Pelukis Prancis terkenal Paul Cezanne adalah pelopor dalam pasca-impresionisme. Hidup dan bekerja dengan master impresionisme paling terkenal, berada di awal perjalanannya di bawah pengaruh mereka, Cezanne, mencari gayanya sendiri, melangkah lebih jauh dari rekan-rekannya. Setelah mempelajari seni menyampaikan keadaan alam yang ajaib, sang seniman menyelidiki pencarian fondasi formatif dari segala sesuatu di sekitarnya dan mencoba mempelajari logika batin segala sesuatu. Pendekatan inovatif pelukis tidak memungkinkannya selama hidupnya untuk menerima kesuksesan dan ketenaran yang memang layak. Hanya waktu yang menempatkan semuanya pada tempatnya.
Melempar Pemuda
Artis masa depan lahir 19 Januari, 1839 di sebuah kota kecil di selatan Perancis - Aix. Paul adalah anak sulung dalam keluarga bankir Louis - Auguste Cezanne. Ayahnya, yang memulai dengan produksi dan penjualan topi, dan kemudian membuka banknya sendiri, adalah orang yang sangat kuat, seluruh keluarga dengan ketat mematuhi kehendaknya. Ibu artis, Anna, Elisabeth, melahirkan dua anak perempuan lagi, Maria dan Rosa, tapi dia memuja anak pertamanya, Paulus, dan selalu berusaha mendukungnya. Pelukis itu sendiri mengidolakan seluruh hidupnya dan takut pada ayahnya.
Sejak kecil, memiliki keinginan untuk menggambar, Paul Cezanne dari lima tahun mengecat dinding di rumah dengan arang, bahkan kemudian menciptakan gambar yang sangat bisa dipercaya. Tapi hanya ibunya yang bangga dengan keberhasilannya, ayahnya bermimpi melihat penggantinya dalam diri anak laki-lakinya. Atas kehendak ayahnya, Paul pada tahun 1849 memasuki salah satu sekolah kota terbaik - Sekolah St. Joseph, dari mana, pada tahun 1852 ia dipindahkan ke kelas enam dari Bourbon Closed College yang bergengsi.
Di kampus, artis terkenal masa depan Paul Cezanne bertemu dengan penulis terkenal masa depan - Emil Zola. Persahabatan mereka, pada akhirnya, memainkan peran penting dalam nasib pelukis. Lalu, di masa mudanya, Zola-lah yang menemukan kepada Paul dunia magis buku dan puisi. Teman sering menjauh dari Aix, penuh mimpi tentang masa depan yang indah dan cinta yang murni.
Pada tahun 1855, Paul yang berusia enam belas tahun lulus dari perguruan tinggi, menonjolkan dirinya dalam menulis puisi dalam bahasa Prancis dan Latin, dan sama sekali tidak disadari sebagai seorang seniman. Setelah lulus kuliah, Cezanne memasuki Fakultas Hukum, di mana ayahnya bersikeras dengan tegas. Pada waktu bersamaan, di sore hari, Paul mulai belajar di Sekolah Seni Lukis Joseph Joseph Giber. Untuk kegembiraan pemuda itu, sang ayah tidak melihat sesuatu yang tercela dalam keinginan anaknya ini.
Museum kota yang baru dibuka, tempat lukisan dipamerkan, menjadi tempat favorit para calon seniman. Di Sini, dan di ruang kelas di sekolah Gibert, Paulus merasa benar-benar bahagia, ia memiliki mimpi untuk menjadi seorang seniman. Tetapi ayahnya tidak ingin mendengar tentang perubahan nasib putra tunggalnya, dia masih bersikeras mempelajari hukum yang sama sekali tidak menarik baginya. Jiwa Cézanne muda memimpikan Paris, dimana ia aktif diundang oleh teman kuliahnya Emil Zola, yang saat itu pindah ke ibu kota Prancis dan mencoba karya sastra. Pada akhirnya, Paul Cezanne masih meninggalkan kelas hukum dan memperoleh izin dari ayahnya untuk berangkat ke Paris, dimana Zola mendesaknya untuk mulai serius belajar melukis.
Pada tahun 1861, pelukis muda itu pindah ke ibu kota Prancis dan bersiap memasuki Akademi Seni Rupa. Cezanne mulai menghadiri kelas di bengkel Lewis, di mana ia bertemu impresionis masa depan Camille Pissarro dan Claude Monet, yang belajar menggambar, tetapi sudah memiliki visi tersendiri tentang perkembangan seni gambar.
Pissarro langsung percaya pada Cezanne dan memprediksi kesuksesan di masa depan. Namun seniman muda dari provinsi tersebut merasa asing dengan suasana bengkel ibu kota. Satu-satunya teman yang dia buat di sana adalah rekan senegaranya - kurcaci Achilles Amperera, yang kemudian dengan antusias menulis wanita telanjang. Paul Cezanne sangat tidak yakin dengan kemampuan dan bakatnya. Kadang, baginya semua pengejarannya tidak ada artinya dan dia harus kembali ke Ex untuk menjadi penerus ayahnya. Mungkin, artis itu tersiksa oleh penyesalan dan rasa bersalah di hadapan orang tua, yang harapannya tidak terpenuhi. Siksaan mental dan keraguan ini akhirnya menyebabkan sang seniman meninggalkan lukisan favoritnya dan pada tahun 1861 yang sama ia kembali ke kampung halamannya.
Di Aix, Paul mulai bekerja di bank Cezanne - yang tertua, yang sangat senang dengan "kembalinya anak yang hilang". Namun kegembiraan keduanya berumur pendek. Paul tidak bisa hidup lama tanpa melukis dan segera, dari kerinduan, lagi mulai menghadiri sekolah Gibert. Setelah menghabiskan satu tahun di rumah dan percakapan tanpa akhir dengan ayahnya, pemuda itu kembali berangkat ke Paris, kali ini, setelah memutuskan, dengan segala cara, untuk pergi ke sekolah di Akademi Seni Rupa.
Benar, dalam persiapan untuk lulus ujian, Cezanne tiba-tiba menemukan bahwa dia benar-benar asing dengan seni yang ingin dia pelajari. Lukisan salon baginya tampaknya tidak perlu dan kosong. Plus, Paul kembali mulai meragukan bakatnya sendiri. Dia bekerja keras, tetapi ketidakpuasannya dengan dirinya sendiri semakin meningkat. Hasilnya adalah kegagalan lain - sang seniman tidak pernah bisa memasuki sekolah melukis.
Pada tahun 1863, dia mengunjungi Salon, di mana dia melihat karya skandal Eduard Manet, ditolak masyarakat, "Sarapan di Rumput." Karya yang membuat zaman ini, berkat revolusi nyata yang terjadi dalam seni waktu itu, juga mengubah visi dunia Cezanne. Dialah yang memperkenalkan artis muda, seperti banyak rekan-rekannya, pemahaman baru tentang seni.
Nasib Cezanne adalah kenalan dengan Frederick Basil, yang terjadi pada tahun yang sama. Basil membawanya ke bengkel Gleyre, di mana Claude Monet, Alfred Sisley dan Auguste Renoir berasal. Rasa malu alami, dengan pada saat yang sama absurditas karakter, tidak mengizinkan Cezanne bergabung dengan lingkaran impresionis masa depan. Hasil dari, artis selalu memisahkan diri, mencoba untuk tidak masuk ke dalam diskusi dan percakapan, dan tidak berpartisipasi dalam pertemuan mereka.
Pada tahun 1864, menerima penolakan Salon untuk menerima pekerjaan barunya, Cezanne kembali meninggalkan kelas melukis dan kembali ke Ex. Benar, dia terus menulis di sana, tidak dapat meninggalkan kelas seni. Hasil dari, enam bulan kemudian, Cezanne kembali datang ke Paris untuk menawarkan karyanya untuk berpartisipasi di Salon, dan kembali menerima penolakan. Frustrasi, artis yang hampir kehilangan kepercayaan pada dirinya sendiri, sekali lagi pulang tanpa apa-apa.
di kapak, Paul mengabdikan dirinya untuk potret. Dia bekerja keras, namun tahun depan karya seniman tersebut tidak diterima oleh pihak Salon. Cezanne benar-benar putus asa. Dia memutuskan bahwa karyanya tidak akan pernah dipahami, tapi tidak ingin menulis berbeda. Sesampainya di Salon lagi dan memamerkan karya-karyanya, dia menerima tepuk tangan mengejek, penonton secara terbuka menertawakan pelukis.
Tetapi sesuatu yang baik sedang terjadi di Salon - seseorang memperkenalkan artis kepada Eduard Manet, yang berbicara hangat tentang pencarian kreatif untuk bakat muda. Akhirnya, setelah mendapat review positif, dan bahkan dari idolanya, Cezanne mendapatkan kepercayaan diri dalam pilihan jalur kreatif yang tepat. Kembali ke Mantan, pelukis menjadi semacam selebriti. Mereka mulai mengenalinya di jalan, seniman lokal bahkan mencoba untuk menyalin karya-karyanya, tetapi rasa ingin tahu publik masih agak bermusuhan.
Godaan St. Antonius
Karya "The Temptation of St. Anthony" (1867-1869, E. Yayasan Burle, Zurich) mengacu pada karya-karya awal Cezanne. Menggunakan plot agama klasik, artis menggambarkan tubuh wanita telanjang dengan latar belakang alam. Sebenarnya, plot itu hanya alasan untuk secara terbuka menulis ketelanjangan. St Antonius sendiri, siapa, dalam teori, seharusnya menjadi karakter utama gambar, dialokasikan tempat sederhana di tepi kiri kanvas, dan bahkan di sana, sosoknya hampir menyatu dengan latar belakang.
Tidak juga pada orangnya, maupun dalam pose St. Antonius perjuangan batin daging dan roh manusia tidak dapat dibaca. Jika tujuan sang seniman adalah untuk menggambarkan seorang santo Kristen yang berjuang dengan obsesi dosa, maka bisa dikatakan pekerjaan Cezanne gagal. Tetapi pelukis tidak berusaha untuk ini sama sekali, dia hanya tertarik pada tubuh wanita.
Kontras tajam chiaroscuro memahat volume menggunakan bentuk-bentuk monumental yang kuat. Komposisi piramida klasik dari bagian tengah karya itu sendiri tampaknya tidak relevan dengan plot:gadis-gadis yang membentuk lingkaran setan dengan sosok mereka sama sekali tidak beralih ke St. Anthony. Mereka ada secara independen darinya. Dan hanya kelompok figur yang diatur dengan terampil yang terletak di tepi kanvas - St. Anthony dan sang penggoda, yang muncul di hadapannya dalam pose terbuka yang berlebihan, sesuai dengan nama pekerjaan. Pasangan ini dibangun sesuai dengan prinsip klasik simetri. Pose terbuka seorang wanita yang menunjukkan tubuhnya kontras dengan pose tertutup Anthony, yang buru-buru mencium bau pakaian kasar.
Patut dicatat bahwa Cezanne tidak menggambarkan keindahan, dia benar-benar menulis tubuh wanita yang tidak sempurna. Ngomong-ngomong, mereka bisa disebut cantik dengan peregangan:Cezanne jauh dari idealisasi gambar, dia menulis sederhana - wanita. Pengaruh impresionis terasa pada corak warna yang kontras dan pantulan warna hijau disekitarnya pada tubuh wanita. Namun, Cezanne menggunakan penemuan impresionisme secara berlebihan, hampir membawanya ke titik absurditas, yang membawa karyanya lebih dekat dengan karya Fauvis, yang belum memasuki kancah seni dunia.
Kehidupan pribadi
Setahun kemudian, pada tahun 1870, artis berkenalan dengan Hortense Ficket, yang menjadi model konstannya. Perang yang dimulai pada tahun yang sama dengan Prusia, Cezanne, bersama dengan Fik, menunggu di Estac (provinsi Provence). Pelukis dengan hati-hati menyembunyikan dari keluarganya hubungannya dengan model, jika tidak, seorang ayah yang marah dapat meninggalkannya tanpa kepuasan, yang hampir tidak cukup untuk hidup. Hanya berkat sedikit bantuan dari ayah, artis, yang tidak dipahami dan tidak diterima oleh masyarakat, mampu bertahan, karena itu, bahkan ketika putra Grotzenia, Paul, lahir pada tahun 1872, peristiwa paling penting ini tetap menjadi misteri bagi semua kerabat Cezanne.
Segera artis itu pindah ke Pontoise, tempat Camille Pissarro tinggal - salah satu dari sedikit yang percaya pada potensi Cezanne. Mendukung seorang teman sangat membantu. Pissarro yang impresionis mengajarkan bahwa Anda perlu melepaskan ego Anda dan menulis apa yang Anda lihat, mentransfer ke kanvas keadaan alam yang sebenarnya dan tidak menafsirkan dunia di sekitar kita.
Di Sini, Cezanne diperkenalkan kepada Dr. Ferdinand Gachet, yang gemar melukis dan menghargai seni "baru". Gachet segera menyatakan bahwa dia menganggap Cezanne sebagai seniman hebat, dan meyakinkannya untuk pindah ke rumahnya di Auvers. Persepsi antusias Gachet tentang kreativitas Cezanne menginspirasi harapan pada pelukis. Tidak ada yang pernah tertarik pada pekerjaannya dan menganggapnya serius. Di Sini, sang seniman merasakan minat yang tulus dari seluruh keluarga Gachet dalam karyanya dan mulai melukis banyak pemandangan, terbawa oleh metode penulisan impresionistik.
Kepribadian yang cerah
Lukisan "Rumah Orang yang Digantung" (1873, Museum d'Orsay, Paris), meskipun namanya suram, adalah pemandangan yang cerah. Konstruksi komposisi kanvas yang luar biasa dan tidak biasa seperti kolase dan didasarkan pada kombinasi rencana yang berbeda.
Latar depan memperkenalkan pemirsa ke dalam ruang gambar. Di atasnya kita melihat lereng berpasir yang biasa-biasa saja, dengan tunggul pohon di sudut kiri bawah, ditempatkan di sini sebagai "titik awal" untuk kemajuan bertahap ke kedalaman. Denah kedua ditempati oleh sebuah bangunan dengan atap gelap dan sebuah bukit yang ditumbuhi rumput, di belakangnya terbuka "rumah orang yang digantung" yang tidak sedap dipandang, seolah-olah menonjol dari bukit dan merupakan denah ketiga dari gambar. Di belakangnya Anda bisa melihat atap rumah yang terletak tepat di bawah - denah keempat, yang menunjukkan bangunan dengan dinding bata merah cerah.
Mengikuti artis, mata pemirsa dari sudut kiri bawah kanvas menuruni lereng bukit, berkelok-kelok di antara dinding bangunan dan medan yang tidak rata dan, dengan demikian, mengungkapkan seluruh kedalaman ruang. Dan semakin Anda melihat ke dalam ruang ini, semakin kompleks sepertinya. Cezanne menyampaikan pemandangan persis seperti yang dia lihat dalam bentuk barang, tanpa membangunnya kembali dari perspektif, jadi rumah-rumah oranye tampak berdiri tepat di atap gedung di dekatnya, dan pohon-pohon besar di sudut kiri atas komposisinya ditumpuk dengan konyol tepat di atas "rumah gantung".
Itu adalah absurditas komposisional, tak terpikirkan untuk seni klasik, yang memungkinkan seniman untuk dengan setia menggambarkan dunia seperti yang dilihatnya. Lukisan "Rumah dan Pohon" (1873-1874, koleksi pribadi) pada struktur komposisi menyerupai fragmen dari karya sebelumnya:latar depan yang belum selesai yang sama, sebuah bangunan batu putih masih tumbuh langsung dari bukit, yang ditumbuhi pohon bercabang. Batang berliku yang, seolah-olah melintasi bidang dinding, "terbentang" di sepanjang itu, seperti retakan raksasa. Motif seperti itu memberikan akord dramatis yang aneh - menarik untuk seluruh karya, menciptakan kesan rahasia yang dimiliki rumah itu sendiri, seolah-olah tersembunyi di balik batang dan cabang pohon.
Kanvas "Rumah Dr. Gachet di Auvers" (1873, Musée d'Orsay, Paris) dibedakan dengan pergantian yang pertama, kosong, dan kedua - rencana yang terlalu penuh. Jadi Cezanne menciptakan komposisi yang harmonis. Rumah-rumah yang digambarkan yang dipahat sang seniman dengan padat satu sama lain, seolah ramai di jalan provinsi ini. Dengan hati-hati melihat garis-garis dinding mereka, menjadi jelas bahwa mereka jauh dari genap. Cezanne tidak mengejar kejelasan garis, di sisi lain, dia sengaja mendistorsi mereka, seperti sinar matahari yang menyinari permukaan secara tidak merata, tergantung pada tekstur dan kedekatannya dengan objek lain.
Paul Cezanne hanya menulis apa yang dia lihat, tanpa memuliakan lingkungan, seperti yang harus dilakukan oleh artis yang "benar". Sudah di sini ketertarikan seniman pada bentuk-bentuk monumental sederhana dimanifestasikan, yang akan menjadi ciri khas gaya individu master. Di bawah perlindungan Camille Pissarro, Cezanne, pada tahun 1874, berpartisipasi dalam pameran pertama kaum Impresionis. Lagi, karyanya diolok-olok, Namun, dia bekerja, "The Hanged Man's House" dibeli oleh seorang kolektor yang sangat besar, yang mengilhami harapan pada artis, tersiksa oleh kesalahpahaman.
Kehidupan Cezanne yang sulit dibaca dengan baik pada potret diri yang ditulis pada tahun 1875 (Musee d'Orsay, Paris). Di atasnya kita melihat seorang seniman botak dengan tampilan ingin tahu dan tidak percaya. Paul Cezanne secara intuitif mencari jalannya dalam seni, yang dia jalani sendiri, tanpa memenuhi baik persetujuan atau ketenaran. Karya master tetap tidak bisa dipahami, dan dia sendiri menderita karena kurangnya permintaan. Hanya ketegaran dan ketidakpatuhan alami yang membantu artis bergerak maju, tetapi ejekan dan kesepian yang terus-menerus terkadang membuatnya meragukan visi seninya sendiri. Hal ini menyebabkan ketidakpercayaan pada diri sendiri dan orang lain, yang terlihat dalam tatapan pelukis.
Dalam karya "Perjuangan Cinta" (Bacchanalia, 1875, Koleksi oleh A. Harriman, New York), artis beralih ke tema mitologis yang memungkinkan gambar bebas dari tata letak di ruang tubuh jalinan telanjang. Kanvas ekspresif memberikan kesan etude karena elaborasi yang digarisbawahi dari tokoh-tokoh itu sendiri.
Serangkaian metode komposisi memperparah kesan yang sedikit berlebihan dari perjuangan sengit para pecinta pasangan yang sangat bersemangat:pohon-pohon menggantung mengancam, cakrawala rendah menekankan langit yang luas, seolah-olah memberi tekanan pada pahlawan, bahkan awan yang berputar-putar dengan kontur yang sangat tajam tampak agresif. Lukisan itu didasarkan pada prinsip pemandangan teatrikal:tebing dengan pepohonan yang tumbuh di atasnya berfungsi sebagai belakang panggung. Kurangnya kedalaman di kanvas, hanya menekankan efek ini.
Sebuah pertemuan penting untuk Cezanne terjadi pada tahun 1875, ketika Auguste Renoir memperkenalkannya kepada kolektor keranjingan Viktor Choquet, yang membeli salah satu lukisan seniman. Sejak saat itu persahabatan panjang mereka dimulai. Pada tahun 1877, pelukis menciptakan "Potret Victor Choquet Duduk" (Galeri Seni Rupa, Colombus), di mana kita melihat seorang teman seniman duduk di kursi megah era Louis XVI, dalam suasana rumah yang santai.
Di dinding terlihat karya seni yang merupakan bagian dari koleksi Choquet. Benar, mereka tidak termasuk dalam "bingkai" secara keseluruhan, tetapi diberikan dalam fragmen atau hanya ditunjukkan oleh bingkai berlapis emas. Artis tidak berusaha mereproduksi dekorasi ruangan dengan hati-hati atau secara fotografis secara akurat menyampaikan fitur-fitur sang pahlawan. Dia menciptakan gambaran umum seorang kolektor sebagai orang yang penuh perhatian dan bijaksana yang secara intuitif dapat menghargai nilai artistik sebuah karya. Sosok tinggi Viktor Shoke terlihat agak lucu di kursi tua yang rendah, tepi atas kanvas memotong rambut abu-abunya, dan kaki model dan kaki kursi dicat hampir mendekati tepi bawah kanvas. Ini memberi kesan bahwa kolektor sangat dekat dengan kerangka gambar yang ditentukan.
Salah satu dari banyak potret Hortense - "Nyonya Cezanne di kursi merah" (1877, Museum Seni Rupa, Boston), yang, kebetulan, belum menjadi istri resmi artis, luar biasa spektakuler dalam skema warnanya. Pelapis merah kursi kontras dengan warna kehijauan-zaitun dan biru dari pakaian Hortense dan dinding di belakangnya, dan juga dengan sempurna membedakan sosok pahlawan wanita. Karya itu membuat kesan monumental karena kedekatan maksimal wanita muda itu dengan penonton. Tepi atas kanvas memotong sebagian gaya rambutnya, dan bagian bawah - ujung roknya. Pasangan hidup Cezanne melihat ke samping, dan tangannya dengan jari bersilang membangun penghalang psikologis antara model dan penonton.
Kami melihat transmisi yang sangat umum dari fitur lokal di lanskap "Pegunungan di Provence Prancis" (1878, Museum Nasional Wales, Cardiff). Cezanne secara mental membongkar objek ke dalam bentuk individu yang membentuknya, dan kemudian membangun realitasnya sendiri dari mereka. Teknik ini akan terus menjadi ciri khas konstruktivis.
Bahkan lebih "konstruktif" adalah karya "Rumah di Provence dekat Estacus" (1879, Galeri Nasional, Washington), "Gunung Saint Victoria" (1886, Galeri Nasional, Washington) dan “Rumah di Provence” (1885, Museum Seni Herron, Indianapolis). Batu, bukit, dinding tempat tinggal muncul di hadapan kita dalam bentuk bentuk umum, melewati prisma visi analitis Cezanne, yang memotong segala sesuatu yang berlebihan dari mereka, hanya menyisakan esensi. Semua garis besar gunung dan ladang di atas kanvas "Pegunungan di Provence" (1886-1890, Galeri Tate, London) ditekankan benar dan geometris.
Artis aktif bekerja, tapi Salon tetap menolak karya-karyanya. Cezanne kembali diejek di pameran impresionis ketiga. Benar, ada satu penikmat seni seniman, secara teratur membeli karyanya - seorang pejabat kecil muda yang bekerja di bursa, bernama Paul Gauguin.
Setelah melewati karir yang solid, Paul Cezanne tidak pernah menjadi seorang impresionis. Ketertarikannya pada transmisi impresionis citra alam dan lingkungan cahaya-udara digantikan oleh kesadaran akan kebutuhan akan tatanan spekulatif dari realitas di sekitarnya. Tidaklah cukup bagi seniman untuk melihat dan mereproduksi, dia perlu melihat dan menyampaikan struktur tersembunyi dunia.
Hidup naik turun
Pada tahun 1886, sejumlah peristiwa terjadi dalam kehidupan pribadi pelukis. Pertama, Cezanne, hampir bertentangan dengan keinginannya (karena dia sangat menyukai pelayan muda di rumah ayahnya), menikah dengan Hortense, siapa, atas desakan anggota keluarganya, pindah ke perkebunan Cezanne di Provence. Pada saat ini, putra artis Paul sudah berusia empat belas tahun. Kedua, teman masa mudanya, Cezanne, seorang penulis terkenal Emil Zola, menerbitkan novel "Kreativitas", di mana artis membuat prototipe karakter utama. Novel ini dengan sempurna menunjukkan sikap Zola terhadap Cezanne sendiri dan seninya, mengakhiri hidup pahlawan dengan bunuh diri. Pelukis menganggap gerakan ini sebagai pengumuman keras bahwa seorang teman lama tidak percaya pada seniman itu sendiri atau pada seninya. Dengan demikian, berakhirlah persahabatan antara dua jenius pada zaman itu - seorang penulis hebat dan seniman hebat. Ketiga, ayah tirani pelukis meninggal, meninggalkannya warisan yang kuat.
Dua tahun kemudian, Cezanne menciptakan potret ganda yang indah dari putranya Paul, mengenakan kostum Harlequin, dan temannya, mengenakan kostum Pierrot. Lukisan "Pierrot dan Harlequin" (1888, A. Museum Seni Rupa Negara Bagian Pushkin, Moskow) menggambarkan sebuah adegan dari festival karnaval Maslenitsa, yang terjadi tepat sebelum pos (sehubungan dengan nama kedua lukisan itu adalah "Mardigra", yaitu "minggu pancake"). Di atas kanvas, sang ayah secara terbuka mengagumi putranya. Kami melihat Paul tampan yang sangat arogan, yang melangkah keluar dari sayap, memandang rendah penonton. Dengan latar belakang ini, Pierrot yang terpisah, membungkuk dalam posisi yang agak konyol, tampaknya halaman yang mewajibkan.
Atas permintaan Hortense, pada tahun 1888 Cezannes pindah ke Paris. Setahun kemudian, gambar pelukis "The Hanged Man", karena proyeksi kolektor Viktor Shoke, dipresentasikan di Pameran Dunia. Namun karya tersebut luput dari perhatian publik, karena ditempatkan terlalu tinggi.
Sekali lagi, karya-karya Cezanne tidak terlihat dan tidak ingin dilihat, dan bakatnya lagi tetap tanpa pengakuan. Pelukis itu sudah berusia enam puluhan, masalah kesehatan memaksanya untuk terus-menerus mengubah tempat tinggalnya, tetapi dia terus melukis dan bahkan mewujudkan impian masa mudanya - dia menciptakan karyanya sendiri dalam semangat karya "Pemain Kartu" oleh Louis Lenin, yang membuat kesan yang besar pada dirinya bahkan di masa mudanya.
Lukisan "Pemain Kartu" (1892, Museum Seni Metropolitan, New York) adalah karya bergenre yang menggambarkan tiga pria muda di hobi favorit mereka. Sosok pengamat di latar belakang terpotong di bahu oleh tepi atas gambar, terima kasih padanya, dalam rencana komposisi, kanvas tampaknya tidak lengkap. Berusaha keras untuk mengungkapkan gagasan dengan jelas dan ringkas, Cezanne menulis beberapa versi dari karya ini. Versi terakhir dari kanvas dengan nama yang sama, dibuat sekitar waktu yang sama, takjub dengan kelengkapannya, kekompakan dan simetri, untuk mengatasi pengaruh yang berlebihan tersebut, Cézanne memotong bagian belakang pemain kanan.
Pusat komposisi dan semantik dari gambar itu bertepatan - ini adalah tangan dua pria yang duduk yang tampaknya membingkai sebotol anggur yang bangga. Karya tersebut kehilangan genre ketat yang melekat pada versi sebelumnya. Tidak ada yang berlebihan, semuanya sangat ketat dan sangat ekspresif. Pemain benar-benar terserap dalam pengejaran mereka, waktu seakan berhenti bagi mereka, seluruh dunia terkonsentrasi dalam dua sosok yang cenderung satu sama lain. Disini dan sekarang, dalam tata letak kartu, yang paling penting adalah menyimpulkan, permainan bagi mereka menjadi semacam pekerjaan suci, berkat gambar itu sendiri mengambil makna sakral tertentu. Mungkin sebotol anggur di atas taplak meja merah memiliki makna simbolis tradisional darah dan penebusan dosa.
Potret "Pria berbaju merah" (1888-1890, Museum Seni Modern, New York) sangat ekspresif berkat penggunaan warna yang luar biasa. Kombinasi khusyuk warna merah dan putih ditingkatkan dengan banyaknya warna hitam, yang membuat profil pahlawan kanvas sangat jelas dan kontras. Cezanne tidak menghindari hitam, seperti kebanyakan impresionis, tetapi, di sisi lain, memperkenalkannya ke dalam gambar sebagai elemen pembentuk bentuk. Rambut pemuda itu menyatu dengan latar belakang gorden hitam, teknik ini, sang master seolah-olah "menanamkan" model ke dalam ruang kanvas, pada saat yang sama memberikan suara tragis tertentu. Citra orang yang digambarkan lengkap dan lengkap, meskipun fakta bahwa gambar itu tidak mengandung spesifik - baik penunjukan waktu atau tempat, juga tidak ada petunjuk tentang jenis aktivitas pemuda berrompi merah.
Komposisi subjek dan lanskap
Semua benda mati Paul Cezanne dapat dikenali:dengan set objek minimal yang paling sederhana (beberapa buah, vas porselen, piring dan cangkir), gorden yang sengaja ceroboh dengan kerutan dan banyak lipatan yang dilemparkan ke atas meja memberikan komposisi ekspresi yang dekoratif dan unik.
Lukisan "Still Life with Sugar Bowl" (sekitar 1888-1890, Museum Pertapaan Negara, St. Petersburg) adalah salah satu karya Cezanne yang paling terkenal. Di sini pelukis menolak perspektif linier; kita tidak melihat titik hilang yang sama di kanvas.
Kami melihat meja persegi panjang dengan gorden putih dilemparkan dengan santai di atasnya, dilapisi dengan piring porselen dan buah-buahan, dari dua sudut pandang sekaligus:dari atas dan depan, yang tidak mungkin bagi seni tradisional, yang, sejak Renaisans, bekerja pada transfer yang benar dari kanvas tiga dimensi pada ruang pesawat dua dimensi.
Paul Cezanne membangun still life-nya yang bertentangan dengan hukum utama lukisan - perspektif. Karena konstruksi ruang yang salah dan distorsi perspektif, menjadi tidak mungkin untuk menentukan jarak dari dinding ke meja, atau kaki kayu berukir yang terlihat di latar belakang, tampaknya, si jardinier. Hubungan antara bidang sejajar dan bidang tegak lurus dinding, meja, lantai dan laci juga menjadi implisit. Ruang yang kehilangan kedalaman dan perspektif, dibangun dengan pengamatan relatif terhadap geometri, membuat still life mirip dengan lukisan religi, gaya yang dibuat dan disetujui sebelum perspektif, dan sering mengabaikannya.
Cezanne menciptakan sistem koordinatnya sendiri di mana setiap objek memperoleh swasembada dan dengan sendirinya dapat menjadi "model" bagi sang seniman. "Tambahan", pada pandangan pertama, bagian kaki jardinier diperkenalkan karena suatu alasan:bagian khusus ini, pertama, "memegang" seluruh komposisi di sudut kanan atas kanvas dan, Kedua, berfungsi sebagai aksen warna yang kuat di latar belakang warna dingin keseluruhan dari bagian atas gambar, nuansa kecoklatannya selaras dengan meja cokelat dan nada hangat dari buah matang. Bukan kebetulan bahwa seniman dengan bebas menyusun objek di bidang meja tanpa menyatukannya ke dalam kelompok - jika kita secara mental menghapus salah satu dari mereka, integritas komposisi tidak akan rusak.
Fitur yang sama juga menjadi ciri Still Life with Apples and Oranges (1895, Museum d'Orsay, Paris), Masih Hidup dengan Tirai (1899, Museum Pertapaan negara, St. Petersburg) dan Still Life with Eggplants (1893-1894, Museum Seni Metropolitan, New York). Pada karya pertama, peran kain yang membentuk ruang dengan lipatannya yang indah sangat jelas. Ini adalah kain mewah yang memenuhi seluruh permukaan kanvas. Mereka membuat perspektif tidak perlu, dengan tidak adanya sistem koordinat biasa, ruang kehilangan tiga dimensi. Sebuah kacau, pada pandangan pertama, tumpukan lipatan menyembunyikan furnitur dan tempat. Benar-benar tidak jelas apa objeknya. Berkat efek ini, itu menciptakan kesan dekoratif yang ditekankan, dan bahkan sandiwara, bahkan lebih meningkatkan interpretasi planar ruang.
Dalam kehidupan diam ini, master sangat ekspresif bekerja dengan warna. Kain oriental yang cerah mengingatkan pada tirai eksotis dari lukisan romantis karya Eugene Delacroix, idola untuk Cézanne, buat backdrop untuk lempar sembarangan, kain putih berbintik-bintik dan vas porselen. Perhatian pemirsa pertama kali tertarik pada yang mempesona ini, tempat yang dirancang secara kompleks, yang seperti itu, menikmati transfer kain yang luar biasa, kemudian berkonsentrasi pada buah-buahan cerah, seolah-olah bersinar pada latar belakang putih. Ini adalah warna putih yang dengan terampil mengatur seluruh komposisi. Dia tidak membiarkan mata tersesat dalam mekar yang meriah dan berkeliaran di sekitar kanvas, memperkenalkan ketelitian dalam keputusan warna dan "mengumpulkan" komposisi ke tengah.
Dengan bantuan warna, kesatuan komposisi dicapai dalam Still Life with Eggplant. Berkat kisaran biru-ungu yang dingin, kanvas terlihat sangat mulus, sementara memiliki kontras cerah berupa apel oranye-merah. Nada suara keseluruhan pekerjaan menjadi lancar, seolah-olah susunan acak benda-benda dalam kehidupan diam. Jika bukan karena warnanya, vas keramik, piring dan botol terlalu dekat satu sama lain, mereka akan terlihat seperti tumpukan hal-hal acak yang tidak masuk akal.
Salah satu bukti depresi internal bagi seniman dapat disajikan sebagai Still Life with Skulls (1898-1900, koleksi Pribadi). Karya-karya serupa muncul di dunia seni rupa oleh Belanda dan termasuk karya-karya "vanitas" ("kesombongan kesombongan"), melambangkan kefanaan segala sesuatu yang duniawi. Jenazah terlipat diberikan close-up dan menempati sebagian besar permukaan kanvas. Tidak adanya objek lain dalam gambar dan rongga mata kosong, menangkap mata penonton, menimbulkan asosiasi penghujatan dengan potret, dan tidak dengan benda mati.
Meskipun Cezanne adalah pewaris utama ayahnya, tanah favoritnya di Aix dijual oleh kerabatnya tanpa sepengetahuannya. Juga, barang-barang pribadi Cezanne, yang lebih tua, dan bahkan furnitur yang diingat sang seniman sejak kecil, dihancurkan.
Frustrasi dengan hilangnya rumah asalnya, pelukis memutuskan untuk mendapatkan sebuah manor dengan nama suram Black Castle. Terlepas dari kenyataan bahwa niat ini tidak pernah menjadi kenyataan, Cezanne mencurahkan beberapa lanskapnya ke tempat ini - "Hutan di Gua Berbatu di atas Kastil Hitam" (1900-1904, Galeri Nasional, London), serta "Pabrik di Sungai" (1900-1906, Galeri Seni Marlborough, London). Di dalamnya, artis, seperti sebelumnya, menguraikan semua bentuk menjadi bagian-bagian komponen, tetapi melangkah lebih jauh - secara umum, gaya karya-karyanya lebih mendekati bukan post-impresionisme, tapi sudah ke abstraksi.
Gunung Victoria telah menjadi tujuan favorit Paul Cezanne untuk menciptakan lanskapnya. Dia mengagumi kecantikannya yang luar biasa di masa mudanya. Pada periode akhir kreativitas, master berulang kali melukis pemandangan gunung ini, menyampaikan keindahannya dalam kondisi atmosfer yang berbeda dan dengan pencahayaan yang berbeda.
Di akhir hidupnya, Cezanne menyusun komposisi multi-figure format besar dari perenang telanjang di pangkuan alam. Seniman telah lama bermimpi untuk menulis kanvas ini dan ada beberapa opsi yang dibuat pada waktu yang berbeda. Karena sifat takut-takut dan kekurangan dana, Cezanne tidak pernah menggunakan jasa model. Karena itu, untuk membuat komposisinya sendiri dari beberapa tubuh wanita telanjang, dia bahkan meminta salah satu temannya untuk mendapatkan foto-foto wanita telanjang. Mungkin ini menjelaskan beberapa sudut pandang dari semua figur yang dibuat oleh seniman tanpa bergantung pada alam.
Pelukis itu bekerja keras dan keras pada lukisan “Big Bathers” (sekitar tahun 1906, museum seni, Philadelphia), hati-hati mempertimbangkan tata letak telanjang di ruang angkasa, dengan cermat menyelaraskan ritme garis tubuh dan lengan yang terentang, yang, bersama dengan batang pohon yang miring, membentuk setengah lingkaran yang harmonis. Karya itu menjadi sebuah mahakarya, semacam puncak kreativitas Cezanne. Seniman itu berharap menemukan dirinya melalui harmoni "kebulatan dada wanita dan bahu bukit." Sayangnya, kita tidak akan pernah tahu artis seperti apa yang ingin dilihat artis pada akhirnya, sejak kematian mengganggu pekerjaannya.
World fame coming too late
Paul Cezanne was a loner, he followed his unbeaten path, almost misunderstood and ridiculed by too many. The artist did not want a simple reproduction of nature, he sought to know its inner essence and convey this fundamental structure on the plane of the canvas. The master’s work anticipated the art of cubism and abstraction, depicting reality refracted by the consciousness of a particular person. Cezanne discovered the world "new art", completely constructed in his mind, and therefore deeply original and individual.
Only at the end of life, recognition gradually began to come to the artist. In the late 1880s, a Parisian art dealer Ambroise Vollard became interested in the work of Cezanne. At first he studied the work of the master, looked closely at them, was interested in the opinions of other artists. After much deliberation, Vollard decides to track down Cezanne to organize his first solo exhibition.
The exhibition, which opened in 1895, covered all periods of the painter’s work, showing the evolution of his creative vision and revealing to everyone the unknown Cezanne. Those who came to support the artist Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir and Camille Pissarro were amazed. Monet and Degas immediately bought several works of an old friend, and the Parisian public was already ready to accept the art of Cezanne.
After the first exhibition, the second followed. Vollard, although inexpensively, but stably bought the artist’s work. Two of his paintings were acquired by the National Gallery of Berlin. Tetapi, only in 1900, the painter finally won recognition at home, in Aix, putting an end to bullying and ridicule.
Gradually, thanks to his participation in the Paris International Exhibition, and other events dedicated to art, Cezanne became famous throughout the world, the name of the artist turned into a legend. Namun, Sayangnya, this well-deserved recognition came to the painter very late. October 22, 1906 Paul Cezanne died. Only after the death of the artist, his paintings truly found their audience.
