Sepanjang hidupnya, Ivan Nikolaevich Kramskoy mencoba menghidupkan seni rupa sehingga menjadi alat yang efektif untuk pengetahuan aktifnya. Artis yang luar biasa, yang memainkan peran besar dalam pembentukan sekolah seni lukis nasional, memimpin "kerusuhan empat belas" yang terkenal, berdiri di kepala Artel of Artists dan Association of Wanderers, adalah salah satu dari mereka yang kehidupan dan pekerjaannya selalu berfungsi untuk menegaskan yang paling revolusioner, ide-ide paling maju pada masanya.
Gambar Ivan Kramskoy
Rasa hidup yang tajam
Ivan Nikolaevich menulis dalam biografinya:“Saya lahir pada tahun 1837, pada 27 Mei (menurut seni senior. V.V.), di kota kabupaten Ostrogozhsk, Provinsi Voronezh., Di pemukiman pinggiran kota Novaya Sotna, dari orang tua ditugaskan untuk filistinisme lokal. 12 tahun, Aku kehilangan ayahku, seorang pria yang sangat parah, seingat saya. Ayah saya bertugas di kota duma, kalau tidak salah, sebagai wartawan (yaitu, seorang juru tulis — V. R.); kakekku, menurut cerita... juga semacam pegawai di Ukraina. Silsilah saya tidak meningkat lebih jauh. ”
Di tahun-tahun kemundurannya, artis ironisnya mencatat bahwa sesuatu yang "sejenis" keluar dari dirinya. Dalam otobiografinya, beberapa kepahitan terasa, tetapi pada saat yang sama kebanggaan yang sah dari seorang pria yang telah melarikan diri dari "kelas bawah" dan telah menjadi sejalan dengan tokoh-tokoh paling menonjol pada masanya. Pelukis itu menulis tentang bagaimana dia berjuang untuk mendapatkan pendidikan sepanjang hidupnya, tetapi dia hanya berhasil menyelesaikan sekolah distrik Ostrogozh, meskipun ia menjadi "siswa pertama" di sana. “… Saya tidak pernah iri pada siapa pun… sebagai orang yang benar-benar terpelajar, ” catat Kramskoy, menyebutkan bahwa setelah pelatihan dia menjadi pegawai yang sama di duma kota seperti ayahnya.
Pemuda itu awalnya tertarik pada seni, tetapi orang pertama yang memperhatikan dan mendukung ini adalah seniman dan fotografer amatir lokal Mikhail Borisovich Tulinov, kepada siapa Kramskoy berterima kasih atas seluruh hidupnya. Untuk beberapa waktu ia mempelajari lukisan ikon, kemudian, pada usia enam belas tahun, dia "memiliki kesempatan untuk melarikan diri dari kota county dengan seorang fotografer Kharkov." Artis masa depan bepergian bersamanya "sebagian besar Rusia selama tiga tahun, sebagai retoucher dan cat air. Itu adalah sekolah yang keras ... ". Tapi "sekolah parah" ini membawa manfaat yang cukup besar bagi Kramskoy, meredam keinginannya dan membentuk karakter yang gigih, hanya memperkuat keinginannya untuk menjadi seorang seniman.
Dilihat dari catatan hariannya, Ivan Kramskoy muda adalah seorang pemuda yang antusias, tetapi pada tahun 1857 seorang pria telah tiba di Petersburg yang tahu betul apa yang dia inginkan dan bagaimana mencapainya. Awal dari jalur independen pelukis masa depan membutuhkan waktu yang sulit bagi seluruh Rusia. Perang Krimea baru saja berakhir, setelah menandai kekalahan militer dan politik otokrasi, sekaligus membangkitkan kesadaran publik baik rakyat progresif maupun massa rakyat luas.
Monolit dari Akademi Kekaisaran
Penghapusan perbudakan yang dibenci sudah dekat, dan Rusia yang progresif tidak hanya hidup dengan harapan akan perubahan di masa depan, tetapi juga berkontribusi kepada mereka dalam segala hal. Alarm "Bell" Herzen terdengar kuat, kaum revolusioner muda-raznochintsy, dipimpin oleh N.G. Chernyshevsky, mempersiapkan diri untuk perjuangan pembebasan rakyat. Dan bahkan begitu jauh dari kehidupan praktis, bidang seni "tinggi" menyerah pada pesona angin perubahan.
Jika perbudakan adalah rem utama pada pengembangan semua aspek masyarakat, kubu konservatisme di bidang seni diciptakan pada pertengahan abad ke-18 oleh Imperial Academy of Arts. Menjadi konduktor doktrin resmi dan prinsip-prinsip estetika yang telah hidup lebih lama dari dirinya sendiri, dia tidak membiarkan area "indah" memiliki kesamaan dengan kenyataan nyata. Tetapi murid-muridnya di paruh kedua tahun 50-an - awal tahun 60-an, semakin pasti merasa bahwa hidup membuat tuntutan yang sama sekali berbeda pada seni. Kata-kata penting dari N. G. Chernyshevsky "keindahan adalah kehidupan" menjadi latar program bagi semua intelektual Rusia progresif dan tokoh-tokoh muda seni demokrasi Rusia yang baru lahir. Mereka kemudian membawa suasana publik baru ke Akademi Seni, menjalin hubungan dekat dengan mahasiswa Universitas, Akademi Medis dan Bedah, di mana para pahlawan novel Chernyshevsky "Apa yang harus saya lakukan?" Dmitry Lopukhov dan Alexander Kirsanov, keduanya raznochintsy khas, rekan-rekan I. Kramsky belajar.
Sesampainya di Sankt Peterburg, Ivan Nikolaevich sudah menikmati ketenaran seorang retoucher yang luar biasa, yang membuka pintu baginya di studio fotografer metropolitan terbaik I.F. Alexandrovsky dan A.I. Dener. Tetapi karier seorang seniman yang sukses tidak dapat memuaskannya. Kramskoy semakin gigih berpikir untuk memasuki Akademi Seni.
Gambar Kramskoi segera mendapat persetujuan dari Dewan Akademi, dan pada musim gugur 1857 ia sudah menjadi mahasiswa Profesor A… T. Markov. Jadi mimpinya yang berharga menjadi kenyataan, dan saya harus mengatakan bahwa dia mempelajari Kramskoy dengan sangat rajin, bekerja keras dalam menggambar, yang budayanya sangat tinggi di Akademi, ia berhasil mengerjakan sketsa untuk mata pelajaran sejarah dan mitologi, menerima semua penghargaan.
Tetapi pelukis muda itu tidak merasakan kepuasan yang tulus. Seorang yang bijaksana, pria yang banyak membaca, dia semakin merasakan perbedaan mendasar antara doktrin seni lama dan kehidupan nyata. Hanya beberapa bulan setelah masuknya Kramsky ke Akademi, karya A. A. Ivanov "Penampakan Kristus kepada Rakyat" dibawa ke Italia dari Petersburg. Kembalinya artis ke Rusia setelah hampir tiga puluh tahun absen, kematian mendadak yang menyusul, kesan yang dibuat oleh orang-orang sezamannya, yang menjadi karya utama kehidupan master agung, memainkan peran besar dalam membentuk kesadaran bagian maju yang baru lahir dari kaum intelektual Rusia.
Kerusuhan Empat Belas
Terbaik dari semuanya, pemberontakan 14 diceritakan oleh Ivan Kramskoy sendiri dalam sepucuk surat kepada teman lamanya M. B. Tulinov:“Mikhail Borisovich sayangku! Perhatian! Keadaan berikut terjadi di Akademi pada tanggal 9 November, itu adalah, Sabtu lalu:14 mahasiswa mengajukan permohonan penerbitan ijazah untuk gelar artis kelas. Sekilas tidak ada yang mengejutkan.
Orang-orang bebas, siswa yang datang bebas, bisa, ketika mereka ingin meninggalkan kelas. Namun faktanya, 14 orang ini bukanlah siswa biasa, tetapi orang yang harus menulis untuk medali emas pertama. Seperti ini:sebulan sebelumnya, kami mengajukan permintaan izin untuk memilih plot, tapi kami menolak permintaan kami… dan memutuskan untuk memberikan cerita kepada sejarawan dan plot untuk penulis genre yang awalnya memilih plot mereka sendiri. Pada hari kompetisi, 9 November, kami berada di kantor dan memutuskan untuk pergi bersama ke Dewan dan mencari tahu apa yang diputuskan Dewan. Dan maka dari itu, untuk pertanyaan inspektur:siapa di antara kita yang sejarawan dan siapa penulis genre? kami, sehingga semua orang bisa memasuki ruang konferensi bersama-sama, menjawab bahwa kita semua adalah sejarawan. Akhirnya, mereka memanggil Dewan untuk mendengarkan tugas itu. Kami masuk. F.F. Lvov membacakan kepada kami kisahnya:"Pesta di Valhalla" - dari mitologi Skandinavia, dimana pahlawan ksatria bertarung selamanya, di mana Dewa Odin memimpin, dia memiliki dua burung gagak di pundaknya, dan dua serigala di kakinya, dan akhirnya, di suatu tempat di surga, antara kolom, sebulan didorong oleh monster berbentuk serigala, dan banyak omong kosong lainnya. Setelah itu, Bruni bangkit, datang kepada kami untuk menjelaskan plotnya, seperti yang selalu terjadi. Tapi salah satu dari kita, yaitu Kramskoy, memisahkan dirinya dan mengatakan sebagai berikut:"Kami meminta izin untuk mengucapkan beberapa patah kata di hadapan Dewan" (diam, dan semua mata melotot ke arah pembicara). “Kami mengajukan dua kali, tetapi Dewan tidak menemukan kemungkinan untuk memenuhi permintaan kami; "kami, tidak menganggap diri kita berhak untuk mendesak lagi dan tidak berani berpikir untuk mengubah keputusan akademik, meminta kami untuk dengan rendah hati membebaskan kami dari berpartisipasi dalam kompetisi dan memberi kami diploma untuk gelar artis."
Beberapa saat - diam. Akhirnya, Gagarin dan Tone membuat suara:"hanya itu?". Kami menjawab:"semuanya", dan kami pergi, dan di kamar sebelah kami memberikan petisi kepada manajer kasus… Dan pada hari yang sama Gagarin meminta Dolgorukov dalam sebuah surat sehingga tidak ada yang akan muncul dalam literatur tanpa melihat dulu dia (Gagarin). Dalam sebuah kata, kami menempatkannya dalam kebingungan. Jadi, kami memutuskan retret kami sendiri dan tidak ingin kembali, dan semoga Akademi sehat pada usia seratus tahun. Di mana-mana kita menemukan simpati atas tindakan kita, jadi satu, dikirim dari penulis, meminta saya untuk memberitahu dia kata-kata yang saya katakan di Dewan untuk publikasi. Tapi kami diam untuk saat ini. Dan karena kita masih berpegangan tangan dengan erat, agar kita tidak tersesat, kami memutuskan untuk terus membentuk asosiasi artistik, itu adalah, untuk bekerja sama dan hidup bersama. Saya meminta Anda untuk memberi tahu saya saran dan pemikiran Anda mengenai struktur praktis dan aturan umum yang sesuai untuk masyarakat kita… Dan sekarang tampaknya bagi kami bahwa masalah ini mungkin terjadi. Berbagai tindakan kami memiliki pelukan:potret, ikonostasis, salinan, lukisan asli, gambar untuk publikasi dan litograf, gambar kayu, dalam sebuah kata, segala sesuatu yang berhubungan dengan spesialisasi kami… Berikut adalah program yang jauh dari jelas seperti yang Anda lihat… ".
Dalam surat ini, seniman tidak hanya mengungkapkan pasang surut konfrontasi antara seniman muda dan Akademi, tetapi juga melihat prospek ke depan, yang belum sepenuhnya jelas, tetapi sangat berani dan tidak terbatas pada tujuan egois untuk kelangsungan hidup mereka sendiri. Setelah kejadian ini, pengawasan polisi rahasia didirikan atas Kramskoi dan rekan-rekannya, yang berlangsung selama bertahun-tahun. Berikut adalah nama empat belas peserta dalam "kerusuhan":pelukis I. Kramskoy, A.Morozov, F. Zhuravlev, M.Peskov, B.Wenig, P. Zabolotsky, N.Shustov, A.Litovchenko, N.Dmitriev, A.Korzukhin, Grigoriev, N Petrov, K. Lemoh dan pematung V. Kreitan.
Mereka semua diperintahkan untuk segera melepaskan bengkel, tapi pemuda, dibiarkan tanpa mata pencaharian, masih meraih kemenangan besar, signifikansi yang pada waktu itu hampir tidak dapat dipahami. Ini adalah penaklukan pertama seni realistis demokratis Rusia. Segera, Kramskoy, bersama dengan orang-orang yang berpikiran sama, memulai implementasi praktis dari idenya - penciptaan "asosiasi seni" independen pertama - Artels of Artists.
Mata Kramskoy Repin
Setelah dikeluarkan dari Akademi, Kramskoy mengatur untuk mengajar di sekolah Masyarakat untuk Dorongan Seni, di antara siswa yang "adalah seorang pemuda berbakat yang baru saja tiba di St. Petersburg dari Ukraina", seperti halnya Kramskoy sendiri pernah bermimpi memasuki Akademi Seni - Ilya Repin.
Ilya Efimovich sendiri menggambarkan pertemuan pertamanya dengan Kramskoy sebagai berikut:“Ini hari Minggu, pukul dua belas siang. Ada kegembiraan yang hidup di kelas, Kramskoy tidak ada. Kami menggambar dari kepala Milon Krotonsky… Di kelas itu berisik… Tiba-tiba ada keheningan total… Dan saya melihat seorang pria kurus dalam mantel rok hitam, masuk dengan langkah tegas ke dalam kelas. Saya pikir itu orang lain:Saya membayangkan Kramskoy secara berbeda. Alih-alih profil pucat yang indah, yang satu ini memiliki wajah kurus dan rambut hitam mulus, bukannya ikal kastanye di bahu, dan hanya siswa dan guru yang memiliki lusuh seperti itu, jenggot cair. - Siapa ini? Aku berbisik kepada seorang teman. - Kramskoy! Apakah kamu tidak tahu? dia bertanya-tanya. Jadi ini dia!.. Sekarang dia menatapku; tampaknya telah memperhatikan. Mata apa! Jangan bersembunyi, meskipun mereka kecil dan duduk jauh di orbit cekung; Abu-abu, bersinar… Wajah yang serius! Tapi suaranya menyenangkan, jujur, berbicara dengan emosi… Tetapi mereka juga mendengarkannya! Mereka bahkan meninggalkan pekerjaan mereka, mereka berdiri dengan mulut terbuka; jelas bahwa mereka mencoba mengingat setiap kata. ”
ulangi, seperti banyak seniman Rusia (Kramskoy sendiri menulis dengan hebat, seperti Perov), Repin ternyata adalah penulis yang berbakat. Dalam esainya "Ivan Nikolaevich Kramskoy (Mengingat Guru)", dengan sifat impulsifnya, dia menciptakan yang sangat hidup, potret sastra ekspresif. “Halaman Kramskoy di halaman Repin semuanya bergerak, dalam perjuangan, itu bukan patung lilin panopticon yang beku, justru pahlawan dari kisah menarik yang kaya akan episode, ” tulis K. Chukovsky kemudian.
Repin membuat gambar yang hampir ke detail terkecil bertepatan dengan Potret Diri, ditulis oleh Kramsky pada tahun 1867 dan dicirikan oleh karakterisasi objektif yang luar biasa. Dalam gambar, tidak ada yang mengalihkan perhatian kita dari hal utama - wajah pahlawan, dengan ketat, tatapan mata abu-abu yang tajam. Pikiran, akan, pengekangan - ini adalah ciri kepribadian utama artis, yang terlihat jelas di kanvas. Harga diri yang bangga dimanifestasikan tanpa menggambar atau berpose. Semuanya sederhana dan alami dalam penampilan luar pelukis dan dengan caranya sendiri secara harmonis di dalam. Warna potretnya hampir monokrom, sapuan kuasnya dinamis, di hadapan kita adalah kepala Seniman Seniman St. Petersburg pertama yang diakui.
Penciptaan Artel
Pada fasad rumah nomor 2/10, berdiri di sudut Mayorov Avenue dan Admiralteysky Prospekt di St. Petersburg, ada plakat peringatan dengan tulisan:“Di rumah ini, dari tahun 1866 hingga 1870, seorang seniman besar Rusia Ivan Kramskoy tinggal dan bekerja. Artel yang diorganisir olehnya, menyatukan seniman realis terkemuka tahun 60-an, terletak di sini. “Tapi kenyataannya, Artel of Artists tidak segera memperoleh kamar di pusat ibukota, tidak jauh dari Alun-alun Istana.
Semuanya dimulai jauh lebih sederhana. Mengingat organisasi Artel, Kramskoy menulis kepada Stasov sebelum kematiannya:“… maka pertama-tama perlu makan dan makan, karena semua 14 orang memiliki dua kursi dan satu meja berkaki tiga. Mereka yang setidaknya memiliki sesuatu telah menghilang dengan segera. “Setelah banyak pertimbangan, ” tulis Repin, “mereka sampai pada kesimpulan bahwa perlu untuk mengatur, dengan izin pemerintah, Artel of Artists - semacam firma seni, bengkel dan kantor menerima pesanan dari jalan, dengan tanda dan piagam yang disetujui. Mereka menyewa sebuah apartemen besar di jalur Tujuh Belas Pulau Vasilievsky dan pindah (kebanyakan dari mereka) untuk tinggal bersama di sana. Dan kemudian mereka segera hidup kembali, terhibur. Sebuah ruangan terang besar bersama, kamar yang nyaman untuk semua orang, rumah tangga mereka sendiri, yang dilakukan oleh istri Kramskoy, semua ini mendorong mereka. Hidup menjadi lebih menyenangkan, dan beberapa perintah telah muncul. Masyarakat adalah kekuatan. ” Jadi ada asosiasi seniman pertama yang diselenggarakan oleh Kramskoy. Itu memungkinkan banyak seniman berbakat tidak hanya untuk bertahan hidup, tetapi untuk mencapai kesuksesan, pengakuan dan kemandirian finansial, yang, pada akhirnya, menyebabkan disintegrasi lengkap lebih lanjut dari organisasi.
Kehidupan pribadi dan minat dalam psikologi
Ivan Nikolaevich selalu yakin bahwa orang yang dipilihnya akan menjadi pacarnya yang setia, akan berbagi dengannya semua kesulitan hidup artis. Sofia Nikolaevna, yang menjadi istrinya, sepenuhnya mewujudkan mimpinya tentang kebahagiaan pribadi. Dalam salah satu surat artis kepada istrinya, kita membaca:“… kamu tidak hanya tidak mengganggu saya menjadi seorang seniman dan kawan dari rekan-rekan saya, tetapi bahkan seolah-olah Anda sendiri telah menjadi seorang seniman sejati…”. Kramskoy berulang kali melukis potret Sofia Nikolaevna. Dan meskipun terlalu berani untuk memanggilnya "muse" artis, dia tidak diragukan lagi adalah wanita ideal untuknya. Konfirmasi terbaik dari ini adalah gambarnya dibuat dalam potret tahun 60-an. Fitur umum untuk semua lukisan adalah integritas, kemerdekaan dan kebanggaan pahlawan mereka, memungkinkan mereka untuk melihat dalam dirinya seorang "wanita baru", yang pada saat yang sama tidak kehilangan feminitasnya yang sebenarnya, puisi dan kelembutan.
Kualitas ini terutama terlihat dalam potret grafisnya, milik Galeri Tretyakov (1860-an). Seorang muda, wanita menawan dan lembut dengan karakter berkemauan keras, seperti yang diberitahukan kepada kami dengan putaran kepala yang energik dan tegas, tapi tampilan terbuka.
Lukisan "Membaca. Potret S. N. Kramskoy ”, dilukis pada tahun 1863, mengingatkan kita pada potret perempuan liris dari awal abad ke-19. Warna gambar didasarkan pada kombinasi nuansa hijau muda, ungu dan warna halus lainnya. Peran besar dalam kanvas dimainkan oleh lanskap dan beberapa, aksesori yang dipilih dengan cermat yang membantu menyampaikan daya tarik yang jelas dari pahlawan wanita potret itu. Pasangan muda Kramskys ditangkap pada tahun 1865 oleh teman bersama mereka "pengrajin" N. A. Koshelev. Dalam gambar "Kramskoy dengan istrinya" kita melihat sketsa liris:Sofia Nikolaevna memainkan piano, sementara Ivan Nikolaevich memikirkan iringan musiknya.
Pada tahun 60-an, Kramskoy membuat banyak potret grafis teman-temannya:N. A. Koshelev, pasangan Dmitriev-Orenburg, M.B. Tulinov, I. I. Shishkin, semakin memperkuat psikologi mereka. Benar, foto yang berkembang pesat, tampaknya, mulai menggantikan grafis artistik dan potret bergambar yang mahal. Tampaknya kamera benar-benar tersedia segala sesuatu yang dia tidak hanya bisa secara akurat menangkap penampilan berpose, tetapi juga secara menguntungkan menekankan detail kostum yang diperlukan, suasana yang kaya, perhiasan, dll. Tapi, seperti waktu telah menunjukkan, dia tidak bisa melakukan satu hal - melihat ke dalam diri seseorang, memberinya penilaian sosial dan psikologis tertentu. Ini tetap dapat dicapai hanya dalam potret yang dibuat oleh seniman.
Inilah - peningkatan potret psikologis - banyak master, termasuk N.N. aku, V.G. Perov dan I.N. Kramskoy. Kebangkitan kuat potret realistis Rusia bertepatan dengan awal era Pengembara dan akhir era Artel, yang kehilangan makna aslinya dalam waktu.
Kemitraan Para Pengembara
Ide bagus untuk membuat TPHV, yang memainkan peran besar dalam kehidupan seni Rusia, milik sekelompok seniman terkemuka Moskow dan Sankt Peterburg, dan penulis genre terkenal G. G. Myasoedov adalah penggagas langsung inisiatif tersebut. Dia menulis surat kepada Artel, bertemu di sana dengan dukungan hanya dari anggota individu, terutama - I.N. Kramskoy.
di toga, pada tahun 1870, sebuah organisasi diciptakan yang dapat membebaskan seni demokrasi Rusia dari perwalian negara, menggalang seniman terkemuka di sekitar asosiasi berdasarkan prinsip kepentingan materi pribadi semua anggotanya. Tujuan utama Kemitraan adalah pengembangan seni. Praktek pameran keliling membuka kemungkinan komunikasi langsung antara seniman dan khalayak luas, sambil mengangkat masalah yang paling mendesak di zaman kita.
Selama beberapa dekade, PM. memperoleh banyak karya terbaik dari Pengembara dalam koleksinya. Tretyakov. 28 November (12 Desember, sesuai dengan gaya baru), 1871, pameran pertama Kemitraan diadakan di St. Petersburg. Perlu dicatat bahwa itu untuk Kramsky, seorang pria dengan prinsip dan keyakinan yang sangat teguh, bahwa Kemitraan Pameran Seni Bepergian yang dibuat wajib segera mengatasi tugas-tugas organisasi pameran dan menjadi sekolah seni Rusia maju yang sejati.
Ivan Nikolayevich sendiri, mengatur Kemitraan dan membimbing kehidupan kreatifnya, menemukan dalam dirinya "tempat berkembang biak" yang memungkinkannya mencapai ketinggian artistiknya sendiri. Masa kejayaan Asosiasi Pengembara bertepatan dengan masa kejayaan karya Kramskoy, dan sebagai pelukis, dan sebagai kritikus-publis, penulis sejumlah artikel yang sangat serius di mana ia mengungkapkan pemikirannya tentang nasib seni dan misi sosialnya yang tinggi.
Dalam banyak surat kepada berbagai orang, orang dapat membaca banyak komentar menarik dari Kramskoy tentang master besar seniman Rusia dan Eropa masa lalu dan kontemporer. Momen paling luar biasa dalam penalaran kritis seniman adalah bahwa ia menulisnya tidak terlalu banyak untuk mengajari orang lain bagaimana mengekspresikan pekerjaan internal yang besar dan berkelanjutan yang dilakukan dalam dirinya sendiri.
Kramskoy, dalam pandangan estetisnya, adalah pendukung konsisten ajaran para demokrat besar V.G. Belinsky dan N.G. Chernyshevsky. Dia menulis, percaya bahwa hanya kehidupan itu sendiri yang dapat menjadi dasar penciptaan seni:“Sungguh buruk ketika seni menjadi legislator!.. Kepentingan rakyat yang serius harus selalu mendahului yang kurang penting.”
Kramskoy berpendapat bahwa “seni tidak bisa lain dari nasional. Tidak ada tempat dan tidak pernah ada seni lain, dan jika apa yang disebut seni manusia universal itu ada, itu hanya karena fakta bahwa itu diungkapkan oleh sebuah bangsa yang berdiri di depan pembangunan manusia universal. Dan jika di masa depan yang jauh Rusia ditakdirkan untuk menempati posisi seperti itu di antara orang-orang, kemudian seni Rusia, sangat nasional, akan menjadi universal. ”
Gambar Kristus
Selama masa kejayaan seni impresionis di Prancis, ulangi, yang berada di Paris dan mengagumi pekerjaan mereka, menulis bahwa "kita", yaitu Rusia, "orang yang sama sekali berbeda, Selain itu, dalam pengembangan (artistik. - V.R.) kami berada dalam fase sebelumnya." Menanggapi pernyataan Kramskoy bahwa seniman Rusia akhirnya harus "bergerak ke cahaya, ke warna, ” Repin berkata:“… tugas kita adalah konten. Muka, jiwa manusia, drama kehidupan, kesan alam, hidup dan maknanya, semangat sejarah - ini adalah tema kami ... warna kami adalah instrumen, mereka harus mengungkapkan pikiran kita, warna kami tidak bintik-bintik elegan, itu harus mengekspresikan suasana hati gambar, jiwanya, dia harus memposisikan dan menangkap seluruh penonton, seperti akord dalam musik. ”
Perlu dicatat bahwa ide serupa diungkapkan oleh banyak tokoh budaya Rusia dari F.M. Dostoevsky ke M.P. Mussorgsky. Mereka secara langsung diwujudkan dalam karya-karya I.N. Kramskoy.
Karya terpenting dalam karya seniman adalah lukisan "Kristus di Gurun" (1872) yang ditampilkan pada pameran kedua Asosiasi Pengembara (1872), ide yang muncul sejak lama. Artis itu mengatakan bahwa dia menjadi gudang ide-ide paling penting baginya:“Di bawah pengaruh sejumlah tayangan, sensasi hidup yang sangat berat menetap dalam diriku. Saya melihat dengan jelas bahwa ada satu momen dalam kehidupan setiap orang, diciptakan sedikit pun menurut gambar dan rupa Allah, ketika dia menemukan refleksi di atasnya - apakah akan ke kanan atau ke kiri?.. Kita semua tahu bagaimana osilasi seperti itu biasanya berakhir. Memperluas pemikiran lebih jauh, merangkul kemanusiaan pada umumnya, SAYA, dari pengalaman saya sendiri, dari asli kecilku, dan hanya dari itu saja, bisa menebak drama mengerikan yang dimainkan selama krisis sejarah. Dan sekarang saya memiliki kebutuhan yang mengerikan untuk memberi tahu orang lain apa yang saya pikirkan. Tapi bagaimana cara memberitahu? Bagaimana, dengan cara apa saya bisa dipahami? Dengan sifat alam, bahasa hieroglif paling mudah diakses oleh saya. Dan kemudian saya pernah ... Saya melihat sosok duduk dalam pemikiran yang mendalam ... Pikirannya begitu serius dan dalam sehingga saya membuatnya terus-menerus dalam satu posisi ... Menjadi jelas bagi saya bahwa dia sibuk dengan masalah penting baginya, begitu penting sehingga dia tidak peka terhadap kelelahan fisik yang mengerikan… Siapa itu? sehingga dia tidak peka terhadap kelelahan fisik yang mengerikan… Siapa itu? sehingga dia tidak peka terhadap kelelahan fisik yang mengerikan… Siapa itu? Saya tidak tahu. Kemungkinan besar, itu adalah halusinasi; Aku pasti tidak melihatnya. Tampaknya bagi saya bahwa ini paling cocok dengan apa yang ingin saya ceritakan. Kemudian saya bahkan tidak perlu menemukan apa pun, Saya hanya mencoba menyalin. Dan ketika dia selesai, dia memberinya nama yang berani. Tapi jika aku bisa, saat aku memperhatikannya, menulisnya, apakah itu Kristus? Aku tidak tahu…".
Kita dapat menilai berapa lama dan kerasnya sang seniman bekerja untuk menciptakan gambar yang sangat "benar" itu dengan banyaknya gambar dan sketsa yang dibuat untuk persiapan karya utama. Pentingnya gambar ini untuk Kramskoy dapat dinilai dari fakta bahwa ia terus menyelesaikan karyanya bahkan setelah diposting di Galeri Tretyakov.
Seniman itu menggambarkan Kristus duduk di atas abu-abu, batu dingin, tanah gurun sudah mati, tampaknya Yesus mengembara ke tempat kaki manusia belum melangkah. Keseimbangan halus dari tingkat cakrawala membagi ruang kerja menjadi dua, Sosoknya sekaligus mendominasi ruang kanvas, menggambar siluet yang jelas di langit, dan selaras dengan dunia duniawi yang tergambar di kanvas. Itu hanya membantu artis memperdalam drama batin pahlawannya. Tidak ada tindakan dalam gambar, tapi penonton seolah-olah merasakan kehidupan roh, karya pikiran anak Allah, memecahkan sendiri beberapa masalah penting.
Kakinya terluka di batu tajam, sosok itu bengkok, tangannya terkepal kesakitan. Sementara itu, wajah kurus Yesus tidak hanya menyampaikan penderitaannya, tapi terlepas dari segalanya, mengungkapkan kemauan yang luar biasa, kesetiaan tak terbatas pada gagasan yang dia tundukkan sepanjang hidupnya.
“Dia duduk begitu ketika matahari masih di depannya, duduk lelah, lelah, awalnya dia melihat matahari, kemudian tidak memperhatikan malam, dan saat fajar, ketika matahari harus terbit di belakangnya, dia terus duduk tak bergerak. Dan Anda tidak dapat mengatakan bahwa dia sama sekali tidak peka terhadap sensasi:tidak, dia, di bawah pengaruh awal dingin pagi, secara naluriah menekan sikunya lebih dekat ke tubuhnya, dan hanya, Namun, bibirnya terasa kering, terjebak bersama dari keheningan yang panjang, dan hanya matanya yang mengkhianati pekerjaan batin, meskipun mereka tidak melihat apa-apa…”.
Penulis berbicara kepada orang-orang sezamannya, mengangkat dalam pekerjaan ini masalah-masalah kemanusiaan universal yang besar dan abadi, mengajukan di hadapan mereka pertanyaan sulit untuk memilih jalan hidup. Di Rusia waktu itu banyak orang yang rela mengorbankan diri demi kebenaran, kebaikan dan keadilan. revolusioner muda, yang segera menjadi pahlawan dari banyak karya sastra dan lukisan demokratis, sedang bersiap untuk "pergi ke orang-orang". Hubungan erat antara lukisan Kramskoy dan kehidupan sangat jelas, tetapi sang seniman ingin membuat program kerja:“Jadi, ini bukan Kristus, itu adalah, Saya tidak tahu siapa itu. Ini adalah ekspresi dari pemikiran pribadi saya. Momen yang mana? Transisi. Apa yang mengikuti ini? Bersambung di buku berikutnya. " "Buku berikutnya" seharusnya menjadi kanvas "Tawa" ("Bersukacitalah, raja orang Yahudi!”, 1877-1882).
Pada tahun 1872, Kramskoy menulis kepada F. A. Vasiliev:"Kita juga harus menulis" Kristus ", kita tentu perlu, itu adalah, sebenarnya bukan dia, tapi kerumunan yang tertawa terbahak-bahak, dengan semua kekuatan paru-paru hewan mereka yang besar… Tawa ini telah menghantui saya selama bertahun-tahun sekarang. Ini tidak terlalu sulit sehingga sulit, tapi sulit bagi mereka untuk tertawa. Kristus di depan orang banyak, diejek, diludahi, tapi "dia tenang seperti patung, pucat seperti kanvas." "Sementara kita tidak serius mengobrol tentang kebaikan, kejujuran, kita semua rukun, mencoba untuk serius menerapkan ide-ide Kristen dalam kehidupan, melihat bagaimana tawa meningkat di sekitar. Tawa ini menghantui saya di mana-mana, kemanapun aku pergi, di mana-mana aku mendengarnya. ”
"Mengejar ide-ide Kristen dengan serius" untuk artis tidak berarti sama sekali untuk menegaskan dogma Ortodoksi resmi, itu adalah keinginan untuk mendukung moralitas sejati, kemanusiaan. Karakter utama "Tawa" adalah personifikasi tidak hanya ide-ide Kramskoy sendiri, itu merangkum pemikiran banyak perwakilan yang berpikir jujur pada waktu itu, siapa, pertemuan langsung dengan kekasaran, sinisme yang merusak segalanya, ketamakan, dengan jelas menunjukkan bahwa kebaikan abstrak tidak dapat mengalahkan kejahatan nyata yang nyata.
Lirik
Dalam kehidupan Kramskoy, di tengah hidupnya, ada drama tertentu yang terkait dengan yang dialami Ivanov di akhir perjalanannya. Seniman mulai berpikir bahwa kegagalan kreatif yang menimpanya (karya "Tertawa" tidak pernah selesai) adalah konsekuensi dari kesalahan posisi ideologis yang dipilihnya secara keseluruhan. Keraguan ini ditimbulkan oleh karakteristik maksimalisme utopis dari banyak perwakilan terbaik kaum intelektual Rusia. Artis berhasil menyelesaikan tugas yang sulit, yang dia coba dengan sia-sia dalam bentuk siklus karya tentang Kristus, dalam potretnya yang luar biasa pada tahun 70-80-an, mewujudkan dalam galeri besar gambar para penulis Rusia tingkat lanjut, ilmuwan, seniman dan tokoh panggung kepribadian penampilan moral yang tinggi.
Di tahun 70-an yang sama, Kramskoy menulis sejumlah karya liris yang tidak khas baginya sebelumnya, contoh nyata di antaranya adalah lukisan "Inspeksi Rumah Tua" (1873), yang menceritakan tentang "sarang mulia" yang ditinggalkan dan runtuh, yang pemiliknya kembali, setelah bertahun-tahun absen. “Tuan tua berdarah murni, seorang bujangan, ” akhirnya ” datang ke rumah keluarganya setelah sekian lama, waktu yang sangat lama dan menemukan perkebunan dalam reruntuhan:langit-langit runtuh di satu tempat, di mana-mana ada sarang laba-laba dan jamur, sejumlah potret leluhur terpampang di dinding. Dua kepribadian wanita membawanya di bawah lengannya ... Di belakang mereka - pembeli - pedagang gemuk ... ".
Kami melihat seorang lelaki tua perlahan-lahan bergerak di sepanjang enfilade kamar-kamar di perkebunan keluarga yang ditinggalkan. Jadi dia memasuki ruang tamu, digantung dengan potret leluhurnya yang digelapkan dari waktu ke waktu, melihat furnitur antik dalam sampul kanvas abu-abu, tampaknya bahkan udara di rumah tua ini dicat dengan warna smoky-dusty, waktu telah berhenti di sini, dan cahaya malu-malu dari jendela tidak mampu menghilangkan kabut masa lalu ini.
Seperti yang disebutkan N.A. dalam suratnya Mudrogel - salah satu karyawan tertua Galeri Tretyakov, kemungkinan besar "dalam gambar" Inspeksi rumah tua "Kramskoy menggambarkan dirinya sendiri." Bukti kontemporer tidak diragukan lagi menarik, meskipun, bahkan jika ini benar, artis tidak hanya mencoba situasi liris yang menyedihkan ini. Kramskoy berinvestasi dalam citranya menciptakan makna sosial yang puitis dan mendalam.
Seperti yang Anda ketahui, gambar itu tetap belum selesai. Mungkin Kramskoy, sebagai aktif, aktif, orang yang murni "publik", sama sekali tidak membiarkan dirinya bersantai, masuk ke saluran liris, mengatasi kelemahan dalam dirinya, untuk mengerjakan karya-karya dengan makna sosial yang sama sekali berbeda, lebih penting, menurut pendapatnya, dalam kondisi situasi sosio-artistik yang sulit di Rusia pada tahun 1870-an. “Intinya, Saya tidak pernah menyukai potret, dan jika saya melakukannya dengan baik, itu hanya karena saya mencintai dan mencintai fisiognomi manusia… Saya menjadi pelukis potret karena kebutuhan, ” tulis Ivan Nikolaevich. Jelas, Namun, bahwa hanya "kebutuhan" saja tidak bisa membuatnya menjadi master potret yang luar biasa.
Potret Tolstoy
Kebutuhan untuk membuktikan bahwa, menurut ide Chernyshevsky, “manusia adalah keindahan tertinggi di dunia, terjangkau oleh panca indera kita, ” membangkitkan minat Kramskoy pada “fisiognomi manusia”. Berkat minat seniman dalam mencerminkan jiwa manusia, potret yang dibuat oleh master di era ini adalah kontribusi yang tak ternilai bagi seni rupa Rusia tahun 1860-an dan 80-an.
“Potret yang Anda miliki sekarang, ” I.E. Repin menulis kepadanya pada tahun 1881, “mewakili wajah bangsa tercinta, putra terbaiknya, yang membawa manfaat positif untuk kegiatan tanpa pamrih mereka, untuk kepentingan dan kemakmuran tanah air mereka, who believed in its better future and fighting for this idea… ”Ivan Nikolaevich Kramskoy became one of the founders of the gallery of portraits, thanks to which we can now see the faces of people who played a huge role in the history and art of Russia. Among the first of them was Leo Tolstoy, whose first portraits were painted by Kramskoy.
To get a portrait of the great Russian writer in the collection was Tretyakov’s cherished dream, but so far no one has managed to persuade Lev Nikolaevich to pose. Di samping itu, there was Kramskoy, who tried to persuade the collector to help the young talented artist F.A. Vasiliev, who was dying in the Crimea from consumption. Hasil dari, in 1873 Kramskoy, in order to pay Tretyakov’s debt for Vasiliev, persuaded Tolstoy to pose for him for two portraits:one was intended for a collector, the second for the writer’s house in Yasnaya Polyana.
Ivan Nikolaevich worked on both canvases in parallel, while trying to avoid absolute identity. Hasil dari, the writer’s family chose a portrait with a more intimate interpretation of Lev Nikolaevich, in which he is immersed in himself. Tretyakov got a portrait in which the writer, seperti itu, addresses the viewer. So the artist managed to simultaneously create two fundamentally different artistic images.
Both portraits have a number of common features. Pertama, a neutral background, due to which the location of the figure in space ceases to play any role. Kedua, the hands of the model are written out only in general terms. Ketiga, the artist deliberately avoided expressive picturesqueness in color. Such restraint of the plastic decision made it possible to transfer all attention to the face of the forty-five-year-old Tolstoy - open, simple, framed by a broad beard and a manly cut hair.
The main thing in the created portraits is the eyes of the writer, expressing the intense work of the thoughts of an intelligent and educated person. From the picture of Kramskoy, Tolstoy looks at us “adamantly and sternly, even coldly… not allowing himself to forget at least for a moment about his task of observation and analysis. He becomes a scientist, and his subject is the human soul, ”the prominent Soviet art critic D.V. Sarabyanov described his impression. It was the comprehension of Tolstoy’s powerful intellect that became the main goal and, tentu saja, represented the main difficulty that the artist encountered in this work.
Portraits of the great
Kramskoy painted many portraits commissioned by Tretyakov, paying tribute to this outstanding person. So in 1871, the artist writes from photographs a portrait of the great Ukrainian poet Taras Shevchenko. And in the winter of 1876, Ivan Nikolaevich became especially close to the family of the collector, working on portraits of Tretyakov’s wife Vera Nikolaevna, and Pavel Mikhailovich himself, in whom he always saw not a merchant, but an intellectual and a true patriot of Russian national culture, who firmly believed that “the Russian school of painting not the last will be. " In a small portrait of 1876, characterized by a certain "chamber" of artistic decision, Kramskoy tried to express the social significance of the person portrayed.
By order of Tretyakov, the artist created two images of the great Russian poet-democrat N.A. Nekrasov (1877-1878), the first of them is a portrait of Nikolai Alekseevich, the second is the painting "Nekrasov in the period of" Last Songs ". Work on these works was complicated by a serious illness of the poet. The artist managed to write it sometimes only ten to fifteen minutes a day, but by March 30, 1877, the portrait of N. A. Nekrasov was completed.
But the greatest value is not he, but the painting "Nekrasov in the period of" The Last Songs ", in which the selection of household details helped to create an accurate image of the poet. A pale, dressed in all white, seriously ill Nekrasov sits on the bed, completely lost in thoughts. And the photographs of N. A. Dobrolyubov and I. S. Turgenev, hung on the walls of his office, as well as a bust of V. G. Belinsky, an ideological mentor and great friend Nekrasov, convey the atmosphere of a rich, intense creative life, making you feel like a great poet immortal.
It is interesting that if you look closely at the surface of the canvas of the picture, it is easy to notice that several seams cross it. The image of the poet’s head is made on a separate fragment, the initial position of which is not difficult to establish. Tampaknya, at first the master portrayed the terminally ill poet as lying down, then rebuilding the composition, for greater expressiveness. Nekrasov appreciated Kramskoy’s talent by presenting him with a copy of his book “Last Songs”, on the title page of which he wrote:“Kramskoy as a keepsake. N. Nekrasov April 3 ".
Kramsky’s work on the images of the outstanding satirist writer M.E. Saltykov-Shchedrin turned out to be even more complex, stretching for several years. One of the two portraits created by the artist was also intended for the Tretyakov collection and was created from 1877 to 1879, undergoing endless alterations. Having completed the picture, Kramskoy writes to Tretyakov that this portrait “came out really very similar”, speaking of his artistic features, the master emphasizes:“The painting… came out Murugha, and imagine - with intent.”
As in the portrait of Tolstoy, the coloring of the work is very deaf, gloomy. Dengan demikian, the artist puts in the spotlight Shchedrin’s face, his high forehead, the mournfully lowered corners of his lips, dan, most importantly, the demanding questioning look inherent only to him. An important role in creating the image of a satirical writer is played by hands - closed, with thin interlocked fingers, they are emphasized aristocratic, but not at all gentle.
The unifying idea for the portraits of Leo Tolstoy, N.A. Nekrasov, M.E. Saltykov-Shchedrin, P.M. Tretyakova, became the idea of high citizenship. Di dalamnya, Kramskoy saw the spiritual leaders of the nation, advanced people of their time. This left an imprint on the manner of portraying the portrayed. The artist deliberately “narrowed down” the boundaries of their personality in order to emphasize their social significance. Nothing, according to Kramskoy, should have distracted the viewer from the main thing - the spiritual component of the heroes of his portraits, and therefore the color of the paintings is so deaf.
When the artist painted portraits of writers, artis, in his opinion, who did not accumulate the “spiritual charge” of the era so powerfully, he made the pictorial-plastic solution of the work more free, uninhibited, which made the images of people depicted by him lively and direct. To works of this kind can be attributed a portrait of Ivan Ivanovich Shishkin performed by the painter in 1873. This work, like the canvas "Nekrasov in the period of" The Last Songs ", belongs to the category of portraits, lukisan, as it combines two principles at once - portrait and landscape.
The image of nature created in this work is not just a natural background for the image of the master of the landscape, but the element in which he lived and worked. The lyrical and at the same time majestic landscape (a clear blue sky with light clouds floating on it, the mysterious silhouette of a forest and tall grass at Shishkin’s feet), not only recreates the appearance of a particular area, but represents a generalized expression of Russian nature, as it was depicted in the 70s years, including I. I. Shishkin himself.
The artist sought to emphasize his indissoluble unity with the outside world. The slender but powerful figure of a landscape painter, his strong-willed open face, outward simplicity and at the same time the undeniable greatness of his appearance, the way he peers calmly and in a businesslike way to endless distances, all this accurately conveys Kramsky’s view of Shishkin as a “man-school” ", " Milestone in the development of the Russian landscape. "
Nanti, in 1880, Kramskoy will write another portrait of the great singer of Russian nature. In it, the artist will again be amazed at his physical strength, noting that with age, Shishkin’s personality became richer and more complex.
Extraordinary portraiture gift
Among the many portraits of Russian writers and artists painted in the 70s, most of which Kramskoy painted for P.M. Tretyakov, were I.A. Goncharova, I.E. Repin, I.P. Polonsky, P.I. Melnikov-Pechersky, M.M. Antokolsky, S.T. Aksakova, F.A. Vasiliev, M.K. Klodt and many others.
Two portraits can be especially distinguished - the writer Dmitry Vasilievich Grigorovich (1876) and the painter Alexander Dmitrievich Litovchenko (1878).
Creating a portrait of the author of the then popular Anton-Goremyk novel, the master vigilantly noticed Grigorovich’s usual bariness of posture and a kind of indulgence and complacency in his eyes, characteristic of a person who was not used to delving into the complexity of life around him. A stressed theatrical gesture of a hand with a gold-framed pince-nez between his thin fingers. “This is not a portrait, but just a scene, drama!.. So Grigorovich is sitting in front of you with all his lies, French feuilletonism, boasting and laughter, ” V.V. Stasov enthusiastically wrote to Kramskoy. Although the artist himself, after a few years wrote a letter to the famous publisher A.S. Suvorin, tried to deflect the accusation of obvious tendentiousness, asserting that he did not want to “do anything funny, except for a completely natural passion for the visible characteristic form, without underlining.”As far as this is true, we probably will never know, but one thing is clear:today we are attracted to the portrait of D. V. Grigorovich precisely by the artist’s fascination with the “visible characteristic form”, which was the key to creating a surprisingly vivid and vibrant human image.
This is even more pronounced in a large-format portrait of A. D. Litovchenko. Dressed in a dense dark brown coat, the artist is depicted on a light gray-greenish background. A little “eroding” the moving contour outlining the figure, Kramskoy emphasized the natural ease of his model. The position of Litovchenko is unusually expressive, the right hand of which is laid with his free movement behind his back, and the left hand gracefully holds a cigar with a usual gesture. Fingers are not drawn, only outlined by several precise, dynamic strokes. It was no coincidence that Kramskoy “smeared” the edge of the sleeve framing this arm and made it deliberately fuzzy. So he convincingly conveyed the natural instantness of the gesture, exactly corresponding to the lively, changeable expression of the face of the hero of the portrait, framed by a lush beard. One can only guess about the lip pattern, but black as embers, the eyes of the person portrayed look so piercingly sharp, in the best way expressing all the immediacy of his nature, that the whole image of Litovchenko is perceived "as alive." The artist uses stingy, but extremely expressive details with amazing accuracy:the cap of the conical shape perfectly completes the silhouette of the artist’s figure as a whole, as well as the light yellow gloves that casually peek out from the pocket of Litovchenko’s coat and complete his image.Litovchenko’s coat carelessly peeking out of his pocket completes his look.Litovchenko’s coat carelessly peeking out of his pocket completes his look.
The portrait of A. D. Litovchenko is without a doubt one of Kramskoi’s greatest creative successes. His image turned out to be so lively and brightly individual thanks to the high pictorial merits of this picture, “by fire, passion and vitality of quick execution, similar to impromptu” (V. Stasov).
Ivan Nikolaevich no longer “draws” with a brush, as it was in many of his paintings, how many he writes, widely, temperamentously, lining up a plastic form with color, anticipating the best portrait canvases by I.E. Repin. Struck by his powerful expression, M.P. Mussorgsky would respond so much about his work:“Going to the portrait of Litovchenko, I rebounded…” he wrote to V.V. Stasov. - What a miracle Kramskoy! This is not a canvas - it is life, seni, kekuasaan, sought in creativity! ”
We can see what the artist himself had become by this time, thanks to his 1874 Self-Portrait. A small format picture was clearly written "for myself." Saturated dark red background contributes to the creation of an atmosphere of emphasized concentration in the portrait. Kramskoy, peering into his own face, shows how over the years his composure and perseverance, developed by a difficult life and constant work, have increased. His gaze became much deeper and sadder than in the self-portrait of 1867, in which the master seemed to publicly declare his position as a wrestling artist. Sekarang, without retreating a single step from the chosen path, he confesses to himself how enormous spiritual strength this endurance and courage require.
“Until now, only portraits of men have been successful for Mr. Kramskoy, ” wrote one of the seventh mobile observers, “but the current exhibition has shown that a woman’s portrait, which is incomparably more difficult, is equally accessible to him.”
A true remark, especially considering that before Kramskoy such a democratic kind of female portrait, the merit of the development of which belongs entirely to him, did not exist in Russian painting.
The image of the Russian people
Kramskoy often wrote that, living in St. Petersburg, he felt the brunt of the oppressive public atmosphere, he even said that the "Petersburg climate", which he had always tried to resist, "kills Russian art and artists." In this sensation, he had many like-minded people. Let us recall A. Pushkin, who said that the “North is harmful” to him, K. P. Bryullov, siapa, returning from Italy, bathed in the glory of glory, but wrote that he was “moping, ” because he was “afraid of the climate and bondage.”
“He pulls me out of Petersburg, ” Kramskoy wrote, “it makes me sick!” Where is pulling, why sick?.. Where is peace? Ya, and that would be nothing if rich and unimaginably huge material did not lie outside the cities, there, in the depths of marshes, forests and impassable roads. What kind of faces, what kind of figures! Ya, the waters of Baden-Baden help the other, Paris and France to the other, and the third… suma, yes freedom! ” Responding vividly to the emerging “going to the people”, the artist wrote that “sitting in the center… you begin to lose the nerve of a wide free life; too far outskirts, and the people are something that can give! Oh my god, what a huge spring! Have only ears to hear, and eyes to see… It pulls me out, that’s how it pulls! ” It was among the people of Kramskoy who saw the main force of life, discovering in it a new source of creative inspiration.
The images of peasants in the works of I. N. Kramskoy are very diverse. This is the "Contemplator" (1876, Kiev Museum of Russian Art), a philosopher, a seeker of eternal truth, and a beekeeper living a life unified with nature ("Pasechnik", 1872), and "Little Man with a Hook" (1872, Tallinn Art Museum) - lived a long, joyless century, a clogged old peasant. There are other images, such as the hero of the painting “Village Warden” (“Miller”, 1873), or the mighty, stern man on the canvas of 1874 “The Head of the Peasant” (Penza Art Gallery of K. A. Savitsky).
But the most significant work on a folk theme was the picture of 1874 "Woodland". Regarding her, Kramskoy writes to P. M. Tretyakov:“… my sketch in a shot hat, according to the plan, should depict one of those types (they are in the Russian people) that understand much of the social and political system of folk life with their mind, and who deeply settled discontent bordering on hatred. Of these people, in difficult times Stenka Razina and Pugacheva gain their gangs, and in ordinary times - they act alone, where and how they will, but never put up. The type is unsympathetic, Aku tahu, but I also know that there are many, I saw them. ”
Pada periode akhir kreativitas, the artist also turned to the peasant theme. Pada tahun 1882, a "study of a Russian peasant" was created - a portrait of Mina Moiseyev. In 1883, the painting “The Peasant with a Bridle” (Kiev Museum of Russian Art). In these two works, the master created two diametrically opposite images, written, Namun, from the same model.
Late period of creativity
Despite the political defeat of democratic thought in Russia in the 70-80s of the 19th century, which was literally crushed by the regime, Russian democratic art was experiencing an unprecedented high rise. Significant changes were taking place in the life of the Partnership of Traveling Art Exhibitions; the work of such titans of Russian fine art as I. E. Repin and V. I. Surikov came to the fore. Ivan Nikolaevich Kramskoy continued to work hard and hard. Despite the high authority that the artist had among his contemporaries, it became increasingly difficult for him to work. Evidence of this is the unfinished picture "Laughter" for many years, the very idea of which no longer corresponded to the needs of the community. Hasil dari, Kramskoy had only portraits left.
Selama periode ini, artis, with his inherent skill and psychologism, paints portraits of I. I. Shishkin, the outstanding figure in Russian medicine S. P. Botkin and artist V. V. Samoilov. Lebih-lebih lagi, Kramskoy not only looked worthy next to younger portrait painters, such as I. E. Repin and N. A. Yaroshenko, but continued to play the role of a “teacher” for them. And their paintings, pada gilirannya, carried a reflection of Kramskoy’s art.
Namun demikian, the artist understood that he needed to grow somewhere, to look for new ways for his work. He is trying his hand at a ceremonial portrait, looking for new lighting and color solutions, panting at the same time, under the weight of constant orders. Hurrying to provide families as best as possible and realizing that his strength was running out, Kramskoy darted between time-consuming creative searches and fast work, which sometimes did not lead to the best result. The artist, who was highly respected and even honored, was hard on these failures.
The requirements that life itself presented to art changed, karena itu, and the art system had to change. In 1883, a young artist K. A. Korovin, a student of A. K. Savrasov and V. D. Polenov, wrote a sketch “Chorus Girl” at the Moscow School of Music and Arts, taking for him an unusual motif and very bold painting techniques. Even Polenov, familiar with the work of the French impressionists, was struck by this bold experiment of the artist, deciding that he was far ahead of his time. Namun, soon a close friend of Korovin, V. A. Serov will write his “Girl with Peaches” (1887), turning the portrait of twelve-year-old Vera - the daughter of the famous Moscow industrialist S. I. Mamontov, into a radiant image of youth.
In an effort to capture the essence of new trends, Kramskoy writes his “Unknown” (1883) - one of his most mysterious paintings. Here is how the art historian N. G. Mashkovtsev describes the painting:“A young woman is depicted in a stroller against the background of the Anichkov Palace, painted in rusty red. This color is softened by winter fog, as well as the contours of architecture. With a greater clarity, the female figure comes to the fore. She is dressed with all the luxury of fashion. She sat back in the crew, upholstered in dark yellow leather. In her face is the pride of a woman conscious of her charm. In no portrait did Kramskoy pay so much attention to accessories - velvet, silk, fur. The dark glove, tightly covering the hand, like a second skin, thin and translucent, through which a living body is felt, is written with some special warmth. Who is she, this captivating woman, it remains unknown. ”
Many believe that Kramskoy portrayed Anna Karenina as a symbol of the new position of a woman in society, such as it should become. This version has both supporters and opponents, but it would be more correct to assume that the artist I.N. Kramskoy, and the writer L.G. Tolstoy, creating their female images, invested in them something more than a portrait of a specific woman, yaitu, their idea of the ideal of a modern woman. Like Tolstoy, Kramskoy, defending the human dignity of a woman, he set himself the task of trying to realize his idea of the moral and aesthetic category of beauty through the visible, “objective”, attractiveness of the model.
In 1884, the artist completed his painting "Inconsolable grief", conceived back in the late 70s. The plot of the canvas is inspired by the personal grief of the master - the death at an early age of his two younger sons. Through this work, which has an unusual number of sketches and sketches (showing how important it was for Kramskoy) for the artist, he transferred his own grief and grief to his wife, Sophia Nikolaevna. Investing in the picture a lot of personal, deeply hidden, the painter at the same time sought to maximize and deepen its content. Precisely and sparingly selected elements bring us into the atmosphere of the house, into which great grief came, transmitted, Namun, very restrained, without melodramatic excesses, only the reddish glow of the funeral candles flickering behind the curtains suggests its cause.
The compositional and semantic center of the canvas is the image of a woman full of drama. Her strained straight figure, the mournful gaze of those who do not see eyes, the scarf brought to her lips, testifying to the barely restrained sobs, reveal the whole depth of her suffering. Such a psychological expressiveness of the image did not easily go to the artist. “I sincerely sympathized with maternal grief, ” Kramskoy wrote to P. M. Tretyakov. “I was looking for a long clean form and finally settled on this form…” It was the strict form, achieved without unnecessary theatricality, that allowed him to create the image of a strong-willed person, and the monumental structure of the canvas helped convey feelings and emotions, like a personality drama that the master is trying to raise to the level of a large social phenomenon.
It should be noted that in contrast to the portraits of the 70s, in which the feelings of the heroes of Kramskoy were more likely marked by the seal of high citizenship, the characters of later works live in a much more closed world of personal experiences.
Kramsky’s letters to his friends tell us how difficult the last period of his life was for him. In 1883 he writes P.M. To Tretyakov:“… I confess that circumstances are beyond my character and will. I am broken by life and have far from done what I wanted and what I should have… ". At the same time, a letter was written to the artist P. O. Kovalevsky:“I have been working in darkness for a long time. Near me there is already nobody who, like a voice of conscience or the trumpet of the archangel, would notify a person:“Where is he going? Is it a real road or lost? ” There is nothing more to expect from me; I myself have already stopped waiting for myself. ”
Namun, the master worked until his last day. For five hours a day, he conducted portrait sessions, constantly crying out in pain, but almost noticing this, he was so carried away by his creative process. So it was on the last day of the painter. Feeling a surge of vigor in the morning, he painted a portrait of Dr. Rauchfus. Tiba-tiba, his gaze stopped and he fell right on his palette. It was March 24, 1887.
“I don’t remember the more cordial and touching the funeral!.. Peace be upon you, a mighty Russian man who has gotten out of the insignificance and dirt of the backwoods, ” wrote I. E. Repin subsequently about the wires to the last journey of his old friend.
In the same 1887, a large posthumous exhibition of the works of the great Russian master was organized, accompanied by the publication of a detailed illustrated catalog. Setahun kemudian, a book was published dedicated to the life and work of Ivan Nikolaevich Kramskoy.
