Pada 14 November, 1840 di Paris, seorang putra bernama Oscar Claude Monet lahir dalam keluarga pemilik toko kelontong. Hanya lima tahun kemudian, seluruh keluarga artis masa depan pindah ke Normandia, ke Le Havre. Mulai dari usia 14 tahun, Monet mulai mendapatkan uang dan ketenaran dengan menggambar kartun.
Lukisan Claude Monet
Di Sini, di Le Havre, seorang pemuda bertemu dengan seorang pelukis lanskap dan Eugene Boudin yang asli, yang bekerja dengan cara yang sangat aneh pada waktu itu – dia menciptakan lukisannya bukan di studio, tapi langsung di udara terbuka.
Monet dengan cepat menyadari keunggulan metode Boudin – kecepatan dan keaktifan transfer alam di atas kanvas. Dari dulu, itu adalah, sejak sekitar tahun 1856, artis juga mulai menulis di udara terbuka. Bahkan kemudian, Claude Monet memutuskan sendiri bahwa dia akan mengabdikan hidupnya untuk melukis, terlepas dari kenyataan bahwa ayahnya memiliki pendapatnya sendiri tentang masalah ini.
Setelah memutuskan misinya, Monet pindah ke Paris, dimana pada tahun 1859 ia masuk ke Suisse Academy. Di sana ia bertemu dengan Gustave Courbet yang realis, Eugene Delacroix yang romantis dan impresionis Camille Pissarro. Benar, setelah hanya satu tahun pelatihan, artis dikirim ke Aljazair untuk dinas militer, tetapi dia kembali ke Le Havre lebih cepat dari jadwal karena alasan kesehatan, dan dari sana ia segera pindah kembali ke Paris.
Eksperimen kreatif dan hasrat untuk efek pencahayaan
Fateful for Monet adalah pintu masuk ke studio pelukis terkenal Charles Gdeir, pada tahun 1862. Di sanalah dia bertemu dengan teman masa depannya – Auguste Renoir, Alfred Sisley dan Frederic Bazil, dengan siapa dia akan memulai gerakan Impresionis. Pencarian cara baru dalam seni telah menjadi tujuan dan hiburan utama seluruh perusahaan.
Tiga tahun kemudian, Monet menulis lukisan "Breakfast on the Grass", inspirasi yang merupakan karya skandal Edouard Manet dengan nama yang sama. Namun, Monet tidak akan mengejutkan publik dengan citra karakter telanjang asli, seperti yang dilakukan Manet. Artis muda itu hanya mencari gayanya. Sudah saat ini, dia mulai mengabaikan garis dan memodelkan semua bentuk menggunakan bintik-bintik warna. Tukang Cat, masih di Normandia kecanduan menulis di alam, paling tertarik pada efek cahaya alami. Pengerjaan di tepi hutan memberi kesempatan kepada seniman muda untuk mengamati bagaimana sinar matahari menembus dedaunan dan jatuh di berbagai permukaan, warna yang segera berubah, berkat pantulan dan silau dedaunan ini.
Monet menggunakan kekasihnya Camille Donsier sebagai model untuk karakter wanita di tempat kerja, dan karakter laki-laki dalam gambar itu ditulis dari Frederic Bazil. Perusahaan ini, yang disiapkan untuk sarapan di pangkuan alam, hanya sibuk dengan percakapannya dan tidak memiliki kontak dengan pemirsa. Artis muncul di sini, seperti pengamat yang tidak diperhatikan, pria dan wanita tidak berpose untuknya. Kami hanya bisa mengagumi lipatan gaun wanita, punggung mereka menghadap kami. Wajah seorang pemuda duduk yang terletak di sudut kanan bawah gambar juga berpaling dari penonton. Monet mengikuti hukumnya sendiri, dia tidak secara jelas menyusun komposisi, seperti mise-en-scene teatrikal. Melanggar tradisi bahwa gambar di latar depan karakter dengan punggung menghadap ke penonton tidak mungkin, sang seniman menciptakan estetika santainya sendiri, bebas dari prasangka. Sayangnya, gambar tidak disimpan secara keseluruhan, tetapi sketsanya sangat menarik minat banyak seniman muda. Di Museum Nama Moskow A.S. Pushkin adalah salah satu opsi untuk bekerja, dibuat pada tahun 1886.
Contoh lain keberangkatan dari lukisan klasik adalah lukisan "Ladies in the Garden" (1866, Musée d'Orsay, Paris), tata letak yang dengan pemotongan gaun wanita, tidak akan membiarkan diri saya dilukis dengan cara akademis apa pun. Dan Monet tidak takut untuk memotong gambar dengan bebas, memberikan kesan fragmentasi, mirip dengan efek foto.
Di kanvas kita melihat adegan genre yang khas, pusat semantik yang digeser ke tepi kiri. Keberangkatan dari tradisi di sini diungkapkan dalam kenyataan bahwa wanita yang beristirahat di bawah naungan pepohonan menjadi bagian integral dari lanskap berbunga, berfungsi sebagai hiasannya, seperti bunga yang indah. Sosok wanita tampak menyatu dengan lanskap, gaun mereka beradaptasi dengan latar belakang bayangan yang ditimbulkan oleh batang pohon.
Pelukis tidak terlalu tertarik untuk menyampaikan individualitas wanita muda, pakaian atau kegiatan mereka, tetapi dalam menyampaikan permainan cahaya dan harmoni dalam hubungan antara alam dan manusia. Anda dapat menilai betapa tidak berartinya bagi artis wanita itu sendiri dengan fakta yang jelas bahwa keempat wanita muda itu ditulis dari model yang sama - Camilla sendiri. Seniman mencoba untuk menutupi ini dengan menunjukkan kepada kita wajah hanya seorang wanita yang duduk di rumput. Gambar di sebelah kiri ditampilkan di profil, wanita di sebelahnya menutupi wajahnya dengan karangan bunga, dan pahlawan wanita keempat, yang menjangkau semak-semak berbunga, benar-benar berpaling dari penonton.
Di tahun yang sama, salah satu lukisan Claude Monet yang paling terkenal pada tahun 1860-an dilukis – “A Woman in a Green Dress” (1866, Kunshayle, Bremen, Jerman). Di atas kanvas, kita kembali melihat Camilla Donsier. Pelukis bekerja secara realistis, dia menggunakan latar belakang gelap, di mana wajah seorang gadis muda, mandi di bawah sinar matahari, menonjol dengan cerah.
Kontras tajam dari area yang terang dan teduh menyerupai chiaroscuro Caravaggio. Gambar liris dan pada saat yang sama sangat intim, itu tidak dimaksudkan untuk dilihat secara umum:sang master membuka Camilla dengan punggungnya hampir menghadap ke pengamat, model itu sendiri tidak mencari pose yang spektakuler, meninggalkan kami hanya kesempatan untuk memeriksa ujung gaunnya dan mantel bulu yang dilemparkan di atasnya. Karya tersebut diterima secara positif oleh kritikus dan penonton, yang membawa ketenaran Monet muda.
Setahun kemudian, Monet melukis gambar dengan tema yang sangat mirip. Seseorang mendapat kesan bahwa seorang wanita berjubah putih terang pada lukisan “Lady in the Garden” (1867, Museum Pertapaan Negara, St Petersburg) dibutuhkan oleh seniman hanya sebagai dalih untuk mewujudkan animasi alam untuk memberinya keadaan layak huni. Wanita itu lagi-lagi hampir memunggungi penonton, dan seniman hanya tertarik pada keindahan lanskap tengah hari dengan warna-warna cerah dan bayangannya yang panjang.
Bagian tengah komposisinya adalah petak bunga bundar dengan bunga merah, di mana sebuah pohon berdiri. Wanita yang digambarkan, siapa, dalam teori, adalah pusat semantik pekerjaan, ditempatkan di sebelah tepi gambar. Wanita berfungsi sebagai titik paling kiri dari mana diagonal komposisi pekerjaan dimulai, selanjutnya didukung oleh pohon di petak bunga dan pohon lain digambarkan di sebelah kanan. Irama komposisi diatur oleh vertikal sosok perempuan dan kedua pohon, serta bayang-bayang sempit yang dibuat oleh mereka di atas rerumputan yang hijau.
Pada tahun 1867, Camille Donsier, melahirkan putra artis Jean, dan beberapa saat kemudian menjadi istrinya. Di tahun yang sama, lukisan "Jean Monet in the Cradle" (koleksi pribadi) dilukis. Di Sini, tidak seperti banyak lukisan oleh penulis, bagian tengah komposisi ditandai dengan jelas; itu adalah buaian yang dihias dengan kanopi yang tergantung di atas kepala tempat tidur. Kami melihat seorang ibu di dekat buaian – ini membuat gambarnya terlihat seperti adegan bergenre yang populer dalam lukisan Belanda. Namun, Bahu kanan dan punggung Camilla terpotong di tepi gambar, menunjukkan pentingnya karakter lain dari karya tersebut – seorang putra yang ditutupi selimut.
Genre still life bukanlah favorit Monet, tetapi, Namun demikian, dia menyapanya dari waktu ke waktu. Lukisan "Still Life with Fruits and Grapes" (1867, koleksi pribadi) dibedakan oleh gaya penulisan yang lebih halus daripada karya lanskap oleh master. Latar belakang gelap kusam cukup langka di kanvas Monet, tapi di atasnya, matang, bahkan buah-buahan yang sedikit terlalu matang terlihat sangat hidup dan dapat dipercaya. Dalam karya ini, artis, seperti biasa, paling tertarik pada alam dan efek cahaya.
Tapi bunganya, artis yang sangat mencintai mereka, lebih suka melukis di alam. Gambar bunga potong adalah pengecualian yang langka, contohnya adalah lukisan "Bunga dan Buah" (1869, Museum Paul Getty, Los Angeles, California). Di Sini, master awalnya menggunakan latar belakang gelap, tapi kemudian ditinggalkan. Setelah membangun kehidupan diam, Monet dengan mudah memotong setengah dari keranjang anyaman, buah-buahan di atas meja dan kelopak bunga matahari, yang juga melanggar semua kanon seni lukis akademis, yang panggilannya selalu dianggap sebagai citra objek dari sisi terbaiknya.
Di awal karirnya, Claude Monet sangat menderita karena kesulitan keuangan, yang hampir membuatnya bunuh diri. Pada tahun 1860-an, situasi keuangan artis yang buruk memaksanya untuk terus-menerus berpindah dari satu tempat ke tempat lain. Mulai tahun 1869, Monet menetap di pinggiran kota Paris Bougival. Auguste Renoir sering datang kepadanya di sini, bersama-sama mereka banyak bekerja di alam, menangkap pandangan yang sama dan mengembangkan teknik melukis mereka sendiri.
Teman mengintip ke wajah alam, memperhatikan bahkan perubahan kecil dalam pencahayaan dan pergerakan udara yang paling menarik bagi mereka. Keinginan untuk menangkap keadaan seketika yang sifatnya selalu berubah, hidup menurut hukumnya sendiri, seniman muda bersatu. Mereka dengan hati-hati mengamati bagaimana lanskap yang sama berubah tergantung pada waktu, kondisi atmosfer dan sifat pencahayaan:bayangan memanjang dan menebal, silau matahari bermain di dedaunan dan air, dan riak terbentuk di permukaan sungai yang tenang.
Pada tahun 1869, seniman melukis lukisan terkenal mereka dengan nama yang sama dengan pemandangan kafe di Seine dekat Bougival dan kolam di dekatnya. Lukisan-lukisan itu disebut "The Frog" (Museum Seni Metropolitan, New York). Dalam versi karyanya, Monet mengembangkan teknik penulisan individu, cara baru menerapkan guratan, yang memungkinkan untuk dengan cepat mentransfer sensasi dari apa yang dilihatnya ke kanvas, yang oleh para kritikus dianggap sangat lalai. Memang, dari sudut pandang pelukis salon, kanvas memberi kesan yang belum selesai, sketsa yang dieksekusi dengan lancar, di mana objek hanya ditandai, dan cukup kasar. Tidak ada ciri idealisasi seni akademik. Tetapi Monet sepenuhnya secara sadar menghindari ini. Artis selalu menulis apa yang dilihatnya saat ini, mencoba untuk "menangkap" realitas beku yang membeku sesaat, dan untuk tugas seperti itu dia membutuhkan peralatan yang cepat.
Seperti kebanyakan impresionis, Monet menulis dengan warna murni, tanpa menggunakan pencampuran warna pada palet. Dia menghindari nuansa dan nada tengah yang diadopsi dalam lukisan tradisional. Sebagai gantinya, sang seniman dengan padat menerapkan sapuan warna-warna tertentu pada kanvas, dan dalam kombinasi, mereka memberi nuansa berbeda pada persepsi mata manusia. Ide lukisan semacam itu didasarkan pada penemuan fisikawan Prancis Eugene Chevreul di bidang optik. Secara khusus, ditemukan bahwa warna benda bukanlah fakta objektif tertentu, melainkan tergantung pada cahaya yang sinarnya dipantulkan dari mereka. Ini berfungsi sebagai pembenaran untuk penolakan penuh oleh kaum Impresionis hitam dan penciptaan sorotan dan bayangan "berwarna" mereka pada permukaan cahaya kanvas mereka.
Lukisan "Teras di St. Andress" (1867, Museum Seni Metropolitan, New York) dibedakan oleh tidak adanya konstruksi yang menjanjikan dari ruang umum untuk seni Eropa. Karena ini, tampaknya laut menggantung di atas teras yang cerah. Gagasan untuk mencoba melepaskan prospek Monet diajukan oleh lukisan tradisional Jepang yang menjadi populer di Eropa. Di latar depan gambar adalah teras berbunga, di mana tuan dan nyonya bersembunyi dari terik matahari musim panas di bawah kanopi atau payung berjalan-jalan atau hanya bersantai, duduk di kursi rotan.
Bunga-bunga cerah akan berulang kali muncul di kanvas Monet, menjadi, pada akhirnya, motif independen dalam karyanya nanti. Di latar belakang adalah laut, banyak perahu layar yang menekankan cakrawala. Perahu layar yang digambarkan di dekat teras berfungsi sebagai panduan penting bagi mata. Tanpa itu, denah pertama dan kedua dari gambar akan terlihat terlalu terfragmentasi, yang akan menyebabkan disintegrasi komposisi menjadi dua bagian yang independen dan tidak terkait. Pilar vertikal yang jelas, berdebat dengan konstruksi horizontal komposisi, terlihat agak asing. Tapi ini hanya kesan yang dangkal, nyatanya, merekalah yang “mengumpulkan” semua pekerjaan, memfokuskan perhatian penonton pada bagian tengahnya.
Dengan dimulainya perang Prancis-Prusia pada tahun 1870, Monet pergi ke London, di mana dia menikahi Camille pada tahun yang sama. Di London, artis terus bertemu dengan teman-teman dan orang-orang yang berpikiran sama dan menulis pemandangan kota dengan Camille Pissarro.
Kepribadian gaya
Dua tahun kemudian, sang seniman menciptakan karyanya yang terkenal “Impression. Matahari terbit ”(1872, Museum Marmottan-Monet, Paris). Di dalamnya, pelukis tidak mencoba untuk mereproduksi realitas, tidak mencoba meniru alam, tetapi hanya menyampaikan kesan pribadinya tentang keindahannya.
Sosok-sosok orang dalam gambar itu lagi-lagi nyaris tak tergambarkan, yang tidak biasa bagi pemirsa, terbiasa dengan gaya penulisan akademis. Tetapi hubungan warna-warni dari air pancaran murni dan matahari terbit, yang memanifestasikan dirinya dalam pantulan terang di permukaan laut, ditransmisikan dengan indah.
Seniman mempresentasikan karya ini pada pameran impresionis pertama, diadakan pada tahun 1874. Kemudian, Monet dan rekan-rekannya masih menyebut diri mereka "Masyarakat Seniman Anonim, Pelukis dan Pengukir." Lukisan itu mendapat ulasan negatif yang tajam dari para kritikus dan penonton, dan namanya ("Kesan") memunculkan definisi yang ironis pada saat arah baru seni lukis - impresionisme. Pameran ini mendapatkan ketenaran hanya karena kegagalannya yang memekakkan telinga.
Kami akan kembali pada tahun 1872, ketika Monet dan keluarganya pindah ke kota Argenteuil, dekat Paris. Teman-teman datang kepadanya lagi – Sisley, Eduard Manet dan Renoir. Lukisan seniman itu masih belum dijual, namun warisan yang diwarisi dari ayahnya mampu sedikit meningkatkan kesejahteraan materi keluarganya. Di Sini, di Argenteuil, Monet mendirikan "bengkel terapung" untuk dirinya sendiri. Dia bepergian dengan perahu di Seine, bebas menangkap pemandangan yang disukainya dan terus mempelajari efek pencahayaan melalui refleks sinar matahari di atas air.
Pada tahun 1873, Monet menciptakan lukisan "Field of Poppies at Argenteuil" (Museum d'Orsay, Paris), menggambarkan Camille dan Jean Monet kecil tenggelam di rumput lapangan. Konstruksi diagonal komposisi menciptakan rasa gerakan. Di latar depan dan di latar belakang ada dua pasangan yang terdiri dari ibu dan anak, yang terletak pada diagonal, didukung oleh jalan yang nyaris tidak terlihat, hanya digarisbawahi oleh strip bunga poppy. Kedua pasangan ditulis dari model yang sama. Karya ini dengan sempurna menunjukkan komposisi komposisi yang terampil menggunakan warna.
Di tahun yang sama, lukisan "Kaputsin Boulevard" (1873, Museum Seni Rupa Negara Pushkin, Moskow) juga dicat, dimana pengaruh seni fotografi sangat terasa. Gambar, menyampaikan sekejap dari kehidupan yang penuh dengan orang yang lewat dan kru jalan kota, menyerupai cuplikan. Orang-orang di dalamnya hanya memainkan peran sekunder, dan yang utama ditugaskan untuk suasana seniman kontemporer kota.
Pengaruh fotografi yang nyata terlihat dalam konstruksi komposisi lukisan "Jalan Saint-Denis pada Hari Nasional" (1878, Musium Seni, Rouen). Irama komposisi diatur oleh sapuan biru-putih-merah dari banyak spanduk nasional, dipamerkan, seperti bayonet, dari balkon dan bukaan jendela rumah. Pekerjaan, seperti tembakan reportase, menangkap kehidupan kota selama liburan.
Lebih-lebih lagi, pelukis sama sekali tidak tertarik untuk merayakan orang. Tidak seperti Delacroix dan karyanya Freedom on the Barricades, Monet tidak menggambarkan grup tersebut dalam latar yang spektakuler. Artis membutuhkan kota itu sendiri, wajah dan suasananya memerintah pada hari libur. Jalan-jalan hanya dihuni oleh figur staf – sketsa siluet gelap yang ditekan oleh dinding batu.
Tetapi model yang paling dicintai untuk artis tetap menjadi istri dan putra kecilnya yang dipuja. Brushes Monet memiliki karya yang luar biasa "Camille Monet dengan putranya Jean" (nama alternatif "Lady with an Umbrella", 1875, Galeri Seni Nasional, Washington). Terlepas dari pose statis para pahlawan, gambarnya penuh dengan gerakan:awan menyapu langit, dan gaun tipis dan kerudung di topi seorang wanita muda tertiup angin.
Contoh mencolok dari pengaruh seni oriental pada karya seniman adalah lukisannya yang terkenal di dunia "Gadis Jepang" (1876, Museum Seni Rupa, Boston). Di atasnya, kamila, mengenakan kimono merah cerah, berdiri di dinding abu-abu yang dihiasi dengan kipas kertas Jepang. Karya ini sangat dekoratif, pakaian tradisional Jepang benar-benar menyembunyikan bentuk tubuh seorang wanita, dan komposisinya benar-benar tanpa kedalaman dan mendekati gambar datar. Seperti biasa, Monet menghindari kontur objek yang jelas:sosok istrinya, seorang Jepang, digambarkan pada kain kimono dan kipas di dinding di belakang punggung wanita itu, ditulis lebih berwarna daripada bergaris, yang menciptakan kesan tambahan kerataan pekerjaan. Poin menarik dalam solusi komposisi adalah bahwa figur orang Jepang di kimono dan pahlawan wanita dari gambar dikerahkan ke arah yang berlawanan, menyeimbangkan satu sama lain.
Tempat terpenting bagi seniman kontemporer Paris adalah stasiun Saint-Lazare. Sang master mendedikasikan beberapa lukisan untuknya, ditulis pada tahun 1877. Stasiun itu menciptakan nasib orang, menghubungkan ibu kota Prancis dengan kota-kota lain bahkan negara-negara. Hidup selalu berjalan lancar di sini:penumpang datang dan pergi, lokomotif berdengung, kereta api menambah kecepatan dan terbawa ke kejauhan.
Suasana kehidupan industri baru yang menggairahkan inilah yang ingin ditampilkan sang seniman dalam kanvasnya. “Stasiun Saint-Lazare. Kedatangan kereta ”(1877, Museum Seni Fogg, Harvard) dengan sempurna mencerminkan kehidupan sehari-hari stasiun. Karya ini menggunakan lukisan hampir monokrom, sudut yang tidak biasa yang dipilih, sempurna menyampaikan fitur dari solusi kubah arsitektur stasiun.
Segera, dua peristiwa terpenting bagi artis terjadi di keluarganya:pada tahun 1878, istri tercinta melahirkan putra keduanya, michel, setelah itu Camilla sendiri menjadi sakit parah. Monet kembali mengalami kesulitan keuangan yang serius. Baik publik maupun kritikus belum "dewasa" dengan persepsi yang benar tentang gayanya dalam seni. Pelukis itu terpaksa meninggalkan Argenteuil dan menetap di Vetej, di mana tetangganya adalah pengusaha Ernest Goshede dan istrinya Alice, yang kemudian ditakdirkan menjadi istri kedua pelukis.
Seniman itu menyampaikan kesannya tentang gerakan itu dalam lukisan "Jalan Menuju Vethey di Musim Dingin" (1879, museum seni, Gothenburg), di mana ia menggambarkan pemandangan musim dingin yang khas di Prancis:jalan tanah yang tertutup salju, perbukitan dengan tanah coklat kecoklatan yang terlihat melalui salju yang lepas dan rumput hijau yang membeku, sebuah gereja, rumah dua lantai yang dibangun di lereng perbukitan yang landai di kedua sisi jalan. Hanya sosok kedua pelancong yang sedikit meramaikan pemandangan.
Lukisan "Di tepi Sungai Seine dekat Vetheya" (1880, Galeri Nasional, Washington), dilukis di musim panas tahun depan, sederhana dan liris. Seluruh latar depan gambar ditempati oleh rumput padang rumput yang berbunga, di belakangnya Anda dapat melihat permukaan cermin sungai. Seniman itu dengan ahli menyampaikan langit yang terpantul di sungai dengan awan yang mengambang di atasnya dan pepohonan yang berdiri di tepi seberangnya. Semak-semak pantai dan pohon-pohon yang tumbuh secara terpisah di latar belakang gambar seolah-olah diselimuti kabut abu-abu kebiruan dari awan kelabu yang menaungi mereka.
Pemandangan luar biasa cerah dan cerah di kanvas "Pohon Apel Mekar" (1879, Museum Seni Rupa, Budapest) mengesankan dengan transmisi cahaya bengkel – lanskap yang digambarkan tampaknya bermandikan sinar matahari yang membanjiri seluruh ruang di sekitarnya.
Komposisi gambarnya lagi-lagi sangat sederhana, di latar depan adalah pohon-pohon yang mekar di kebun apel dan rumput di bawahnya, di detik kita melihat rumah-rumah dengan atap merah setengah tersembunyi di balik cabang-cabang pohon, dan latar belakang ditempati oleh bukit yang menjulang. Beberapa pohon apel, didorong mendekati tepi bawah pekerjaan, berfungsi sebagai pemandangan sisi kanan dan satu-satunya vertikal pada komposisi horizontal, seolah-olah "mengumpulkan" semua pekerjaan.
Pada tahun 1879 yang sama, di usianya yang baru tiga puluh dua tahun, Istri tercinta Monet meninggal karena penyakit serius. Artis yang berduka, dia melukis potret Camille di ranjang kematiannya, di mana ia menggambarkan istrinya dengan caranya sendiri, menekankan dengan warna bagaimana wajahnya kehilangan warna vitalnya.
Sukses yang ditunggu-tunggu
Secara paradoks, pada tahun berkabung dalam kehidupan pribadinya inilah kesuksesan profesional datang kepada artis. Komentar dan komentar positif muncul di pers Paris tentang pameran karya-karyanya, yang segera mulai dijual. Ini meningkatkan situasi keuangan pelukis.
Pada tahun 1883, dia akan menyewa sebuah rumah kecil tapi sangat nyaman di Giverny dekat Paris, di sebelahnya terdapat taman yang megah, diverifikasi sebagai lukisan, dengan mempertimbangkan warna individu dan waktu berbunga setiap tanaman. Nanti, Monet membeli wilayah tambahan di dekat rumah untuk membuat taman menakjubkan lainnya di atasnya, di mana ada kolam dengan bunga lili air dan jembatan Jepang dengan jalan berliku menuju ke sana. Tempat ini akan menjadi subjek lukisannya sampai kematiannya, bersama dengan gagasan untuk menciptakan banyak rangkaian karya terpisah di mana sang seniman mewujudkan studinya selama bertahun-tahun tentang kemungkinan visual warna dalam transmisi berbagai pencahayaan. Dalam siklus kerja ini, pelukis dengan jelas menggambarkan bagaimana motif yang sama berubah tergantung pada bagaimana itu dinyalakan. Perlu dikatakan, semua seri menikmati kesuksesan luar biasa dengan publik.
Pemandangan pedesaan yang bersahaja dalam lukisan "Haystack in Giverny" (1886, Museum Pertapaan Negara, St. Petersburg) telah menjadi salah satu motif favorit seniman. Pemandangan, pusat komposisinya adalah tumpukan jerami yang berdiri di latar depan, dilengkapi dengan rumah-rumah dan pohon-pohon yang terlihat di ladang yang jauh.
Pada tahun 1888, Monet akan membuat serangkaian 25 karya yang didedikasikan untuk spesies ini. Lebih-lebih lagi, lanskap sekitarnya di kanvas akan menjadi lebih dan lebih sewenang-wenang, pembagian ke dalam rencana komposisi praktis akan hilang, dan tumpukan jerami akan memperoleh peran independen, seolah-olah berkonsentrasi pada dirinya sendiri sebagai pusat konseptual keberadaan. Peran utama dalam semua lukisan diberikan pada warna, yang berusaha untuk menyampaikan seluruh spektrum cahaya variabel. Pada siang hari, sang seniman mengerjakan beberapa kanvas yang menyampaikan kondisi pencahayaan yang berbeda:pagi, siang dan malam – ini adalah orisinalitas metode pelukis, yang meletakkan dasar untuk seri lain – “Poplar”. Simetri cermin, pada prinsip yang komposisi karya "Poplars at Ept" (1891, Galeri Nasional Skotlandia, Edinburgh) dibangun menyajikan dua realitas kepada pemirsa:hutan poplar nyata di tepi sungai dan pantulannya di permukaan cermin air, hanya sedikit berdesir oleh riak. Sungai sepenuhnya menggabungkan semua warna yang dipenuhi pepohonan, langit dengan awan merah muda mengambang di atasnya. Kegelisahan permukaan air ditekankan oleh sifat guratan-guratan pelukisnya.
Siklus terbesar yang didedikasikan untuk Katedral Rouen dimulai oleh Claude Monet pada tahun 1892. Selama dua tahun, seniman menyelesaikan 50 lukisan, yang secara konsisten menggambarkan fasad Gotik katedral pada waktu yang berbeda dalam sehari:dari pagi hingga larut malam. Sinar matahari menciptakan metamorfosis yang menakjubkan tidak hanya dengan warna katedral, tetapi juga dengan esensi batunya. Tembok yang telah berdiri selama beberapa abad, berkat cahaya yang membanjirinya dan arsitektur gothic dari kerawang, tampaknya hampir tanpa bobot dan ajaib. Sinar matahari tampaknya melarutkan kekuatan batu katedral, menembusnya dengan intensitas yang berbeda.
Berkat penguasaan kuas Monet, katedral tampaknya berhenti menjadi substansi material dan menjadi lapang dan fana. Seolah-olah berhenti menjadi ciptaan duniawi dan menyatu dengan surga. Apakah ini efek dari arsitek Abad Pertengahan yang jauh, mengangkat renda batu dinding gereja ke surga? Mungkin Monet menembus inti dari ide konseptual seni Gotik. Siklus "Katedral Rouen" dipamerkan oleh seniman pada tahun 1895 dan sangat sukses.
Bersamaan dengan dimulainya pekerjaan pada siklus, Claude Monet akan menikah dengan Alice Goshed. Pelukis mulai sering bepergian, dia bekerja di Italia, katedral gotik yang menurutnya sangat impresionistis, Normandia, Swiss dan Belanda.
Di Normandia, sang master melahirkan pemandangan laut yang indah, seperti lukisan Mannport (1883, Museum Seni Metropolitan, New York), seolah mengagungkan keagungan elemen air. Juga, artis sering mengerjakan gambar batu indah di dekat kota Egret, yang menjadi daya tarik utama kawasan ini, karena bentuknya yang unik diciptakan oleh deburan ombak.
Mannport mungkin adalah lengkungan batu paling terkenal. Untuk menyampaikan skala formasi batuan, pelukis dengan cepat menguraikan dengan beberapa sapuan beberapa sosok di bawah lengkungan lengkungan batu, yang sebagian besar, menonjol dengan kuat dari tepi kiri gambar, benar-benar siap untuk menghancurkan mereka. Komposisi karya berkontribusi pada penciptaan kesan seperti itu:efek ketidakterbatasan permukaan batu ditekankan oleh seniman bahwa seluruh batu tidak sesuai dengan bingkai gambar.
Kerusuhan warna dan kesia-siaan
Kemampuan ekspresif warna, sepanjang karir artis, adalah sarana utama bahasa artistiknya. Claude Monet tetap setia pada dirinya sendiri sampai akhir, tidak pernah mematikan jalur yang dipilih dan hanya meningkatkan dan mengasah ekspresi dari teknik gaya individunya. Satu-satunya perbedaan dalam periode akhir karyanya adalah keinginan untuk kesia-siaan, mengaburkan konsep plot dan bentuk tertentu. Seniman sama sekali tidak menganggap salah satu kreasi terbaiknya sebagai lukisan, tapi taman yang dia buat di rumah di Giverny, di mana ia memungut dan menanam berbagai jenis dan varietas bunga sehingga taman akan terus mekar, memanjakan mata pelukis dengan berbagai corak. Taman yang megah, nyatanya, juga sebuah karya seni, telah menjadi objek favorit lukisan master, menemukan pantulannya yang tak terhitung jumlahnya di kanvas.
Kanvas "Taman Iris di Giverny" (1899, Galeri Seni Universitas Yale) sekali lagi menunjukkan kepada kita komposisi yang sangat sederhana. Kanvas format persegi menggambarkan jalan setapak yang membentang ke kedalaman taman, setengah tersembunyi oleh semak iris yang ditumbuhi, dan di atasnya Anda bisa melihat batang pohon taman yang menciptakan perspektif jangka panjang.
Seniman meletakkan di atas kanvas seolah-olah bergembira, murni, warna cerah, menyampaikan kepada pemirsa rasa kebahagiaan dan kepenuhan hidup, lahir dari kontak dengan alam. Bunga iris yang indah dan halus di latar depan tampak menatap mata kita. Tangan terampil sang master tampaknya menghembuskan jiwa ke dalamnya, dan keindahan alam sekitar menjadi keajaiban terbesar, personifikasi mahkota ciptaan ilahi. Ini adalah sikap terhadap alam, yang merupakan objek lukisan yang cukup dalam karya-karya Claude Monet, membedakan seniman dari penganut gaya akademis, di mana hanya manusia yang selalu menjadi “mahkota ciptaan”.
Salah satu seri Monet yang paling terkenal "Water Lilies" diluncurkan pada tahun 1899. Dalam karya siklus, pelukis menggambarkan bunga lili air (nenufaras) mengambang di kolam tamannya di Giverny. Seniman itu sendiri menanam bunga-bunga halus ini di kolamnya dan mengaguminya untuk waktu yang lama, menikmati silau matahari pada kelopak yang rapuh dan pantulan awan di air. Sepertinya tidak bisa dipercaya, tetapi bunga lili air memiliki hati seorang seniman berbakat sampai kematiannya, sekitar dua puluh tahun. Serialitas karya didasarkan pada variasi motif ini di bawah berbagai kondisi pencahayaan.
Dibuat pada tahun 1903, karya “Lili Air. Awan ”(koleksi pribadi) memunculkan kesan yang sangat menggembirakan. Kanvas jenuh dengan sinar matahari, terlepas dari kenyataan bahwa langit hanya hadir dalam pantulannya di dalam air. Sepertinya bunga lili air dan awan perlahan-lahan mengambang di permukaan yang sama, seolah-olah didorong oleh embusan udara ringan.
Bentuk bujur sangkar kanvas dalam karya “A Pond with Water Lilies” (1908, koleksi Pribadi, St Gallen, Swiss) secara visual memperbesar gambar di luar angkasa, memberikan kesan tak terhingga. Monet menggunakan efek fotografi, seolah-olah mengukir potongan terpisah dari permukaan air kolam dan menuliskannya dari dekat. Hanya hamparan air dengan dedaunan, bunga lili air dan awan yang dipantulkan, tersebar indah di permukaannya, jatuh ke dalam bingkai.
Di Sini, sang master kembali berangkat dari konstruksi perspektif lukisan itu, karena itu bunga lili air yang terletak di sudut kanan atas komposisi lebih dekat ke pemirsa daripada tanaman latar depan lukisan itu. Berkat teknik ini, lukisan itu kehilangan kedalamannya dan, seperti itu, terungkap di pesawat, menjadi lebih dekoratif.
Sejak tahun 1870-an, Claude Monet telah berulang kali mengunjungi Inggris, dia menyukai London karena suasana berkabutnya yang unik. Dan dari sekitar tahun 1900, pelukis mulai lebih sering datang ke sini. Dia menciptakan di sini serangkaian karya yang didedikasikan untuk gedung parlemen.
Lukisan "Gedung Parlemen di London" (1904, Museum d'Orsay, Paris) menggambarkan sebuah objek arsitektur seolah-olah diselimuti kabut tebal. Hanya di beberapa tempat matahari kuning-merah menerobos pikiran kecil, menyoroti fragmen garis besar arsitektur neo-Gothic yang megah dan mewarnai Thames yang luas dengan suar ungu kemerahan. Gaya lukisannya sangat sewenang-wenang, seniman tidak menggambarkan elemen tertentu, tapi gambaran sesaat dari kota itu sendiri, seperti yang baru saja dia lihat.
Impresionisme Monet tidak dimaksudkan untuk menyampaikan realitas objektif; dia tidak mengenali keteguhan kualitas objek. Seluruh penampilan mereka, warna dan bentuk hanya bergantung pada cahaya, yang nyaris tidak tembus, kemudian membanjiri seluruh lingkungan, atau bahkan keluar, berubah menjadi senja. Pada musim semi 1908, Claude Monet dan keluarganya pergi ke Venesia. Suasana menyenangkan kota ini, airnya mengembang, secara mengejutkan berhasil dikalahkan oleh arsitek Venesia, the reflexes of light on the water and the monuments reflected in it, captivated the painter. Thus was born a series of Venetian landscapes, written directly during the trip.
The work “Palazzo da Mula in Venice” (1908, Galeri Nasional, Washington), written there, can hardly be called a guided or architectural landscape. Lebih tepatnya, it is, figuratively speaking, a "portrait" of a medieval Venetian building, "looking" in the mirror of the canal in front of it. Lebih-lebih lagi, this “portrait” was painted in close-up, the sides of the palace are cut off by the frame of the picture, only the middle part of the building without a roof fell on the canvas.
Such an unusual composition is explained very simply, Monet was not going to copy an architectural monument at all, he was as unimportant for him as the figures of people on most of his canvases. The artist was captivated by the surprisingly harmonious unity of architecture and landscape, designed by a brilliant architect who conceived the palace, as if emerging from the water. A horizontal composition with a clear division into the front (space of water) and rear (walls of the palazzo, dotted with numerous arches of door and window openings) plans are balanced by a pair of thin silhouettes of gondolas.
Venice impressed the artist with the unity of life of the buildings and canals on the banks of which they were erected. Impressionistic harmony, formed by stone walls reflected in the water, which the same water that absorbs sunlight, paints with numerous reflections of heavenly shades, won the heart of the painter. It was this state that he tried to convey on his Venetian canvases.
Loneliness and loss
The second decade of the new century was marked for the artist by a series of losses. Pada tahun 1911, Alice’s second wife died, three years later, in 1914, his eldest son, Jean, dies. Monet was faithfully looked after only by Alice’s daughter from her first marriage, who was Jean’s wife.
Together with a series of deaths of relatives, the painter suffered another misfortune – double cataract. Evil rock took away from the artist the main thing that he devoted his whole life to being able to see and study the lighting effects, glare and reflexes of the sun’s rays, seen in nature. Namun, Monet did not stop, he continued to create his work. Four years later, after his diagnosis, the artist conceived a new series of impressive panels measuring 2x4 meters with images of his garden.
The panel “Water Lilies” (“Nenufaras”, 1920-1926, the Museum of the Greenhouse, Paris) gives the impression of the flatness of an endless space, as if extending far beyond the frames of the picture. Juicy, large strokes of the master only outline the shape of the leaves and flowers, the whole picture is executed using the technique of color spots.
A little earlier, in 1917, Claude Monet wrote his "Self-Portrait" (Museum of the Greenhouse, Paris). The picture is a person’s self-esteem reproduced through reflection in the mirror of one’s own consciousness. Tired eyes of the master do not look at the viewer, although he turned to face him. The artist is not looking for "dialogue." At first glance, the work seems unfinished:only the artist’s head is depicted, and the shoulder line is outlined schematically. Namun, the thick shadow that borders the portrait saturates the image with drama and leaves no doubt about its completeness.
At the end of his career, Monet began to mix subject and non-objective art. In his 1918 work, The Japanese Bridge (Institute of Arts, Minneapolis), one can only read the outline of the artist’s favorite bridge, twisted with wisteria and thrown over a pond with water lilies, a low bush in the foreground and a tree at the right edge of the canvas. Everything else is just an extravagant riot of colors, beauty and fullness of life.
The painting “Garden with a Pond in Giverny” (circa 1920, the Museum of Fine Arts, Grenoble) presents us with a mysterious corner of the artist’s garden, hidden in dense thickets. The work, tentu saja, is substantive:a clearly constructed composition is visible here, the outlines of the branches are clearly distinguishable. It seems that in the work the color plays an independent, it is emphasized decorative in the refraction of the dying view of the painter. Thanks to unrealistic conditional color rendering, the picture makes a dramatic impression. Color is unusually expressive. This is no longer impressionism in its purest form, the writing technique and artistic conception are more likely a reflection of the inner world of an aging person.
The great artist, one of the founders of Impressionism, who conquered the world, Claude Monet died in December 1926 in his house in Giverny. Cezanne at one time exclaimed:"Monet is just an eye, but, my God, what a thing!" The painting of the French artist is an endless enthusiastic admiration for nature, the beauty and perfection of which he was able to convey in a special, unik, subtle and sensual style.
