25 Februari, 1841 di kota Limoges di Prancis selatan, anak keempat lahir di keluarga penjahit - seorang anak laki-laki bernama Pierre Auguste. Beberapa tahun kemudian, seluruh keluarga Renoir pindah ke Paris. Sejak kecil, Auguste dibedakan oleh kemampuan menggambar yang sangat baik, serta suara yang luar biasa.
Lukisan Pierre Auguste Renoir
Ketua paduan suara gereja, dimana Renoir muda bernyanyi, bahkan menyarankan orang tuanya untuk memikirkan karir musik putra mereka (omong-omong, itu adalah Charles Gounod, yang kemudian menulis opera terkenal Faust). Tetapi keluarga artis masa depan tidak kaya, dan ayahnya melihat masa depan yang berbeda untuk putranya – karya seniman yang bergengsi dan dibayar dengan baik di Cina.
Jadi, pada tahun 1854, pada usia tiga belas tahun, Auguste memasuki pabrik porselen. Pemuda itu menyukai profesi ini, dia dengan cepat belajar dan mulai melukis cangkir dan piring, dan kemudian seluruh layanan. Pada waktu bersamaan, pemuda itu sering pergi ke Louvre, dimana dia melukis, terinspirasi oleh patung dan lukisan antik oleh seniman Rococo, Francois Boucher, yang menulis adegan bergenre ringan. Lembur, Renoir mulai menyalinnya dalam lukisan porselen.
Pria muda itu menghasilkan banyak uang untuk anak seusianya. Untuk memajukan karirnya, dia memasuki pabrik porselen, di mana ia mulai melukis di bawah bimbingan seorang pematung dan seorang rekan di pabrik porselen, yang meramalkan masa depan cerah baginya di bidang seni.
Pemuda artis
Sayangnya untuk Renoir muda, tapi untungnya untuk semua orang, kemajuan teknologi abad ke-19 ditandai dengan penolakan hampir sepenuhnya terhadap produksi manual. Lukisan porselen digantikan oleh gambar cetak. Pembeli dan pemilik bengkel tertarik dengan fakta bahwa peralatan pencetakan memastikan produksi produk yang persis sama. Lembur, lukisan tangan tidak lagi dihargai.
Pria muda, putus asa pada awalnya, mencoba melukis produk dengan kecepatan tinggi, yang tidak membuatnya sukses. Hasil dari, dia harus mencari penghasilan lain. Waktunya telah tiba untuk pekerjaan sementara dengan pengembangan berbagai teknik secara konstan. Renoir pertama kali melukis kipas dan dinding kafe Paris, kemudian secara tidak sengaja mendapat pekerjaan sebagai master gorden. Ngomong-ngomong, dia menguasai teknik ini dengan sempurna dan sekali lagi mulai menghasilkan banyak uang, tetapi artis itu tidak ingin berpuas diri, karena pekerjaan ini jelas bukan batas mimpinya. Renoir menyisihkan semua uang yang diperolehnya untuk mimpi baru – melukis di Sekolah khusus di Akademi Seni.
Pada akhir tahun 1862, Auguste Renoir memenuhi keinginannya yang berharga dan memasuki Sekolah Seni Rupa Paris. Di sana ia berakhir di studio seniman Charles Gleyre, mengikuti gaya akademik. Pemuda itu sudah memiliki pengalaman yang cukup banyak, tetapi dengan sungguh-sungguh menghadiri semua kelas dan mempelajari gambar akademik. Namun, Glair segera tidak menyukai bagaimana Renoir bekerja dengan warna:bahkan saat itu sang seniman menggunakan warna-warna cerah yang berair, yang tidak diterima di lingkungan akademik. Satu kali, sang guru bahkan mengungkapkan ketakutannya bahwa muridnya yang mencintai kebebasan tidak akan menjadi Delacroix kedua - perwakilan utama romantisme Prancis, yang bekerja dengan indah dalam warna dan merupakan idola nyata Renoir, tapi siapa, di mata seniman akademis, adalah mantan "murtad". Auguste bukan satu-satunya seniman muda di bengkel Gleur, yang mencoba memberontak terhadap cara akademis dan menemukan jalan barunya sendiri. Dia segera berteman dengan Claude Pug, Alfred Sisley dan Frederick Bazil, yang memiliki pandangan yang sangat dekat pada lukisan itu dan dengan hangat mendiskusikan kemungkinan kebangkitannya, yang dengannya mereka memahami pembebasan dari belenggu akademisi. Beberapa saat kemudian, Camille Pissarro bergabung dengan mereka.
Pelatihan tidak berlangsung lama, hanya setahun kemudian Renoir terpaksa meninggalkan sekolah melukis, karena ia tidak mampu lagi membayarnya. Dia mengganti kelas di bengkel dengan pekerjaan di udara terbuka, bersama teman-teman barunya, yang segera juga tak terduga menyelesaikan pendidikan seni mereka karena bengkel ditutup. Semua rekan Renoir serupa tidak hanya dalam keinginan mereka untuk mengubah dunia seni, tetapi juga karena mereka hampir tidak dapat menemukan makanan dan bahan untuk bekerja.
Pada tahun 1866, Renoir menulis salah satu still life awalnya, “Masih Hidup dengan Vas Bunga Besar” (Museum Seni Vogt, Cambridge), ditulis dengan gaya bahasa Belanda yang masih hidup dan memberikan kesan ceria dengan warna yang cerah namun lembut sekaligus kaya. Pada tahun yang sama ia menciptakan lukisan "Inn of Anthony's Inn" (1866, Museum Nasional, Stockholm). Tidak seperti benda mati berbunga, skema warna karya ini agak gelap, dengan warna dominan hitam. Ekspresi visual didasarkan pada kontras:kostum hitam pengunjung kedai menekankan taplak meja seputih salju di atas meja, dan juga sangat kontras dengan titik terang para pekerja kerah putih, celemek wanita pelayan, topi tipis bertepi lebar dari salah satu pahlawan dan anjing putih tergeletak di bawah kakinya.
Karya ini dengan jelas menunjukkan keterampilan dan prinsip Renoir dalam membangun komposisi dengan bantuan warna:taplak meja seputih salju tertutup cincin yang terdiri dari figur hitam, yang dicegah dari penggabungan ke dalam massa umum dengan menyelingi aksesori putih. Penerapan bintik-bintik putih secara harfiah "dalam pola kotak-kotak" memberikan harmoni khusus pada distribusi warna. Gambar tersebut mencirikan seniman sebagai pelukis potret yang luar biasa dan ahli yang luar biasa dari kehidupan diam:seluruh pengaturan meja dibuat dengan keterampilan yang luar biasa, sisa-sisa makanan dan peralatan sangat realistis.
Setahun kemudian, artis melukis potret pacar tercinta Lisa Treo, yang ditemui Renoir selama lebih dari tujuh tahun, tapi tidak pernah menikah. Pada akhirnya, Lisa memutuskan hubungan mereka dan, hanya beberapa bulan kemudian, menikah dengan seorang arsitek muda.
Namun demikian, lukisan "Lisa" (1867, museum Folkwang, Essen) diterima untuk berpartisipasi di Salon tahun 1868, di mana itu diapresiasi secara positif oleh penonton, yang merupakan kesuksesan besar bagi artis yang masih belum dikenal. Dalam gambar, gadis itu digambarkan dalam pertumbuhan penuh, dia mengenakan gaun putih, dinaungi oleh sabuk hitam lebar dan payung hitam dari matahari. Gaun ringan gadis itu tampaknya dibanjiri sinar matahari yang cerah, dan silau cahaya bermain di bahu dan wajah pahlawan wanita, ditutupi dengan payung. Permainan hitam-putih yang halus ini berlanjut di batang pohon birch, yang ada di belakang punggung Lisa dan di atas rumput di kakinya, di mana bayangan gelap dengan tajam membatasi area yang diterangi matahari.
Pada tahun 1867, Renoir menciptakan lukisan lain, di mana Lisa Treo berpose untuk "Diana the Huntress" (Galeri Seni Nasional, Washington). Karena prinsip-prinsip moral pada zaman itu, artis tidak bisa menggambarkan wanita modern telanjang, jadi dia meletakkan busur berburu di tangannya dan menamai gambar itu dengan nama mitologi, yang memberikan karyanya hak untuk keberadaan resmi, sambil menghindari skandal yang disebabkan oleh lukisan 1863 "Breakfast on the Grass""Eduard Manet.
Artis, yang sangat tertarik dengan genre potret, sering menulis teman-teman impresionisnya, menggambarkan mereka dalam suasana akrab selama kegiatan sehari-hari, sehingga menggabungkan potret dengan lukisan bergenre dan menciptakan sumber-sumber dokumenter yang menceritakan kepada kita tentang kehidupan orang-orang ini.
Lukisan "Potret Frederic Bazil" (1867, Museum d'Orsay, Paris) menunjukkan kepada kita seorang Bazil muda yang sibuk, tentu saja, lukisan. Artis, beralih ke pemirsa di profil, sedang fokus pada pekerjaannya. Secara gaya, pekerjaan menyeringai secara mengejutkan mulus, sebagian karena skema warna yang hampir monokrom. Ini menyerupai foto hitam putih yang rumit di mana volume dimodelkan menggunakan chiaroscuro. Setahun kemudian, Renoir menciptakan sepasang "Potret Alfred Sisley dengan istrinya" (1868, Museum Wallraf-Richartz, Koln). Di kanvas kita melihat betapa ditekankannya Sisley kepada istri mudanya. Seluruh posturnya menunjukkan kesiapannya untuk melayani, mendukung dan membantu seorang wanita, serta cinta dan kelembutannya untuknya. Pasangan muda yang sudah menikah digambarkan di kanvas, seolah memancarkan cahaya kebahagiaan dan cinta.
Karya Renoir "Wanita Aljazair" (1870, Galeri Seni Nasional, Washington) adalah penghargaan untuk kegembiraan Eugene Delacroix. Di dalamnya, artis menggambarkan Lisa-nya dalam gambar odalisque, cerah, wanita oriental mewah, bersandar lesu di atas bantal, mengenakan gaun megah dan memberi isyarat pada dirinya sendiri. Di kanvas ini, Renoir tampaknya menikmati warna. Sosok pahlawan wanita berbaring menempati hampir seluruh ruang kanvas, sepertinya gambarnya kurang udara.
Komitmen untuk Impresionisme
Auguste Renoir cukup sering bekerja sama dengan perwakilan terkemuka impresionis muda lainnya, Claude Monet. Seniman melukis dari sifat yang sama, mengamati cahaya dan bayangan di alam, dan mempelajari kemungkinan palet dalam menyampaikan efek ini. Contoh persatuan mereka adalah lukisan terkenal "Katak" - lukisan yang dilukis tidak hanya dari satu alam, tapi namanya juga sama. Plot lukisannya sederhana – kafe terapung dengan penonton yang menyenangkan di latar belakang perahu kayu yang menunggu penumpangnya.
Renoir, sifatnya optimis, melalui semua karyanya membawa cinta menampilkan liburan kehidupan, menari atau beristirahat tuan dan nyonya. Artis berusaha untuk tidak memperhatikan sisi gelap kehidupan, dia dengan tulus percaya bahwa seni harus memberi orang momen kesenangan yang luar biasa, dan tidak memenuhi peran pendidikan atau pengajaran yang membosankan.
Renoir "Katak" (1869, museum nasional, Stockholm) sekilas tampak seperti sketsa, tapi bukan pekerjaan yang selesai sama sekali, pemotongan adegan seolah-olah acak. Sampai tingkat tertentu, begitu, adegan digambarkan persis seperti yang dilihat artis, tanpa komposisi bijaksana yang canggih, menyeimbangkan rencana dan membangun perspektif.
Artis mengejar tujuan yang sama sekali berbeda – untuk menangkap dan menyampaikan suasana menyenangkan dan riang di hari musim panas yang hangat, untuk menangkap silau cahaya di atas air, refleks matahari pada gaun wanita (walaupun wanita ini bisa disebut peregangan:sebagian besar pahlawan dalam gambar adalah gadis-gadis yang mudah memerintah, seorang penghuni kafe dengan reputasi yang meragukan). Bekerja dengan alam hidup membutuhkan lukisan dalam waktu yang sangat singkat, karena itu, Renoir dan Monet bekerja dalam teknik penulisan khusus – dengan lebar, pukulan cepat, hanya menunjukkan sosok orang dan menguraikan lingkungan, tetapi tidak membuang waktu untuk menulis detail. Gaya baru ini, boleh dikatakan, lukisan yang tak terkatakan itu tidak disukai oleh masyarakat, dan cara artistik impresionis muda yang tampaknya ceroboh dikritik.
Tetapi justru dalam transmisi sensasi sekilas dari keadaan alam itulah esensi dari gerakan baru dalam lukisan. Impresionisme berasal dari udara terbuka. Perubahan konstan dalam pencahayaan sangat penting bagi mereka yang, di masa depan, pada awalnya akan ironis dan kasar disebut impresionis. Keinginan yang tidak biasa ini untuk menyampaikan kesan yang sulit dipahami, realitas yang berubah menarik perbedaan yang jelas antara karya mereka dan lukisan akademis "mati".
Lukisan akademis klasik hanya ada dalam konteks spektrum sempit mitologis, mata pelajaran agama dan sejarah, tanpa mengenali gambaran zaman modern. Itu adalah seni idealisasi, memperkenalkan tatanan internal buatan dan struktur yang jelas ke dalam segala hal. Benda dan benda dalam benda mati, lanskap dan potret digambarkan sebagai ideal, dan tidak seperti yang terlihat oleh mata manusia. Impian kaum Impresionis adalah mengembalikan lukisan ke kehidupan nyata. Renoir muda, setelah Monet mulai menulis di udara terbuka, karena hanya metode seperti itu yang diizinkan untuk mencapai transmisi sinar matahari alami, memberikan gambaran bahwa spontanitas yang hilang secara permanen saat bekerja di bengkel dari ingatan. Cahayalah yang menjadi “protagonis” utama lukisan mereka. Namun, tidak seperti Monet, Auguste Renoir lebih tertarik pada sosok manusia yang ditempatkan di lingkungan udara-cahaya yang ajaib ini daripada alam itu sendiri.
Dalam karya lain, Jembatan Baru (1872, Galeri Seni Nasional, Washington), Renoir tampak bagi kita sebagai master virtuoso dari Vedut (lanskap perkotaan), siap untuk menulis detail arsitektur dengan hati-hati dan dengan susah payah membangun perspektif. Sudah ada gaya penulisan yang lebih halus, dan konstruksi volume dibuat menggunakan garis, gambar bantu. Namun demikian, pemandangan kota dengan jembatan lebar dan publik yang berjalan-jalan terlihat seolah-olah melalui kabut, semua garis besar elemen arsitektur dan figur karakter tidak memiliki kontur yang jelas, semua garis sangat lembut. Seniman itu menangkap sebuah kota yang bermandikan sinar matahari dan udara yang dipenuhi cahaya.
Potret teman dan rekannya Monet Reads (1872, Museum Marmut, Paris) dibuat oleh Renoir dalam warna gelap, membuatnya hampir monokrom. Namun demikian, gambar teman artis itu ternyata sangat hidup, dia menunjukkan Monet persis seperti dia sendiri melihatnya setiap hari:dengan topi, dengan koran segar dan pipa rokok di mulutnya.
Renoir mempelajari efek pencahayaan, memainkan area yang disorot dan diarsir dari wajah Monet dan koran di tangannya. Secara ahli menipiskan warna gelap keseluruhan kanvas dengan nuansa hangat di tangan, bacaan di belakang kursi, serta warna putih koran. Jadi seniman mencapai komposisi yang harmonis, dibangun dalam warna. Kain kostumnya hampir bercampur dengan latar belakang gelap, seolah diserap oleh senja di sekitarnya. Efek inilah yang berusaha disampaikan pelukis untuk suasana membaca yang terlambat, dalam cahaya rendah.
Gambar 1872 "Potret istri Claude Monet di sofa" (koleksi pribadi, Lisbon) menjadi luar biasa hidup dan mengesankan. Camilla Monet muda (nee Donsier) sedang duduk di sofa dengan gaun biru yang indah, dia berpose telanjang untuk artis, seolah membiarkan dirinya menggambar dengan baik. Di Sini, Renoir tidak mencoba menggambarkan lingkungan dengan hati-hati, ia hanya menyampaikan rasa tenang dan kebebasan ibu rumah tangga muda, yang menemukan waktu untuk istirahat di sore hari.
Sebagai penikmat sejati kecantikan wanita, artis secara terbuka mengagumi pemuda dan kesegaran pahlawan wanita kanvas. Seolah-olah dalam sketsa, Renoir hanya menguraikan sandaran tangan sofa, salah satunya beristirahat di Camille, dan meja teh dengan cangkir di tepinya. Hal ini disebabkan kurangnya pola geometris pada sofa dan garis-garis yang jelas yang membatasi desainnya, sofa tampak luar biasa lembut. Kontur objek menjadi kabur, yang memberikan suasana ruangan efek cahaya dan udara yang luar biasa, seolah-olah Renoir menunjukkan semacam lingkungan tak berwujud sinar matahari yang menyatukan semua benda di dalam ruangan. Dan hanya rambut hitam Camilla, alis dan mata menonjol dengan latar belakang cahaya umum, menarik mata pemirsa.
Di awal tahun 70-an, Renoir menghabiskan banyak waktu di dekat Paris, di Argenteuil, tempat Monet tinggal selama periode ini, teman sering bekerja sama, salah satu mata pelajaran favorit mereka adalah perahu layar di Seine. Karya ini didedikasikan untuk karya “Regatta near Argenteuil” (1874, Galeri Seni Nasional, Washington). Dalam lukisan, artis kembali menggunakan gaya garis besar penulisan dengan bantuan cepat, goresan lebar. Hanya gaya seperti itu yang memungkinkan kami menangkap lanskap, untuk menangkap keadaan sesaat dari sifat variabel.
Langit dalam gambar itu dilukis dengan sangat dinamis, dengan awan merah muda yang robek, seolah-olah menyerap semua sinar matahari. Tampaknya seolah-olah terbalik ke Seine, mencerminkan pola awan dan layar putih perahu, yang pada gilirannya menyerap refleks iluminasi surgawi dan berubah menjadi merah muda. Renoir melukis gambar bukan dengan garis, tetapi dengan bintik-bintik warna.
Komposisi lukisan "Jalan di Rumput Tinggi" (1874, Museum d'Orsay, Paris) sangat mirip dengan lanskap "Ladang Poppy di Argenteuil" (1873, Museum d'Orsay, Paris) oleh Claude Monet. Auguste Renoir menggambarkan orang-orang yang berjalan di sepanjang jalan yang tenggelam di rumput lapangan tinggi. Seperti Monet, untuk menciptakan rasa gerakan, seniman mengulangi sosok orang di puncak bukit dan di dasarnya.
Teater dan Telanjang
Seperti banyak artis, Renoir tertarik pada teater. Di sini Anda dapat menemukan berbagai adegan untuk lukisan, saksikan ribuan orang dengan karakter dan nasib mereka, perhatikan hal-hal yang aneh dan pemandangan yang tidak biasa. Pelukis tertarik pada kedua penonton, terletak di aula, dan para aktor, yang hidupnya bersemangat lewat di sisi lain jalan.
Salah satu karya Renoir di panggung teater – The Lodge (1874, galeri Institut Curto, London) dipresentasikan oleh seniman pada pameran impresionis pertama, sensasional dan gagal, yang diselenggarakan pada tahun ke-84 yang sama di studio fotografer Nadar. Gambar itu adalah potret ganda seorang wanita dan seorang pria yang sedang duduk di sebuah kotak, menunggu dimulainya pertunjukan. Seorang wanita secara langsung dan tenang menatap penonton, temannya, di sisi lain, duduk bersandar dan mencari seseorang melalui teropong di antara kerumunan. Wanita itu sedikit sedih, dan pria itu, kelihatannya, benar-benar lupa tentang kehadirannya. Sosok pahlawan wanita ditampilkan lebih dekat ke latar depan gambar, wajahnya bersinar terang dan seolah-olah mencari dialog dengan pemirsa, pahlawan dihapus dari pemirsa dan rekannya di senja kotak. Sang seniman secara mengejutkan mampu menempatkan aksen semantik dalam komposisi menggunakan permainan cahaya dan bayangan.
Eksposisi pameran impresionis yang sama dihadiri oleh dua karya seniman lagi:"Penari" (1874, Galeri Seni Nasional, Washington) dan “Parisian” (1874, Museum Sumur Nasional, Cardiff).
Lukisan "Penari" menunjukkan kepada kita seorang balerina muda dalam gaun biru udara. Dia berdiri di posisi ke-4 gratis, mengingatkan kita sedikit tentang karya Edgar Degas, yang menciptakan banyak lukisan dengan tema teater favorit. Namun, semua pahlawan wanita Degas ditangkap dalam tarian atau busur, mereka tidak pernah berpose untuknya. Degas melukis mereka - seperti yang sedang dilakukan paparazzi sekarang - ditangkap pada saat yang tidak terduga dalam perspektif yang tampaknya acak, tanpa fokus pada psikologi.
Auguste Renoir bekerja secara berbeda. Di kanvasnya, penari digambarkan tidak dalam tarian dan tidak dalam gambar panggung, tetapi seolah-olah dalam peran dirinya sendiri. Peran penting dalam potret dimainkan oleh mata sedih kecil dan daya tarik seorang gadis muda, kegelisahan dan kelembutannya. Gambarnya dibedakan oleh nada pastel dan kontur lembut – berbeda dengan karya Degas yang terdefinisi dengan tajam, yang selalu menggunakan garis sebagai alat ekspresif utama.
Ketika sampai pada lukisan berikutnya oleh sang master – “Parisian”, banyak sejarawan seni mengutip garis Alexander Blok, yang dia tulis lebih dari tiga puluh tahun setelah pembuatan kanvas:
“Dan setiap malam, pada jam yang telah ditentukan,
(Atau hanya aku yang bermimpi?)
Perkemahan gadis, ditangkap oleh sutra,
Di jendela berkabut bergerak.
Dan perlahan, lewat di antara pemabuk,
Selalu tanpa satelit, sendiri,
Menghirup parfum dan kabut
Dia duduk di dekat jendela…”
Tubuh bagian atas wanita muda itu digambarkan dengan cukup jelas, sedangkan rok tipis gaunnya tampak dijahit dari kain yang lapang. Jadi artis mencapai efek favorit dari keberadaan sosok di lingkungan cahaya-udara khusus, berkat pahlawan wanita yang tampaknya keluar dari kabut. Daya tarik gambar yang menyenangkan dicapai oleh fakta bahwa Mademoiselle berkabut yang sulit dipahami ini benar-benar terbuka untuk berdialog dengan pemirsa.
Tahun berikutnya, Renoir menciptakan lukisannya yang terkenal "Naked in the Sunlight" (1875, Musée d'Orsay, Paris). Ide inovatif sang seniman adalah menulis ketelanjangan di alam, menunjukkan bagaimana silau matahari dan refleks dari daun pohon bermain di kulitnya yang halus. Idenya tidak buruk dan, lebih-lebih lagi, benar-benar impresionistik. Namun, Hasilnya menimbulkan penolakan tajam baik dari kritikus maupun publik. Menurut kanon lukisan tradisional, tubuh wanita telanjang harus ditulis secara ideal, setelah tampil dengan pose model "dipentaskan" yang spektakuler, dan kulitnya harus benar-benar halus dan eksklusif dalam nuansa hangat. Renoir, bukannya kulit mulus, menunjukkan silau dan refleks, yang disebut pengulas bintik kadaver pada tubuh yang membusuk.
Pada tahun 1876, pelukis menciptakan kanvas lain tentang hal ini. Dalam lukisan "Nude" (Museum Seni Rupa Negara Pushkin, Moskow), Renoir menunjukkan dirinya sebagai penikmat kecantikan wanita sejati. Dia benar-benar mengagumi modelnya, seolah membelai tubuhnya dengan kuas. Kali ini, dia melukis kulit tipisnya yang masih muda dengan sempurna dan eksklusif dengan nuansa pink. Secara komposisi, karya tersebut menyerupai lukisan “The Bather” karya Jean Auguste Dominique Ingres (1807). Artis tersebut nantinya akan kembali ke Ingres (yang, kebetulan, adalah contoh untuk Edgar Degas) selama memikirkan kembali jalur kreatifnya sendiri.
Sang master secara teratur berpartisipasi dalam pameran Impresionis berikutnya. Pada ketiga dari mereka, pada tahun 1877, antara karya-karya lainnya, dia mempersembahkan The Ball di Moulin de la Galette and Swing.
Motif ayunan tidak biasa untuk lukisan Prancis abad ke-18; nyatanya, itu tidak ada. Tidak diketahui apa sebenarnya yang mendorong Renoir ke plot ini, tapi ada bukti bahwa dia akrab dengan lukisan dengan nama yang sama oleh Fragonard, yang menulisnya sebagai "adegan gagah", yang memiliki makna tersembunyi, tertutup dalam prospek menarik yang terbuka untuk angkuh yang duduk di tanah di bawah rok yang bergoyang tertiup angin, berayun di angin wanita muda. "Ayunan" (Museum d'Orsay, Paris) dari Renoir, ditulis pada tahun 1876, pada dasarnya adalah "adegan gagah" yang sama, dipinjam dari era Rococo, tetapi ditulis di plot modern dan tanpa konotasi sembrono.
Di kanvas kita melihat seorang pemuda berdiri membelakangi penonton (yang tidak dapat diterima dalam seni tradisional itu sendiri), dia sedikit mengguncang seorang gadis termenung yang berdiri di ayunan kayu. Di dekatnya ada seorang pria dan seorang gadis kecil, memandang seorang wanita dengan penuh kasih sayang dan penuh kepercayaan. Ngomong-ngomong, gambar anak-anak menempati halaman terpisah di seluruh karya seniman, tetapi lebih pada itu nanti.
Lukisan keseluruhan "Bola di Moulin le la Galette" (1876, Museum l'Orsay, Paris) dilukis di bukit Montmartre di Paris, yang pada saat itu masih ada tiga pabrik kayu yang masih terawat. Di salah satunya terletak restoran "Moulin de la Galette", terkenal dengan irisan daging yang lezat (moulin – mill, galet – irisan daging). Restoran secara teratur mengadakan tarian, yang mengumpulkan penonton Paris yang paling beragam, di antaranya adalah seniman muda.
Tempat seperti itu ideal untuk Renoir, yang suka menulis menarik, pancaran cahaya terang, menari di gaun wanita dan jas pria mereka. Seniman itu suka mentransfer ke adegan kanvas festival kehidupan dan pemuda yang riang, ditandai dengan suasana yang luar biasa menyenangkan dan cerah. Kanvas-kanvasnya yang menggambarkan penonton lokal adalah semacam dokumen zaman itu:mereka selamanya menangkap sudut Paris ini, di mana kelas menengah waktu itu dihibur. Seniman itu mencurahkan kanvas besar untuk plot sehari-hari yang sangat tidak biasa untuk waktu itu.
Untuk waktu yang lama, lukisan seniman itu tidak untuk dijual, karena publik menolak untuk mengakui impresionisme sebagai seni. Namun demikian, pameran memungkinkan untuk membuat kontak yang berguna. Melalui mereka, Renoir menerima beberapa pesanan bagus untuk potret yang membantu sang pelukis memenuhi kebutuhannya. Menyenangkan dan menguntungkan bagi artis adalah pertemuan dengan pasangan Charpentier. Faktanya adalah bahwa Nyonya Charpentier memiliki salon sendiri di Paris, di mana audiens yang menarik berkumpul:penulis, artis, penyair dan seniman. Di sinilah Renoir bertemu aktris Jeanne Samari, kepada siapa dia mendedikasikan tiga potret.
Bakat Potret
Luar biasa ditulis, "Potret Jeanne Samari" yang hidup dan liris (1877, Museum Seni Rupa Pushkin, Moskow) menunjukkan pendekatan seniman yang tidak konvensional untuk membangun komposisi. Aktris muda itu bersandar di dagunya dengan tangannya, seolah-olah dalam percakapan rahasia, tatapannya yang terbuka langsung berubah langsung ke mata pengamat, serta perkiraan maksimum gambar ke tepi, menciptakan efek kontak dekat antara pahlawan wanita dan penonton. Berkat pose ini, potret memiliki pesona yang tak terlukiskan dan menyebabkan banyak emosi positif.
Setahun kemudian, seniman membuat kanvas lain dengan nama yang sama (1878, Museum Pertapaan Negara, Sankt Peterburg). Di dalamnya, Renoir kembali menulis kepada Jeanne dari Samaria, tapi sekarang dalam pertumbuhan penuh. Wanita itu mengenakan gaun putih salju yang menakjubkan dengan kereta api, sangat pas dengan sosok rampingnya. Tapi bahkan di sini, dalam potret seremonial, pahlawan wanita masuk ke dalam dialog dengan penonton – posenya sekali lagi diarahkan ke depan, dia berdiri sedikit membungkuk, mengorbankan postur bangga dan bahu lurus, demi kontak ini. Tatapan terbuka langsungnya tidak melepaskan pengamat, tapi bibirnya yang sedikit terbuka menarik perhatiannya.
Di tahun yang sama, Renoir menulis "Potret Madame Charpentier dengan Anak-anak" (Metropolitan Museum of Art, New York). Gambar itu dibuat dengan cara "salon" standar, jelas untuk menyenangkan nyonya rumah sendiri. Dua sosok anak-anak yang lucu, digambarkan dalam pose langsung, menyampaikan plastik anak-anak yang unik dengan sempurna, dilengkapi dengan atribut malaikat – pembengkakan lengan dan kaki, ikal halus rambut, memberikan kanvas pesona khusus. Komposisi umum karya ini sekali lagi dibangun menggunakan warna:dekorasi digambarkan dalam nuansa merah-cokelat, dan sosok Madame Charpentier menonjol di latar belakangnya. Nyonya rumah mengenakan gaun hitam dengan inset kontras putih di dadanya, rok putih mengintip dari bawah keliman, dan di kakinya ada St. Bernard besar dalam warna hitam dan putih. Dan dalam bingkai hitam dan putih ini menggambarkan anak-anak dalam gaun pendek biru pucat.
Renoir selama hidupnya dianggap sebagai master potret yang luar biasa. Dia berhasil menangkap dan menyampaikan suasana hati para pahlawan kanvas. Sebuah contoh luar biasa dari karyanya dalam genre ini adalah "The Girl with a Fan" (1881, Museum Pertapaan negara, Sankt Peterburg). Wajah termenung lembut seorang gadis muda dengan rambut gelap jatuh di dahinya ditulis dengan hati-hati dan lancar, dan rincian toilet, penggemar, tangan dan latar belakang lebih lembut, dengan kontur buram. Latar belakang gambar, dibiarkan tanpa penjelasan, hanya berfungsi untuk membingkai penampilan cantik sang gadis, tanpa mengalihkan perhatian pemirsa dari mata gelap yang berkilau, kulit halus dan bibir terbuka. Kanvas memiliki efek kontras favorit, bintik hitam dan putih bergantian, yang sering digunakan oleh sang master:bagian putih dari kipas – kain gelap dari gaun itu, kerah putih – model rambut gelap. Urutan catur ini dengan sempurna memusatkan perhatian penonton pada kulit model yang halus.
Bertentangan dengan pendapat teman-teman impresionisnya, Renoir memutuskan untuk berpartisipasi dalam Salon tahunan. Itu satu-satunya cara baginya untuk mendapatkan ketenaran dan kontak yang berguna. Berkat upaya Madame Charpentier, Salon tahun 1879 menerima dua lukisan oleh seniman - "Potret Samari" dan "Potret Madame Charpentier dengan Anak-anak". Jadi Renoir akhirnya menyatakan dirinya. Penonton dengan senang hati bertemu dengan pelukis, dan dia mulai secara teratur menerima pesanan baru. Sejak saat itu hingga tahun 1882, artis tidak berpartisipasi dalam pameran Impresionis. Situasi keuangan Renoir meningkat pesat sehingga pada tahun 1881 ia mampu melakukan perjalanan jauh ke Aljazair, Venesia, Roma dan Pompeii.
Pada masa subur yang sama, Renoir bertemu Alina Sherigo, yang merupakan perwujudan hidup dari cita-cita kecantikan wanita pelukis. Alina mulai muncul di banyak lukisan pelukis, dimulai dengan “Sarapan Para Pendayung” (1881, Koleksi Phillips, Galeri Nasional, Washington). Suatu saat nanti, dia bahkan menjadi istrinya.
Komposisi cahaya kanvas "Rowing Breakfast" dilukis oleh Renoir dalam cahaya alami. Plot gambar adalah liburan hidup lain yang sangat dicintai oleh artis, dengan pacaran tuan-tuan, pemuda yang riang, senyum wanita dan seluk-beluk hubungan. Karya tersebut berpartisipasi dalam pameran ketujuh Impresionis pada tahun 1882, bersama dengan beberapa lanskap Venesia yang dibuat oleh seniman selama perjalanannya ke Italia. Dan hanya setahun kemudian, pada tahun 1883, pameran pribadi pertama Renoir berlangsung.
Pengakuan gaya sendiri dan frustrasi
Ketenaran artis di tahun 1880-an telah melampaui Prancis. Auguste Renoir yang terhormat dan terhormat mulai sering bepergian. Pada tahun 1885, anak pertama mereka, putra Pierre, lahir dari tuan dan Alina. Segera keluarga itu pindah ke tanah air Alina di Champagne. Pada tahun 1886, Renoir membuat potret istri dan putranya yang masih kecil.
Kanvas "Motherhood" (Museum Seni Rupa, St.Petersburg, Florida) sudah merayakan kegembiraan lainnya. Hiburan riang publik Paris surut ke latar belakang, dan semua perhatian artis beralih ke kesenangan kehidupan keluarga dan kebahagiaan menjadi ibu. Gambar itu sentimental:Alina muda yang gemuk menyusui bayi gemuk di pedesaan yang indah. Proporsi wanita yang duduk di kursi terlihat sedikit lebih pendek karena seniman melukisnya sambil berdiri, dan sudut pandangnya lebih tinggi dari model.
Lembur, Auguste Renoir, seorang ahli impresionisme yang sebelumnya diakui, menjadi kecewa dengan cara menulis yang dikembangkannya. Ketidakpuasannya dengan pekerjaan itu membuat sang master bahkan menghancurkan beberapa kanvas yang dibuat. Jika sejak awal karir kreatifnya sang pelukis mencari inspirasi dan jawaban atas pertanyaan-pertanyaan yang menyiksanya dalam lukisan-lukisan Eugene Delacroix, Jean Honore Fragonard dan Francois Boucher, yang berkontribusi pada pembentukan kepribadian kreatifnya, sekarang dia beralih ke karya Jean Auguste Dominique Ingres – seorang akademisi dan neoklasik yang brilian, garis induk, writing seductive nude beauties and unusually gentle female portraits. Juga, Renoir began to use the experience of Renaissance masters, whose works conquered him in Italy.
Despite the change of style, the artist remained faithful to the world of joy, beauty and bright happiness. He never created sad, philosophical, or edifying works. Paired works “Dance in the Village (1882, Museum d’Orsay, Paris), “ Dance in Bougival ”(1883, Museum of Art, Boston), as well as“ Dance in the City ”(1883, Museum d’Orsay, Paris ) became a logical continuation of the topics raised by the painter in the works of previous years. All three paintings show us dancing couples reveling in movement, music and as if serving as a continuation of the theme of cloudless happiness and youth of the canvas “Ball at the Moulin de la Galette”.
The painting “Dance in the Village” brings back memories of the early painting “Portrait of Alfred Sisley with His Wife”. In the new work we can see the same tenderness, care and emphasized courtesy of the gentleman hugging his lady. The pose of the dancing couple captivates with direct plasticity and clearly demonstrates the nature of their relationship:the man is tenderly in love with his partner, he is ready to do her best in every possible way, she bathes in his love and care, like in music, absorbed in dance and subordinating his movements to the leading force of the partner.
"Dance in Bougival" demonstrates the departure from the impressionistic style of writing. She is still visible in the foliage of the trees and the background of the picture, but the girl’s dress and her gentleman’s costume are painted rather tightly and smoothly. The atmosphere of the work is close to the previous one, the same immediacy reigns in it, but with a touch of hidden feelings – the girl slightly bashfully looks away from her partner, who is trying to win her attention by all means.
The partners of the film “Dance in the City” are much more restrained in their movements and expression of feelings. Exquisite costumes speak of their high social status. The girl keeps herself very straight, not leaning on the shoulder of her partner with a popular gullibility. Her posture is strict and meets all standards of etiquette. The heroine’s face is calm, it does not express the happiness and joy with which the heroine of “Dance in the Village” shines. The face of a young man is completely hidden from us.
The painting "Umbrellas" (1881 -, National Gallery, London) became one of Renoir’s most famous works. It was started during the heyday of his passion for impressionism, and ended five years later, after the artist became acquainted with the work of Renaissance masters and rethought his own path in art. Female figures on the left side of the canvas are written more gently, while on the right side – a clear contour line appears. The picture densely filled with characters seems to lack compositional construction, but this is only at first glance. Among the randomly flooded figures of passers-by, the diagonal construction of the canvas can be distinguished:the first diagonal starts from the girl’s head in the right corner of the canvas, then is emphasized by the cane of the tilted umbrella and finally ends with the heads of the girl and the man standing behind her on the left.The line of the cane of the umbrella in the hands of the woman accompanying the girls indicates the second diagonal.
"Umbrellas" became the last big picture of the artist, dedicated to the life of his modern city. The Renaissance art influenced the further selection of themes, which left its mark on the pictorial manner of Renoir. The master until the end of his life remained a singer and connoisseur of female beauty, mouth-watering forms, delicate skin and sparkling eyes. The canvas "The Big Bathers" (1887, Art Museum, Philadelphia) is a clear evidence of the influence of the great masters of the past. The presence of a contour drawing, classic draperies, delicately painted naked bodies of girls with delicate skin and the layout of their figures in space represent a clear pyramidal composition in the shape of a triangle.
Benar, in the painting “After Bathing” (1888, a private collection), the smoothly painted naked body of a seated girl still has a hint of the artist’s former style. The shadows in the canvas remain impressionistic, berwarna, and its background is made with wide strokes. And the very picture of the body of the heroine is more soft than in the previous work.
Tahun-tahun terakhir
The artist still traveled a lot. In 1894, a second child appeared in the Renoir family – the son of Jean. And in 1897 a small incident happened. It did not portend in itself any problems. The artist unsuccessfully fell off his bicycle and broke his right arm. During recovery, the master learned to write with his left hand. But even after a complete healing of the fracture, Renoir did not leave constant severe pain. So began severe arthritis, which did not leave the artist for the next twenty years of his life, gradually fettering movements and facial expressions, twisting his fingers, and then completely causing paralysis. Alina did everything possible to save her beloved spouse, Namun, after each short-term improvement in his condition, relapses invariably occurred. Friends often came to visit the painter, Renoir himself did not stop working until the last day of his life. In 1901, his third son Claude was born, who became the most beloved model of an aging artist.
Renoir paintings were exhibited at many exhibitions in Paris, New York and London. They brought him well-deserved fame. And in 1900, the artist became a holder of the Legion of Honor, and ten years later – an officer of the order.
In 1909, the painter creates two more paired works:“Dancer with Castanets” and “Dancer with Tambourine” (both – National Gallery, London), in which a clear influence of Renaissance art is revealed. Plastic bodies, calmly contemplative expression, drapery and abstract background bring them closer in style to the frescoes of the great masters of the past. The works are very decorative, the figures of the dancers as if descended from an old frieze.
The work "Gabriel with the Rose" (1911, Musee d’Orsay, Paris) is very different from the "classical" portraits of the master. The canvas palette darkened, the model does not dazzle with a sparkle of eyes and a radiant smile. But clearly more plastic study of volumes is evident. But it’s all early, it is obvious that the aging artist admires the smoothness and tenderness of the skin of his heroine (Gabrielle was a relative of his wife and helped her with raising children).
With the outbreak of World War I, the elder sons of the Renoirs went to the front, both of them returned, but wounded. Alina tried her best to help her children, tetapi, not having endured the emotions, she died. Renoir continued to write in a wheelchair, overcoming severe pain in his entire body, until his death on December 2, 1919.
Zhuravleva Tatyana
