mengubah wajah bersih dan cerah dari doa ilahinya, menekankan penyempurnaan, bangsawan dan milik mereka milik orang lain, dunia yang lebih mulia. Bekerja pada gambar-gambar ini, pelukis tidak berusaha menunjukkan dunia nyata, tetapi beberapa ideal, negara impian yang hanya ada dalam imajinasinya. Sudah dalam karya independen pertama Botticelli muncul plastik yang menarik, yang selamanya akan menentukan gaya individu pelukis.
Berenang gratis
Setelah meninggalkan guru terakhirnya pada tahun 1469, Botticelli mendirikan bengkelnya sendiri di rumah ayahnya, yang terletak di distrik Via Maria Novella Santa Maria Novella. Selama periode ini, sang seniman menciptakan karya altarnya yang terkenal "Altar Ambrogio" (juga dikenal sebagai "Madonna dan Anak dengan Santa Maria Magdalena, Yohanes Pembaptis, Fransiskus, Catherine dari Alexandria, Kozma dan Damian”, 1467-1470, Galeri Uffizi, Florensia).
Komposisi gambarnya sangat khas untuk waktu itu dan merupakan variasi dari tema alkitabiah "Adorasi Bayi". Mary dengan Bayi di lengannya duduk di tengah kanvas, di sekitar tempat orang-orang kudus berada. Fakta bahwa para martir besar Kozma dan Damian termasuk di antara para penyembah bayi Yesus dan ibu-Nya dapat menunjukkan bahwa lukisan itu mungkin dipesan oleh rumah penguasa Medici di Florence pada waktu itu, yang pelindung surgawinya adalah orang-orang kudus ini. Sangat mengejutkan bahwa akurasi matematis yang digunakan Botticelli untuk menghitung konstruksi warna gambar, dengan ahli mendistribusikan merah, ungu-biru, warna biru dan coklat yang mencolok. Menggunakan aksen cerah, artis menyoroti sosok karakter utama:Madonna, Bayi Yesus, Kozma dan Damian. Pada waktu bersamaan, latar belakang arsitektur kanvas tampak datar dan teatrikal, karena kurangnya perspektif.
Diketahui dengan pasti bahwa pada tahun 1470 Sandro Botticelli akhirnya menerima gelarnya, mungkin, perintah resmi pertama. Kanvas yang menggambarkan gambar alegoris "Kekuatan" (Galeri Uffizi, Florence) akan memasuki siklus lukisan "Kebajikan", dirancang untuk menghiasi sandaran kursi di ruang sidang utama Pengadilan Niaga.
Urutan ini memainkan peran besar dalam karir artis, saat dia mengizinkannya memasuki lingkaran pelukis Florentine yang dekat dengan keluarga Medici. Botticelli melakukannya, berfokus pada selera zamannya. Dia menggambarkan di kanvas sosok wanita yang citranya melambangkan kekuatan moral dan, lebih tepatnya, semacam perhatian melankolis daripada ketegasan. Alegori "Kekuatan" dalam interpretasi Botticelli, cukup aneh, sama sekali tidak membawa energi berani. Lebih-lebih lagi, sosoknya dengan sedikit memiringkan kepalanya, ditekankan oleh gerakan anggun tangannya memegang tongkat tanpa daya, menciptakan perasaan rapuh internal, dan bahkan kehancuran. Bahkan terlepas dari kenyataan bahwa pahlawan wanita dari pekerjaan itu duduk di kursi yang nyaman, posenya masih memberikan kesan ketidakstabilan.
Dalam interpretasi lipatan, pemodelan umum sosok wanita dan studi cermat elemen dekoratif takhta, pengaruh Verrocchio terbaca dengan jelas. Tetapi sudah dalam gambar ini "penemuan artistik" mereka sendiri dari seorang master yang sangat muda juga dimanifestasikan:perpanjangan proporsi tertentu, kehalusan dalam menciptakan wajah dan gerakan plastik anggun khusus.
Seperti banyak seniman Renaisans, Botticelli sering dikhianati pahlawannya langsung potret kemiripan dengan orang yang dia kenal - teman, pelanggan, dan mungkin kekasih. Sebagai contoh, sulit untuk tidak memperhatikan bahwa pahlawan wanita dari lukisan "Kekuatan", Perawan Maria dari gambar altar "Madonna dan Anak dengan Dua Malaikat", serta St. Catherine dari altarpiece "Altar Sant'Ambrogio" sangat mirip. Sejarawan seni menyarankan bahwa untuk semua karya ini, artis menggunakan model asli yang sama yang tinggal di Florence pada waktu itu.
Setelah mendapatkan beberapa pengakuan di antara orang-orang sezaman, Botticelli pada tahun 1472 bergabung dengan Guild of St. Luke, dengan demikian menyatakan dirinya sebagai master bebas. Seniman itu membuka bengkel besar di mana ia mengumpulkan asisten dan magang. Filippino Lippi adalah salah satu murid pertamanya.
Antara 1470 dan 1472, Botticelli menciptakan apa yang disebut “Madonna Ekaristi” (Isabella Stewart Gardner Museum, Boston). Hampir sepenuhnya mengulangi konstruksi komposisi "Madonna dan Anak dengan Dua Malaikat, ” sang seniman fokus pada interpretasi simbolis dari plot.
Madonna dengan Bayi di lengannya berdiri dengan latar belakang lanskap yang terlihat di balik elemen arsitektur. Yohanes Pembaptis berdiri di depan mereka, memegang di tangannya piring dengan jagung dan anggur, melayani sebagai simbol kurban penebusan Kristus. Kehadiran dalam gambar elemen-elemen ini memberinya nama. Meskipun simbolisme agama, sangat umum dalam seni waktu itu, cukup umum dalam karya-karya abad XV-XVI, itu tidak khas dari karya Botticelli serta latar belakang lanskap di latar belakang lukisannya. Mungkin elemen-elemen ini terinspirasi oleh lukisan awal Leonardo da Vinci.
Kanvas "St. Sebastian" (1473, Museum Negara, Berlin) diciptakan oleh Botticelli untuk gereja Santa Maria Maggiore. Karya ini dibuat sesuai dengan tradisi klasik dan oleh karena itu, diterima secara positif oleh Florentines. Tahun berikutnya, pada hari St. Sebastian, gambar itu disajikan kepada masyarakat umum di kolom gereja tempat gambar itu dibuat - fakta yang mengatakan bahwa artis tersebut mendapatkan ketenaran tertentu di kota asalnya. Ada bukti bahwa pada tahun 1474 pelukis diundang ke Pisa untuk membuat mural di pemakaman Camposanto, terletak di sebelah Katedral Pisa. Tidak diketahui mengapa, tetapi Botticelli tidak memenuhi kewajibannya dan kembali ke Florence.
Pelindung Majestic
Peran yang menentukan dalam nasib pelukis besar itu dimainkan oleh salah satu karya terbaiknya "Adoration of the Magi" (1473, Galeri Uffizi, Firenze), ditugaskan oleh bankir Giovanni (Gaspra) di Zanobi Lamy. Pekerjaan yang benar-benar indah dimaksudkan untuk mendekorasi kapel Lamy, terletak di gereja Situs Maria Novella. Pelanggan adalah orang yang sangat berpengaruh di Florence dan memiliki hubungan persahabatan yang hangat dengan perwakilan keluarga Medici. Tidak sulit untuk memperhatikan bahwa di antara para pahlawan adegan keagamaan yang digambarkan oleh pelukis, ada potret eksplisit dari anggota nama keluarga ini. Ternyata bankir itu memperkenalkan Botticelli ke pengadilan Medici, sehingga artis akan memasukkan dalam komposisi plot alkitabiah potret kelompok perwakilan elit Florentine.
Tempat sentral dalam komposisi, sesuai dengan semua kanon yang diterima, ditempati oleh keluarga suci - Perawan Maria, Yesus dan Yusuf. Mereka dikelilingi oleh beberapa baris perwakilan dari tiga generasi Medici, dekat dengan Lorenzo the Magnificent dan Botticelli sendiri, yang datang untuk membungkuk kepada Bayi. Semua karakter di kanvas agak ideal dan, lebih tepatnya, petunjuk tentang orang tertentu, daripada salinan potretnya. Namun demikian, ini cukup untuk sezaman artis.
Sebagai contoh, dalam sosok seorang lelaki tua, dengan hormat menyentuh kaki Bayi, orang sezaman dengan mudah mengenali mendiang Cosimo Medici. Penulis biografi pertama Botticelli, Vasari, menulis tentang ini:“Dan kami melihat ekspresi khusus pada lelaki tua itu, siapa, mencium kaki Tuhan kita dan meleleh dengan kelembutan, sempurna menunjukkan bahwa ia mencapai tujuan dari perjalanan panjangnya. Sosok raja ini adalah potret penuh waktu Cosimo the Elder de Medici, yang paling hidup dan paling mirip dari semua yang bertahan sampai hari ini. Di sebelah lelaki tua itu, kita melihat orang Majus berlutut di hadapan Yesus - ini adalah putra mendiang Cosimo - Giovanni dan Pierrot. Dan di sebelah kiri gambar adalah cucu dari Cosimo Lorenzo Medici. Lorenzo dikelilingi oleh sahabatnya - filsuf Pico della Mirandola, menunjuk dengan tangannya ke keluarga suci dan penyair Lngelo Polppsapo, yang menundukkan kepalanya di bahu Lorenzo.
Di tengah kelompok, terletak di sisi kanan kanvas, kita melihat adik laki-laki Lorenzo, siapa rekan-penguasanya - Giuliano, mengenakan jubah gelap. Di belakangnya adalah seorang lelaki tua, kemungkinan besar seorang filsuf Giovanni Argiropulo, tepat di atas filsuf adalah seorang pria tua dengan pakaian biru, menunjuk ke dirinya sendiri dengan jari - ini adalah pelanggan pekerjaan, lampu bankir. Botticelli sendiri berada di latar depan gambar, terbungkus jubah oker emas.
Karya ini memenangkan pelukis tidak hanya ketenaran, tetapi juga niat baik dari perwakilan salah satu keluarga paling mulia dan paling berpengaruh di Florence, sehingga melibatkan dia dalam peristiwa sejarah yang bergejolak. Kapan, pada 26 April, 1478, selama misa khusyuk di Katedral Florence, penduduk asli keluarga Nazzi melakukan upaya pembunuhan yang hampir berhasil terhadap Medici bersaudara. Hasil dari, Giuliano meninggal, dan Lorenzo, meskipun dia tetap hidup, terpaksa segera meninggalkan kota.
Nanti, ketika Lorenz Medici benar-benar mendapatkan kembali posisinya, dia pertama kali memerintahkan penangkapan dan eksekusi secara mutlak semua anggota keluarga Bangsa, tanpa membuat pengecualian kepada siapa pun. Kemudian, Medici memerintahkan Botticelli untuk melukis potret dinding istananya yang dieksekusi, sebagai peringatan bagi mereka yang berani mengganggu kehidupan perwakilan keluarganya. Terlepas dari keanehan perintah itu, dia membantu memperkuat reputasi pelukis, yang dengan demikian menerima pengaturan khusus dari Lorenzo sendiri. Mural yang menakjubkan ini belum mencapai zaman kita.
Untuk beberapa tahun ke depan, Botticelli secara eksklusif terlibat dalam banyak pesanan pelanggan barunya. Sebagian besar pekerjaan master dimaksudkan untuk mendekorasi vila Medici yang mewah di Castello. Dua karya seniman yang paling terkenal - "Musim Semi" (1478, Galeri Uffizi, Florence) dan “Kelahiran Venus” (1484, Galeri Uffizi, Florence) termasuk dalam periode kehidupan Sandro yang tenang dan subur ini.
Bekerja pada penciptaan "Musim Semi" -nya sang seniman mendapat inspirasi dari "Fasti" - kalender puitis Ovid. Konstruksi komposisi yang kompleks dari karya tersebut terdiri dari beberapa kelompok yang disusun secara terpisah, saling berhubungan hanya dengan gerakan internal. Pada waktu bersamaan, berkat detail ini, serta irama kanvas, yang, seperti musik yang tak terlihat, meresapi pekerjaan, gambar menjadi satu dan utuh.
Di sisi kanan gambar, Botticelli menemukan Marshmallow bersayap. Terpesona oleh keindahan luar biasa dari nimfa Chloris, dewa angin mencoba memikatnya untuk menikahinya secara paksa. Tetapi, setelah menyesali perbuatan mereka, Zephyr mengubah kekasihnya menjadi Flora, yang kita lihat dalam kelompok pahlawan yang sama. Pelukis menangkap momen awal Transformasi:sosok Chloris tampaknya bergabung ke dalam inkarnasi berikutnya. Fakta bahwa pakaian dari dua sosok wanita ini dilukis dengan sangat baik oleh sang master berkibar ke arah yang berbeda, menunjukkan bahwa kedua gambar ini belum terhubung dan, seperti itu, dalam ruang makhluk yang berbeda.
Flora muda yang cantik dengan mudah melangkah maju, benar-benar menghujani seluruh ruang di sekitarnya dengan bunga-bunga halus, melambangkan datangnya musim semi. Di tengah komposisi adalah sosok Venus yang elegan dengan latar belakang hijau gelap. Gaunnya terbuat dari kain terbaik, dijahit dengan benang emas. Fakta bahwa dia adalah dewi cinta, menekankan jubah merah mewah simbolis yang melengkapi pakaiannya.
Gambar Venus di kanvas ditafsirkan oleh Botticelli, seperti gambar Bunda Maria yang diciptakan olehnya tadi. Wajah dewi Yunani mengungkapkan kesedihan, kerendahan hati dan rasa malu, dan kepalanya sendiri, sedikit condong ke kanan, ditutupi dengan selubung gas yang sangat tipis yang hanya menekankan kualitas ini.
Cupid bermata emas bersayap membubung di atas Venus, membidik dari busurnya ke sekelompok rahmat ilahi yang indah menari di sisi kiri kanvas. Penutup mata sutra seputih salju, terikat pada mata si kecil yang nakal, dirancang untuk mencegahnya membuat tembakan yang akurat. Berkat karakter yang menyentuh ini, Botticelli mengarahkan perhatian kita ke sekelompok tiga nimfa (makna simbolis yang dibaca dari kanan ke kiri, seperti Kecantikan, kesucian dan kesenangan), perlahan berputar-putar dalam tarian bulat. Tubuh ramping mereka telah menekankan proporsi memanjang, dan gerakan anggun dan halus membentuk bangunan yang jelas, gerakan melingkar berirama. Belokan dan tikungan yang mudah dari sosok tiga rahmat, Sambungan tangan dan kaki mereka yang anggun menyampaikan ritme tarian yang maju.
Kemungkinan model untuk sosok gadis adalah si cantik Simonetta Vespucci dan Katerina Sforza, yang terakhir digambarkan sebagai Kecantikan. Membuat gambar keindahan hutan, pelukis menunjukkan kecerdikan dalam gambar gaya rambut mereka. Dalam salah satu rahmat, rambut dikumpulkan dalam sanggul, di sisi lain mengalir di bahu dengan gelombang cahaya, dan di ketiga, punggungnya ditutupi dengan aliran emas gratis.
Di tepi kiri gambar, di sebelah dealer, adalah utusan dewa Merkurius. Tatapannya, ditujukan ke langit, mengarahkan perhatian pemirsa ke awan petir yang mengancam surga yang diberkati ini. Dengan gerakan ringan tapi percaya diri, pemuda itu tidak mengizinkannya masuk ke taman yang indah, di mana cabang-cabang pohon jeruk yang terjalin rapat memperkuat ritme tunggal seluruh pekerjaan, yang Botticelli dibangun dengan sangat terampil.
Seniman itu menunjukkan kehati-hatian dan akurasi yang tinggi dalam gambar berbagai jenis tanaman yang digambarkan dalam gambar. Dia dengan hati-hati mempelajari segala sesuatu yang tumbuh di musim semi di sekitar Florence. Jadi, para peneliti "mengidentifikasi" di atas kanvas lebih dari lima puluh spesies tumbuhan dan bunga. Hanya dalam karangan bunga di kepala Flora dan kalung bunga jagung, aster, semacam tumbuhan, bunga lili lembah, daun murad, periwinkle, lupakan-aku-tidak, bunga delima, biji bunga poppy, buttercup, violet, bunga dan buah stroberi terlihat jelas.
Fakta ini menunjukkan bahwa Botticelli dengan hati-hati memikirkan tidak hanya keputusan berirama yang kompleks dari komposisi karyanya, tetapi juga setiap detailnya, hingga pemikiran logis yang halus dari lokasi semua aktor, tunduk pada keteraturan yang ketat.
Mahakarya master lainnya - "The Birth of Venus", ditulis dengan cara yang sedikit berbeda. Lukisan, yang merupakan salah satu karya seni paling terkenal di dunia, seperti Musim Semi, memiliki prototipe puitis yang menjadi inspirasi bagi seniman. Landmark sastra lukisan itu adalah teks-teks Homer, "Stans" oleh Poliziano dan karya Virgil.
Tidak seperti "Musim Semi", dalam lukisan "The Birth of Venus" kita tidak melihat sudut Taman Eden yang terbatas, seolah-olah tersembunyi dari dunia oleh vegetasi lebat, tapi ruang terbuka langit dan laut. Botticelli menggambarkan periode pagi hari, ketika kabut malam yang bertebaran menghadirkan Venus yang indah kepada dunia. Dewi Kecantikan, baru lahir dari buih laut, berdiri di atas kerang laut yang besar, didorong ke pantai oleh pukulan Zephyrs. Munculnya Kecantikan di bumi adalah kemenangan - mawar terbang di bawah kakinya, dan dewi Oro bergegas menemuinya, membawa kecantikan muda jubah yang berharga, dengan bordiran bunga halus di atasnya.
Struktur komposisi gambarnya cukup sederhana dan jelas. Venus sendiri berfungsi sebagai perwujudan kecantikan yang ideal, fitur nya menyerang dengan sempurna dan harmoni. Seperti banyak gambar wanita Botticelli, bayangan kesedihan terletak di wajah Venus, hanya ditekankan oleh helaian rambut emas yang dikembangkan oleh angin. Seluruh pose dewi menyerupai patung kuno Venus Pudik yang terkenal (dari bahasa Latin - "sederhana, suci, malu"), juga dikenal sebagai Venus de Medici.
Komposisi komposisi didominasi oleh ritme linier halus yang memberikan gerakan pada semua bentuk yang digambarkan, memberi mereka volume dan menciptakan ilusi ruang dan kedalaman. Transparan, warna dingin dan terang, yang didominasi oleh kombinasi warna pucat (nada hijau pucat laut, rambut emas Venus, pakaian biru marshmallow, gaun putih dan jubah merah tua dari seorang bidadari yang bertemu dengannya), memberikan karya itu harmoni dan ekspresi khusus. Pekerjaan ini, seperti Musim Semi, telah menjadi salah satu lukisan pelukis yang paling terkenal.
Pengakuan Vatikan
27 Oktober, 1480, Botticelli, bersama dengan seniman Cosimo Rosselli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio, dan yang lainnya melakukan perjalanan ke Roma, dimana mereka diundang oleh Paus Sixtus IV, untuk menghias lukisan dinding "Kapel Besar", kemudian disebut Sistina.
Pada saat ini, Kemuliaan sang seniman sudah begitu besar sehingga Sixtus IV menempatkannya di kepala pelukis lain yang terlibat dalam pekerjaan itu. Mengingat bahwa orang-orang sezaman di atas semua karya lain menghargai dengan tepat komposisi yang dilakukan seniman "Hukuman Orang Lewi yang Bangkit", “Tiga Pencobaan Kristus” dan “Pemuda Musa”, ini dibenarkan. Lukisan-lukisan dinding sang master dengan sempurna melengkapi salah satu ansambel monumental terbesar dan paling khusyuk abad ke-15. Karya-karyanya mencolok dalam aksinya yang serba cepat, dinamisme dan emosi gambar.
Lukisan luar biasa "Pemuda Musa" (1480-1482, Kapel Sistina, Roma) adalah salah satu karya master yang paling monumental dan menceritakan kisah tokoh Perjanjian Lama Musa, yang misinya adalah mengusir orang-orang Yahudi dari Mesir. Botticelli menggambarkan beberapa adegan dari kehidupan pahlawan alkitabiah, yang terjadi pada waktu yang berbeda dan dimasukkan oleh seniman dalam satu komposisi. Pendekatan konstruksi lukisan seperti itu menunjukkan ketertarikan pelukis pada contoh seni monumental yang terkenal sebelumnya. Peristiwa dalam karya berkembang dari kanan ke kiri:di sini Musa membunuh orang Mesir; kemudian, melarikan diri dari balas dendam firaun, dia datang ke negeri Midian, di mana dia membantu memberi makan domba kepada putri-putri Yusuf; kemudian, Musa melepas sandalnya untuk pergi ke semak yang menyala, dari mana Tuhan memanggilnya, meletakkan padanya misi keselamatan dari penawanan umatnya. Episode terakhir menunjukkan eksodus dari Mesir dari anak-anak Israel. Meskipun komposisinya tampak berlebihan, setiap adegan dengan mudah dipilih dari seri umum. Semua gambar ditafsirkan dengan sangat kondisional dan dengan imajinasi seniman yang luar biasa. Penampil disajikan dengan dunia kuno yang agak ideal di mana banyak pahlawan mengenakan kostum Botticelli modern. Semua gambar karakter ditekankan serasi dan indah.
Lukisan dinding "Hukuman orang Lewi" (1481-1482, Kapel Sistina, Roma) terdiri dari beberapa adegan. Di sisi kiri adalah orang Lewi, yang berniat melempari Musa dengan batu, kemudian ada adegan merokok pedupaan imam besar Harun, api yang, dengan lambaian tongkat Musa, membakar pemberontak. Komposisi ditutup oleh sekelompok murtad, yang diserap oleh bumi itu sendiri. Isi semantik fresco itu seharusnya berkontribusi pada pembentukan otoritas kepausan. Sebagai tanda hormat kepada pelanggan, artis sering menggambarkan pohon ek di lukisan dinding - simbol heraldik Sixtus IV dan kombinasi warna lambangnya - biru dan kuning. Semua adegan alkitabiah terungkap dengan latar belakang pemandangan yang luar biasa.
Karya "Tiga Pencobaan Kristus" (1481-1482, Kapel Sistina, Roma), juga dibuat oleh Botticelli untuk kapel Romawi, menggambarkan episode Injil (Matius:4, Lukas:4), menceritakan tentang pencobaan Yesus oleh Iblis. Pada petak pertama, terletak di pojok kiri atas, ia menawarkan Kristus untuk mengubah batu menjadi roti, menerima jawaban:“Manusia tidak akan hidup dari roti saja”; bagian tengah komposisi menggambarkan mereka berdiri di atap candi, di mana Penggoda membujuk Anak Tuhan untuk bergegas turun; petak ketiga, terletak di pojok kiri atas, menggambarkan adegan di mana Iblis meminta Yesus untuk tunduk padanya.
Adegan itu sendiri dibuat oleh Botticelli dalam ukuran kecil, dan seluruh latar depan pekerjaan ditempati oleh ritual pembersihan penderita kusta. Dalam karya ini, seperti dalam The Adoration of the Magi, seniman menggambarkan orang-orang sezamannya, siapa, dalam rencananya, adalah saksi dari pemurnian yang sedang berlangsung. Diyakini bahwa di sudut kiri bawah komposisi menggambarkan potret diri Botticelli dan potret murid dan temannya Filippino Lippi. Di sisi yang berlawanan adalah keponakan Paus Sixtus IV, Girolamo Riario, terbungkus jubah merah.
Sebagai penulis biografi pelukis, Vasari, Botticelli menulis, mengerjakan mural di kapel, “mendapatkan ketenaran dan kemuliaan terbesar, dan dari paus mendapatkan sejumlah uang yang layak, yang segera dia sia-siakan dan sia-siakan saat dia berada di Roma, karena dia menjalani hidupnya seperti biasa dengan ceroboh. Pada musim gugur 1482, semua lukisan dinding selesai, dan para pelukis yang mengerjakannya meninggalkan Roma dan pergi ke Florence asal mereka. ”
Sukses dan ketenaran
bengkel Botticelli, yang telah mencapai ketenaran terbesar, dipenuhi dengan sejumlah besar pesanan di tahun 1480-an, yang seniman tidak punya cara untuk menangani sendiri, karena itu, semua bagian utama dari pekerjaan itu dilakukan oleh murid-muridnya, yang dengan sempurna meniru gaya indah sang seniman. Selama masa tenggang ini, Botticelli menerima pesanan baru dari pelindungnya Lorenzo di Pierre Francesco Medici.
Karya "Pallas dan Centaur" (1482, Galeri Uffizi, Florence) adalah untuk menunjukkan kepada seluruh dunia dan keturunannya betapa kuat dan kuatnya dinasti Medici dan betapa bijaksananya dinasti itu memerintah Florence. Atas permintaan Lorenzo yang Agung, pekerjaan itu dilakukan sebagai alegori dari "zaman keemasan" Florence, sejak zaman Medici.
Botticelli, atas kehendak bebasnya sendiri, memperluas cakupan plot, menambahkan gagasan tentang perjuangan antara yang baik dan yang jahat. Komposisi gambar didasarkan pada kontras - kontras gambar dewi yang indah dengan Centaur yang jelek. Gaun Pallas didekorasi dengan mewah dengan lambang rumah Medici. Dewi digambarkan dengan latar belakang pemandangan yang indah dengan langit yang jernih dan dalam di atas kepalanya. Di belakang Centaurus, kita melihat bangunan kuno bobrok yang melambangkan ketidaktahuan dan kekacauan.
Inspirasi penciptaan kanvas ini diyakini telah menjadi gagasan filsuf Marsilio Ficino:"Binatang dalam diri kita adalah naluri, pribadi dalam diri kita adalah akal." Asumsi ini menambahkan kemungkinan interpretasi lain dari karya tersebut:Botticelli secara visual membagi seseorang menjadi dua prinsip:yang ilahi, berhubungan dengan alam roh, cita-cita dan alasan yang tinggi, dan hewan - mewakili secara eksklusif kebutuhan tubuh fisik. Dari sudut pandang interpretasi plot seperti itu, gerakan Pallas menjadi personifikasi kekuatannya atas naluri alami. Fakta yang menarik adalah bahwa wajah Centaur menggambarkan penderitaan yang mendalam - ekspresi yang khas dari gambar orang-orang kudus dalam lukisan Botticelli.
Karya "Venus dan Mars" (1482-1483, Galeri Nasional, London), adalah karya multifaset lain dari master. Sarang lebah dengan serangga yang mengelilinginya, digambarkan di sudut kanan atas komposisi, menunjukkan bahwa lukisan itu dipesan oleh perwakilan dari rumah Vespucci, yang merupakan simbol heraldik dari genus. Alasan yang mungkin untuk menulis kanvas ini adalah pernikahan salah satu anggota rumah. Seluruh rencana pertama, memanjang horizontal, ditempati oleh sosok-sosok Venus, berbaring dalam pikiran, dan yang santai, tidur Mars. Tepat di belakang mereka dengan senjata dewa perang yang tangguh adalah satir kecil.
Di Firenze, paruh kedua abad XV, astrologi menjadi tersebar luas, sehingga karakter yang digambarkan di kanvas dapat diartikan sebagai gambar alegoris dari planet-planet, dan bukan hanya dewa Olimpiade. Warna karya dibedakan oleh pengekangan yang megah, dan kanvas itu sendiri menghembuskan kedamaian. Konstruksi komposisinya ringan dan sangat seimbang.
Pada tahun 1485, Botticelli menciptakan karya luar biasa lainnya - "The Altar of Bardi" (Museum Negara, Berlin). Gambar altar, yang nama lengkapnya terdengar seperti “Madonna and John the Baptist and John the Evangelist”, dilukis atas perintah Giovanni Agnolo Bardi dan ditujukan untuk kapel keluarganya di gereja Santo Spirito.
Kanonisitas yang ketat dibedakan oleh konstruksi komposisi karya master ini. Di tengah gambar, di atas takhta berhias, Ratu Surga duduk, dengan Bayi di pelukannya, di kedua sisinya adalah orang-orang kudus - Yohanes Pembaptis dan Yohanes Sang Teolog. Semua sosok terletak di latar belakang gazebo taman dengan tiga lengkungan, yang menyamakan gambar dengan patung antik.
Altar Bardi sangat berbeda dari yang lain, karya-karya sebelumnya oleh Botticelli. Semua garis disetel dengan baik dan jelas, bahkan agak kaku, yang terlihat jelas pada "ornamen" yang dibentuk oleh dedaunan. Gambar Madona, yang sebelumnya digambarkan oleh seniman dengan sangat anggun dan khidmat, diisi dengan intonasi yang sama sekali baru. Di Sini, pertama-tama kita melihat seorang ibu, penuh kecemasan dan kesedihan, untuk mengantisipasi nasib sulit anaknya. Terutama rapuh adalah fitur wajah dan tangan Maria yang memanjang, menekankan citranya yang tidak wajar. Peran penting dalam pekerjaan dimainkan oleh simbol-simbol teologis yang mengisyaratkan inkarnasi Kristus - bunga lili, Zaitun, telapak tangan dan salam.
Komposisi seperti itu semakin menarik artis, mulai dari tahun 1480-an. Ini adalah gambar altar yang paling hati-hati dia pelajari sendiri, memilih mereka di antara banyak pesanan yang masuk. Karya-karya yang paling menonjol dari periode ini adalah The Altar of St. Barnabas (nama lain adalah Madonna on the Throne dengan Saints Catherine dari Alexandria, Agustinus, barbara, Yohanes Pembaptis, Ignatius dan Malaikat Tertinggi Michael, sekitar tahun 1487, Galeri Uffizi, Firenze), Madonna dengan buah delima ”(sekitar 1487, Galeri Uffizi, Florence) dan" Madonna Magnificat "(nama lain adalah" Yang Mulia Madonna ", sekitar tahun 1483-1485, Galeri Uffizi, Florensia).
Berkat ini dan karya lainnya, ketenaran Botticelli menggelegar di seluruh Italia. Ada kasus yang diketahui ketika Duke of Milan bertanya siapa pelukis terbaik di Florence, dan mendengar jawaban yang pasti - Botticelli, "who can perfectly write both on the wall and on the board, and whose paintings are extraordinary in strength and perfect proportions."
The portrait, although it was not a favorite genre of the painter, still occupied a significant place in his work. In the images of his contemporaries, Botticelli strove to adhere to the prevailing traditions of the Florentine profile portrait, although he sometimes allowed himself to bring into the work some of the achievements of the Dutch masters. Not all the works now attributed to the painter can be considered his own work. Most likely, some of them were written by his students. The earliest portrait attributed to the brush of the great Botticelli is the “Portrait of a Young Man” (1470, Palatine Gallery, Florence). Depicted on it is a very young Florentine, with big eyes arrogantly looking at the viewer, wearing a red jacket and a traditional dark cherry color cappuccino. A young man stands against a transparent blue sky.
Around 1474, Botticelli wrote the mysterious Portrait of an Unknown Person with the Cosimo Medici Elder Medal (Uffizi Gallery, Florence). The work has a number of features. Jadi, a young man pictured against a magnificent spring landscape, with both hands presses a medal to his chest with a portrait of Cosimo Medici engraved on it. Botticelli somewhat idealized the image of the model, softening its features, while emphasizing its characteristic features - a clear contour of the face contour and a clear direct look. Intense black and red colors, in the costume of the person portrayed, create an unusually strong color chord. The surrounding landscape brings in emotional overtones. The whole intonation of the work gives out tension - obvious unnaturalness in turning the head, a sad look, an uncertain gesture of hands and a sharp color contrast of the hero’s background and clothes.
Compositionally, the construction of works has been changing since the second half of the 1470s. The painter no longer uses the landscape background, and the entire surrounding space is greatly simplified, while the figure of the model, usually located in three quarters or a profile, occupies almost the entire space of the picture. Female portraits are clearly idealized, Misalnya, “Portrait of Simoneta Vespucci” (circa 1480, State Museum, Berlin), and the models are mainly located in profile. The four surviving versions of Portrait of Giuliano Medici (National Gallery of Washington, Carrera Academy in Bergamo, Armchair Collection in Milan and the State Museum in Berlin) are distinguished by a very peculiar style of writing. It is not known for certain whether at least one of these works belongs to the brush of Botticelli himself.The compositional construction of all versions of the portrait of Giuliano is almost identical. The model is always located almost in profile against a light background. A thin, smooth line is the main means of expression.
Most of the portraits owned by Botticelli, was characterized by a special melancholy intonation. The identities of most of the young men depicted by the master remained unknown to us. Meskipun, the painter preferred to paint people whom he knew well or admired for their spiritual qualities. In portraits executed in the years 1482-1490, the artist’s desire for a more realistic interpretation of the image is manifested. Portraits of the master’s brush become more psychological, innovations also appear in compositional construction, Misalnya, in the painting “Portrait of a Young Man” (circa 1483, Galeri Nasional, London), the model is located in front of the portraitist.
Sharp turn
The turbulent political events in Florence in the early 1490s significantly influenced the life of Sandro Botticelli. In 1492, Lorenzo the Magnificent died. Piero Medici, who inherited power from his father, turned out to be a mediocre ruler, who brought the entire Medici home into exile from his hometown due to a number of gross political mistakes. Hasil dari, a fierce fighter for faith and asceticism came to power, the Dominican monk Girolamo Savonarola.
Savonarola has long opposed the tyranny of the Medici family, accusing him of corruption and excessive love of luxury and debauchery. Even the Pope came from a fierce champion of faith, the fiery sermons of the monk resonated in the souls of many citizens, which later brought Savonarola to power. I must say that the people really voluntarily followed the monk, apparently tired of the luxurious lifestyle of their rulers, even in the heart of Botticelli, the Dominican was able to raise doubts about the loyalty of the chosen creative path. There was no one to support the painter, his students and friends were also impressed by the new ruler, and his beloved brother Giovanni died. Hasil dari, the artist took a wait-and-see position, not joining either side of the conflict between Savonarola and the Medici.
The militant monk arranged a real "day of judgment" for Florence. On February 7, 1497, a fire was kindled in Signoria Square, in which the townspeople, impressed by the Dominican sermon, burned musical instruments, jewelry, luxurious women’s dresses, paintings that did not meet Christian morality, as well as those condemned by Savonarola as the embodiment of sin. This day became fatal for the history of art - many young artists, including students of Botticelli himself, brought and threw their works into the “purifying flame”. The painter did not directly participate in the act of repentance of "sinners", perhaps because his weakened legs no longer allowed him to walk independently.
The reign of Savonarola was not very long, on May 23, 1498, the people of Florence burned the slandered monk with the same fanaticism with which he burned magnificent works of art a year earlier. Oddly enough, on Botticelli, the execution of the Dominican made an even greater impression than his sermons. The painter began to be tormented by guilt and bouts of hopelessness, his soul rushed to the dream of religious renewal. Hasil dari, doubts and pain in the soul of the artist made him unsociable. The fame of the master began to fade, orders became less and less.
In the late period of his work, Botticelli creates several paintings either commissioned by the devotees of Savonarola, or painted under the influence of his sermons. The latter include two altar images “Mourning of Christ” (1495, Museum of Poldi Pezzoli, Milan and 1500, Old Pinacoteca, Munich). The works stand out for the artist’s new interpretation of Christian drama - as intolerable human grief. All the characters depicted in these two works are gripped by endless grief over an innocent victim. By order of the “piagnoni” (literally “crybaby”) - adherents of Savonarola, the painter writes “The Last Communion of St. Isronim” (circa 1498, Metropolitan Museum of Art, New York) for Francesco del Puglieze; and "St. Augustine" (1490-1495, Uffizi Gallery, Firenze), for Giacomo and Giovannidi Bernardo.These rare orders allowed the artist to somehow stay afloat.
Pada tahun 1502, the master’s health was finally undermined. Pada saat ini, according to the slander of ill-wishers and envious people, a lawsuit was instituted against Botticelli on charges of his sodom sin. The most likely reason for such suspicion was that the painter had never entered into a legal marriage in his entire life. These events further complicated the life of the master, and eight years later, at the age of sixty-five, the great Sandro Botticelli passed away. He is buried in the cemetery at the Florentine church of Onis.
