Titian Vecellio da Cadore adalah salah satu seniman terbesar sepanjang masa, bersama dengan legenda Renaisans Italia seperti Leonardo, Michelangelo dan Rafael. titian, seorang jenius yang diakui pada masanya, disebut "raja pelukis dan pelukis raja-raja." Penemuan lukisan titan ini di bidang seni rupa, satu atau lain cara, mempengaruhi karya semua seniman berikutnya. Titian memainkan peran besar dalam pengembangan genre mitologis, lanskap dan potret. Ngomong-ngomong, untuk ditangkap dengan kuas master adalah penghargaan tertinggi untuk orang-orang sezamannya.
Titian – Galeri lukisan di Gallerix.ru
Artis itu berumur panjang, menjaga kejernihan berpikirnya sampai hari terakhir, kepekaan persepsi, ketajaman visual dan kemampuan luar biasa untuk bekerja. Ini memungkinkan Titian untuk tidak membiarkan kuas keluar dari tangannya sampai akhir hayatnya dan meninggalkan warisan artistik yang luas kepada keturunannya. Dalam ciptaannya, kerapuhan dan kesungguhan, spiritualitas dan keseharian realitas, tragedi dan keindahan manusia dan dunia digabungkan dengan cara yang menakjubkan. Bukan tanpa alasan, karya pelukis disalin berkali-kali.
Kehidupan dan karya seniman jatuh pada periode kemakmuran tertinggi Venesia, kemegahan kekuatan dan kemuliaannya, waktu perubahan global dan peristiwa sejarah. Menurut berbagai sumber, Titian lahir pada tahun 1477 atau 1480. Orang tuanya berasal dari keluarga tua yang tinggal di kota kecil Pieve di Calore, terletak di pegunungan Alpen. Bocah itu menunjukkan kemampuannya menggambar sejak dini dan pada usia sepuluh tahun, orang tuanya mengirimnya ke Venesia untuk belajar. Dasar-dasar seni rupa muda yang dipahami Titian dalam workshop Giovanni Bellini, yang memainkan peran penting dalam nasib artis muda, memperkenalkannya kepada pelukis terkenal Giorgione. Pertemuan ini memainkan peran besar dalam kehidupan Titian, berkat dia, dia lebih awal menemukan gayanya sendiri dan mendapatkan pengakuan. Dan meskipun dua seniman berbakat tidak menjadi teman – kebiasaan, karakter dan pandangan hidup terlalu berbeda – kita tidak bisa meremehkan peran yang dimainkan Giorgione dalam kehidupan Titian. Rasa hormat yang terakhir kepada rekan yang lebih tua dapat dinilai dari bukti yang masih ada tentang betapa sulitnya Titian menderita kematian Giorgione yang tak terduga (seniman hebat itu meninggal secara tak terduga ketika dia baru berusia tiga puluh lima tahun).
Penghargaan khusus untuk bakat Giorgione dan peran penting yang dimainkannya dalam nasib Titian adalah restorasi oleh seniman Giorgione's Sleeping Venus, yang telah terbakar dalam api. Titian benar-benar menulis ulang kanvas yang rusak karena kebakaran, hanya mempertahankan pose pahlawan wanita dan wajahnya yang lembut. Pelukis sederhana itu tidak mulai menandatangani gambar dengan namanya sendiri dan tidak pernah menyebutkan kepengarangan karya agung yang hampir lengkap yang dikaitkan dengan kuas Giorgione. Mungkin pekerjaan ini adalah tonggak pertama dalam kebingungan berikutnya, karena itu, selama beberapa dekade, lukisan Titian, dibedakan oleh kesempurnaan eksekusi mereka yang langka, sering dikaitkan dengan kuas Giorgione.
Tapi mari kita kembali sedikit, yaitu pada tahun 1508, selama "zaman keemasan" Renaisans Italia, ketika seorang seniman terkenal mengundang Titian muda untuk membantunya mendekorasi Kompleks Jerman di Venesia. Giorgione mulai merancang bagiannya di Kompleks Jerman jauh lebih awal dari rekannya yang lebih muda, memilih sendiri fasad utama bangunan yang terlihat lebih menguntungkan. Titian ditinggalkan dengan bagian belakang halaman menghadap ke jalan sempit, yang selalu dipenuhi orang. Giorgione, yang tidak hanya seorang pelukis berbakat, tapi juga pria yang menawan, dia selalu dikelilingi oleh banyak teman yang datang ke tempat kerjanya sesekali untuk memuji artis dan membangkitkan semangat kreatifnya. titian, dibedakan oleh kesunyian dan keterasingannya, bekerja terutama dalam kesendirian. Tidak mengherankan, Giorgione yang ulung dan lebih percaya diri menyelesaikan pekerjaan jauh lebih awal daripada rekan mudanya.
Ketika restorasi Kompleks Jerman akhirnya selesai, seluruh Venesia berlari untuk melihat keajaiban ini. Kegembiraan penonton tidak mengenal batas dan, menurut banyak kesaksian, Lukisan Titian adalah yang paling sensasional. Untuk mengevaluasi lukisan mural, komisi khusus dibuat, dipimpin oleh Bellini. Kenangan salah satu saksi yang hadir di sana hari itu – Dolce selamat:“Titian menggambarkan Judith yang agung, dia di atas segala pujian. Warna dan desainnya begitu sempurna sehingga begitu dia muncul di hadapan penonton, semua teman Giorgione, yang dengan suara bulat memutuskan bahwa ini adalah karyanya, segera mulai memberi selamat kepada artis, meyakinkannya bahwa ini adalah yang terbaik dari semua ciptaannya. " Sayangnya, saat ini kita tidak bisa menilai pekerjaan dua tuan, karena setelah hanya tiga puluh atau empat puluh tahun, lukisan dinding hampir sepenuhnya hilang karena sangat lembab, jenuh dengan garam laut, udara Venesia, cat berkarat. Tetapi bahkan dari fragmen individu yang bertahan, jelas bahwa Titian dengan cemerlang melewati ujian yang sulit ini, mendeklarasikan dirinya sebagai seniman berbakat dengan gaya yang sangat individual.
Dan beratnya, terima kasih atas partisipasinya dalam proyek ini, mulai berbicara tentang karya-karya Titian sejak dini, karena karya pertama sang master terkenal karena realismenya yang langka dan transfer detail yang cermat, yang jarang mungkin dilakukan oleh pelukis muda. Tidak sedikit peran dalam pengakuan awal artis dimainkan oleh situasi yang sangat menguntungkan bagi orang-orang kreatif di negara ini. Selama periode ini, Venesia hidup dalam damai dan kemakmuran, berkat armada yang kuat, perdagangan yang maju dan posisi ekonomi yang kuat.
Buat gaya yang unik
Itu adalah waktu ketika penyair, penulis, musisi dan seniman menggambarkan orang-orang bahagia dengan latar belakang alam yang tenang, dan tema utama karya seni adalah cinta, keindahan dan puisi hubungan. Dalam lingkungan seperti itu, jalur kreatif Titian muda dimulai.
Mulanya, sang seniman terbawa oleh citra alam, dan waktu ajaib sebelum matahari terbenam, ketika langit menjadi cerah, warna jenuh, menjadi waktu favoritnya. Anda bisa menebak bahwa musim favorit Titian adalah musim gugur, dengan huru-hara dan warna-warninya. Benar, cinta lanskap tidak bertahan lama, lembur, master mulai memberikan preferensi ke genre lain, yaitu potret.
Orang-orang mulai menarik artis, dengan dunia batin mereka yang kaya dan kompleks. Di antara karya-karya awal seniman, "Potret seorang pria dalam gaun dengan lengan biru", yang menggambarkan salah satu sahabat artis, penyair Ludovico Ariosto, bersandar di tembok pembatas dengan inisial "TV", menonjol sebagai keterampilan khusus. Benar, ada versi yang Titian sendiri digambarkan dalam gambar, yang sekarang disimpan di Galeri Nasional di London. Pertanyaannya masih kontroversial, tapi tidak mendasar, karena hal utama dalam karya ini bukanlah objeknya, tetapi cara menulis artis muda dan keterampilan yang dia tunjukkan. Warna gambar yang anggun, ringannya pukulan, komposisi sederhana dan harmonis, kain pakaian pria yang dicat indah, melihat ke bawah ke penonton sedikit dari atas, semua ini mencirikan bakat Titian yang sudah luar biasa.
Lembur, Karya Titian mulai diisi dengan narasi yang semakin besar, dinamika, ketegangan dan drama. Sifat pada mereka tidak lagi diam dan statis, itu penuh dengan kehidupan, dan orang-orang dengan latar belakangnya dipenuhi dengan perasaan dan gerakan. Sebagai contoh, dalam lukisan Tiga Zaman Manusia (1512, Galeri Nasional Skotlandia, Edinburgh), berlalunya waktu dan singkatnya usia manusia ditampilkan. Alur gambar, terbentang dengan latar belakang lanskap yang cerah, harus dibaca dari kanan ke kiri. Dua bayi, tidur nyenyak di latar depan di sebelah kanan, menggambarkan awal kehidupan yang tenang ketika seseorang belum tahu suka dan duka apa yang menantinya di masa depan. Malaikat kecil menjaga kedamaian dan keamanan anak-anak, di mana rerumputan muda nyaris tidak bisa masuk. Di bagian kiri komposisi, di latar depan, di bawah mahkota pohon yang tebal, adalah pasangan muda yang sedang jatuh cinta. Bagian gambar ini mewakili pertengahan kehidupan ketika kita masih muda, penuh kekuatan, keinginan, kesehatan dan energi. Dan di latar belakang duduk seorang lelaki tua dengan dua tengkorak di tangannya. Tengkorak melambangkan kematian yang tak terhindarkan menunggu setiap orang ketika hidupnya berakhir. Kepala lelaki tua itu diturunkan ke dada, mengungkapkan kesedihan dan keputusasaan usia tua. Arti dari gambar ini sederhana – kita semua dilahirkan untuk mati nanti. Topik ini menggairahkan Titian sepanjang karyanya, tercermin dalam kanvas lain, Misalnya, “Alegori Waktu dan Pikiran, ” yang akan kita pertimbangkan nanti.
Lukisan “Country Concert” (sekitar tahun 1510, Louvre, Paris) juga termasuk periode awal kreativitas seniman, di mana Titian berhasil menyampaikan perpaduan yang sangat harmonis antara manusia dengan alam di waktu malam yang indah dan tenang. Di sini, di depan kami ada dua pria muda dengan pakaian indah berwarna hijau pucat dan cerah, warna merah-oranye. Salah satunya adalah musisi, dia akan menyentuh senar kecapinya, satunya adalah penduduk desa, dia siap mendengarkan dengan seksama. Di latar depan adalah seorang wanita telanjang, di tangannya seruling, kemungkinan besar ini adalah Muse. Dia membelakangi penonton dan dengan hati-hati melihat ke arah musisi. Di sisi kiri komposisi adalah perawan telanjang lainnya, di tangannya ada bejana berisi air, melambangkan ide memurnikan semua makhluk hidup melalui komunikasi dengan seni. Ketelanjangan gadis dengan latar belakang alam terlihat sangat harmonis dan merupakan alegori penting dari ekspresi perasaan suci.
Komposisi dilengkapi dengan latar belakang, mengembalikan kita dari suasana yang menakjubkan dan puitis ini ke prosa kehidupan, dari mana tidak mungkin untuk bersembunyi dari mana saja. Penggembala, mengembara dengan kawanannya di bawah mahkota pohon yang lebat, menjadi personifikasi bumi dalam gambar. Di kedalaman gambar Anda dapat melihat atap rumah petani sederhana, orang yang tinggal di dalamnya bahkan tidak curiga dengan keberadaan sudut alam surgawi ini. Ketika Anda melihat gambar, Anda mendapatkan perasaan bahwa meskipun pahlawan tidak punya waktu untuk mulai memainkan kecapi, suara musik yang menyihir telah berhasil memenuhi seluruh ruang. Mulanya, lukisan ini dikaitkan dengan kuas Giorgione, karena itu sangat mempengaruhi metodenya – gambaran dunia ideal yang dipenuhi dengan mimpi dan ilusi, yang ada di luar ruang dan waktu nyata.
Topik kontras yang tinggi dan duniawi tercermin dalam karya lain oleh Titian, tergolong dalam periode yang sama. Dalam lukisan "Konser Terputus" (sekitar tahun 1510, Palazzo Pitti, Firenze), kami melihat seorang biksu muda dengan antusias bermain di atas spinet. Di belakangnya adalah seorang pria tua yang mencoba menghentikan permainan pemuda itu dengan menyentuh bahunya. Bhikkhu itu dengan enggan melepaskan diri dari pekerjaannya:jari-jarinya yang kurus terus berkibar di atas tuts, meskipun kepalanya sudah menoleh ke samping. Wajah kawan senior itu tegas, alasannya adalah pemuda yang berdiri di sebelah kiri, dalam pakaian seorang bangsawan dengan tampilan arogan dan kosong, berbalik melewati para musisi, dengan senyum ironis terpasang di bibirnya.
Gagasan utama dari gambar itu adalah bahwa dunia seni yang agung, harmoni, keindahan dan cinta selalu bisa dihancurkan oleh kenyataan kasar yang menerobos dengan cara yang paling tidak terduga. Jadi pada gambar, ketidakpedulian ningrat, jauh dari dunia musik, dan, nyatanya, acuh tak acuh terhadapnya, membuat seorang pria dengan kecapi di tangannya menghentikan temannya yang terpesona, agar tidak menyia-nyiakan kekuatan dan inspirasi pada seseorang yang tidak mampu menghargainya.
Mungkin plot lukisan itu dipengaruhi oleh karya-karya filsuf Plato, diterbitkan pada waktu itu di Venesia, yang dalam "Hukum"nya mengungkapkan gagasan bahwa:"seni yang paling indah adalah yang hanya dirasakan oleh orang-orang pilihan."
Salah satu lukisan alkitabiah pertama Titian adalah lukisan berjudul "Jangan Sentuh Aku" (sekitar tahun 1512, Galeri Nasional, London). Di jantung kanvas adalah sebuah episode dari Injil di mana Yesus Kristus menampakkan diri kepada Maria Magdalena, dan dia, untuk memastikan bahwa Dia benar-benar hidup dan bukan mimpi, menjangkau Dia. Tetapi Yesus dengan malu menutupi auratnya dengan kain kafan, dia berkata:"Jangan sentuh aku, karena saya belum naik ke Bapa saya." Latar belakang plot adalah lanskap – pohon tinggi yang digambarkan di tengah kanvas, rumah-rumah naik ke kanan di atas bukit, dan laut terlihat di kejauhan. Sosok Maria dan Kristus di latar depan benar-benar bersinar, warna yang dipilih dengan sangat baik dalam warna emas, warna coklat dan oker untuk waktu yang lama membuat sejarawan seni berpikir bahwa lukisan itu milik kuas Giorgione.
Cinta dan iri pada mereka yang berkuasa
titian, sejak usia dini diperlakukan dengan baik oleh mereka yang berkuasa, ditawari berkali-kali untuk meninggalkan Venesia yang dicintainya dan menetap di bawah sayap satu atau lain pelindung. Tetapi artis itu terlalu menyukai kota ini dan berharap untuk membangun kehidupan dan karirnya di sini. Karena itu, setelah mencapai beberapa pengakuan, sang pelukis menulis surat himbauan kepada penguasa kota, di mana ia mengusulkan untuk melakukan pekerjaan yang paling sulit penjadwalan aula Dewan Agung. Seiring dengan ini, dia meminta untuk mempertimbangkan pencalonannya untuk posisi yang kosong sebagai perantara pasokan garam di Kompleks Jerman pada saat itu. Pada pandangan pertama, ini aneh, tetapi posisi administratif di Venesia ini diduduki, sebagai peraturan, oleh seniman. Hal ini disebabkan oleh kekhususan pekerjaan mereka, membutuhkan pengetahuan tentang mineral, apakah itu garam atau cat. Posisi perantara adalah berita gembira bagi artis mana pun saat itu. Dia memberikan hak untuk menerima gaji tahunan dan gelar kehormatan pelukis resmi Republik St. Mark. Dan ini, pada gilirannya, memberi seniman itu pekerjaan - ia secara otomatis menerima sebagian besar pesanan negara, termasuk potret semua anjing baru untuk aula Dewan Agung. Tambahan, perbendaharaan membayar banyak biaya artis:menyewa bengkel, membeli kanvas dan cat, serta beberapa kebutuhan lainnya.
Sehingga, pada tahun 1513, Titian sangat beruntung – Dewan Pemerintah menerima proposalnya. Artis yang bahagia mulai menetap di tempat baru. Banyak siswa yang datang ke bengkelnya, seniman muda bermimpi bekerja dengan master yang diakui dan terkenal, pelukis yang lebih dewasa iri dengan posisinya yang menguntungkan dan terhormat. Tetapi, Sayangnya, Kegembiraan Titian tidak berlangsung lama. Artis terhormat lainnya, Giovanni Bellini, di bengkel tempat Titian muda bekerja, marah dengan penunjukan ini, dan dia menoleh ke pelindungnya – salah satu Doge Venesia yang berpengaruh – dengan permintaan untuk menentang keputusan Dewan. Hasil dari, sebuah skandal meletus, dan keputusan untuk menunjuk Titian dengan cepat dibatalkan. Hal ini juga difasilitasi oleh perubahan komposisi Dewan Agung, yang terjadi pada waktu yang tidak tepat bagi artis muda tersebut. Titian sangat marah, tetapi tidak meninggalkan rencananya yang ambisius. Hasil perjuangannya adalah pengangkatan barunya pada jabatan perantara garam, yang terjadi hanya empat tahun kemudian, pada tahun 1517.
Titian sebagian mengungkapkan kemarahannya pada mereka yang berkuasa dalam karyanya The Caesar's Dinarium, dibuat pada tahun 1516 (sekarang lukisan itu ada di Galeri Seni Dresden). Kanvas dicat dengan palet yang luar biasa kaya dan kaya, terima kasih yang gambarnya tampak sangat timbul. Komposisi gambarnya sederhana dan ekspresif. Dua sosok, ditampilkan setinggi pinggang, tampaknya bertabrakan di kanvas. Ini adalah dua hal yang berlawanan – kebajikan menurut gambar Kristus yang berdiri di tengah dan keserakahan menurut gambar orang Farisi, seolah-olah menyerang gambar dari kanan. Orang munafik memberikan satu dinar kepada Kristus, seluruh penampilannya provokatif dan tidak menyenangkan. Kristus, di sisi lain, merupakan perwujudan kesucian dan ketulusan, sosoknya dengan latar belakang gelap, seperti itu, menerangi seluruh kanvas. Dia dengan tenang menatap orang Farisi itu, di matanya percaya diri dan pertanyaan bodoh:"Mengapa kamu menggodaku?" Arti dari gambar itu sederhana dan dapat dimengerti – Tuhan mengetahui semua pikiran kita, karena Dia Maha Melihat, dan jawabannya sederhana, tapi dalam:"Berikan Caesar apa milik Caesar, tapi Tuhan Allah." Mengambil plot alkitabiah tradisional, artis mencerminkan di dalamnya pikiran terdalamnya tentang yang baik dan yang jahat. Warna keseluruhan gambar mengkhawatirkan. Terang, seolah-olah dipenuhi dengan cahaya, jubah Kristus, ditambah dengan wajahnya yang tercerahkan sempurna, sangat kontras dengan warna cokelat keemasan yang menggambarkan orang Farisi, mewujudkan semua kejahatan dan ketidakadilan dunia. Penampilannya berwarna-warni - hidung kasar dengan punuk, dahi yang tinggi, anting di telinga, Kulit kecokelatan, tangan berotot mengulurkan koin. Bukan kebetulan bahwa dua sosok, salah satunya melambangkan kebaikan dan kemuliaan, dan yang lainnya – semua kehinaan dan kekejaman yang mampu dilakukan seseorang, menempati ruang yang berbeda di kanvas. Bukan kebetulan Titian memotong sosok orang Farisi, menekannya ke tepi gambar, dengan demikian menunjukkan sikapnya terhadap pertanyaan tentang perjuangan antara yang baik dan yang jahat, keyakinannya yang tiada habisnya bahwa prinsip ketuhanan yang tersimpan dalam diri setiap orang dapat mengalahkan semua kejahatan dunia.
Cari kebahagiaan pribadi
Kehidupan pribadi artis tidak langsung berhasil. Untuk waktu yang lama dia tidak dapat menemukan kekasihnya sesuai dengan keinginannya. Untuk pertama kalinya, Pikiran tentang pernikahan didatangi Titian saat bertemu dengan putri temannya – seorang gadis yang masih sangat muda bernama Violana. Sayangnya, tidak ada bukti bahwa cintanya saling menguntungkan, tetapi dilihat dari fakta bahwa Violana sering mengunjungi studio artis dan berpose untuknya untuk sejumlah karya, Titian tidak acuh padanya. Benar, meskipun ini, pernikahan itu tidak terjadi. Penulis biografi Titian hanya bisa berspekulasi tentang alasan hasil ini, tapi kemungkinan besar, orang tua gadis itu menentang penyatuan tersebut.
Sang seniman mengabadikan cinta dan kecintaannya pada Violanta dalam lukisan Flora, ditulis sekitar tahun 1515 (sekarang karya itu milik Galeri Uffizi di Florence). Karya ini menjadi mahakarya nyata Titian muda. Gambar itu dipenuhi dengan sensualitas dan kekaguman akan kecantikan wanita. Seorang gadis cantik berambut emas memegang di tangan kanannya seikat bunga musim semi pertama, dengan tangannya yang lain dia memegang jubah yang terlepas dari bahunya, hampir memperlihatkan dadanya yang penuh. Gambar Violana kemudian muncul dalam banyak karya master ("Cinta Surgawi dan Cinta Duniawi", “Solomei”, “Wanita Muda dengan Cermin”, “Violana” dan lainnya), sebagai perwujudan kecantikan dan feminitas sejati. Tapi Flora menjadi yang paling terkenal di antara mereka, kanvas disalin dan disalin oleh seniman lain berkali-kali.
Karya penting kedua seniman, ditulis dalam waktu yang sama, adalah "Cinta Surgawi dan Cinta Dunia" (sekitar tahun 1515, Galeri Borghese, Roma). Inspirasi ideologis dari gambar tersebut adalah "Azolan Nymphs" karya Bembo dan novel "Love Battles in Polyphilus Dreams", yang secara aktif dibahas di salon Venesia. Akar keduanya terletak pada mitologi Romawi, di mana dua Venus mempersonifikasikan kesatuan yang berlawanan - perasaan platonis yang agung dan keinginan dan nafsu duniawi.
Kanvas dilukis dengan warna-warna cerah dan terang yang mengejutkan yang menyampaikan persepsi yang menyenangkan tentang kehidupan dan dunia di sekitarnya, itu penuh dengan alegori dan simbol, karena dibuat atas perintah seseorang yang berpengalaman dalam seni. Di latar depan gambar adalah sosok dua wanita cantik yang duduk di dekat sumber. Di sebelah kiri adalah Violana yang indah dalam gambar Cinta Duniawi. Gaunnya dicegat oleh ikat pinggang dengan gesper logam, yang menggambarkan lambang perkawinan, lambangnya adalah karangan bunga ranting pohon murad di kepalanya. Cinta surgawi di bagian kanan gambar dengan sungguh-sungguh memegang lampu yang menyala di tangannya yang terangkat, seolah-olah memberkati cinta duniawi untuk timbal balik. Sulit untuk tidak menyadarinya, terlepas dari kenyataan bahwa dua wanita di atas kanvas adalah, seperti itu, berlawanan satu sama lain - sebenarnya mereka memiliki wajah yang sama. Perbedaannya hanya pada pakaian para pahlawan wanita. Cinta Surgawi telanjang, hanya sepotong kain putih menutupi pinggulnya – ini adalah simbol kemurnian dan kepolosannya, jubah merahnya sangat kontras dengan warna pakaian Cinta Dunia yang sederhana dan terkendali.
Seperti di kanvas mana pun pada masa itu, latar belakang memainkan peran yang tidak kalah penting dalam makna simbolis gambar daripada karakter utamanya. Pemandangan sensual dan pada saat yang sama luar biasa jernih dibagi menjadi dua bagian oleh pohon yang perkasa. Di bagian "duniawi" dari gambar itu digambarkan sebuah rumah kaya dan seorang penunggang kuda mendekatinya, yang jelas seorang istri yang penyayang dan setia menunggu di luar gerbang. Kelinci, tertinggal sosok cinta duniawi berarti kesuburan. Pemandangan di sisi kanan gambar termasuk menara lonceng gereja di tengah pegunungan, sebuah danau dan kawanan domba dengan seorang gembala menjaga mereka. Cupid di tengah kanvas sibuk menangkap kelopak mawar yang jatuh dari air.
Dalam komposisi yang luar biasa harmonis ini, master dengan cara yang sangat elegan mencoba untuk memecahkan dilema etis dan aktual untuk dirinya sendiri tentang hubungan antara perasaan agung dan nafsu duniawi. Karya liris dipenuhi dengan banyak detail yang sangat realistis yang menjadi ciri gaya penulis Titian saat ini, serta paletnya yang kaya. Pelanggan kanvas, seorang pejabat yang jatuh cinta pada Dewan Agung, sangat senang dengan lukisan itu, bahkan tidak menduga bahwa itu akan menjadi mahakarya seni lukis dunia.
Pada waktu bersamaan, lukisan "Madonna dengan Ceri" dilukis (1515, Museum Kunsthistorisches, Wina). Kanvas dibedakan oleh kecerahan solusi warna dan perincian yang tepat dari semua gambar dan objek, yang, niscaya, berbicara tentang bakat besar dan keterampilan penulisnya.
Adapun kisah cinta tak terpenuhi Titian dan Violana muda, dia, setelah bertemu dengan oposisi dari orang lain dan kerabat, dengan sendirinya menjadi sia-sia. Tuan pulang, bahkan tidak curiga bahwa di sanalah takdir menunggunya. Kakak laki-laki artis membawa pembantu rumah tangga baru ke rumahnya - seorang gadis sederhana, Chechilia. Dengan dia, rumah seniman dipenuhi dengan kebersihan dan kenyamanan, perapiannya menjadi hidup, dapur penuh dengan aroma yang menggugah selera. Titian dikejutkan oleh kesederhanaan, spontanitas, kesederhanaan dan kebangsawanan Chechilia. Tapi kemudian dia masih tidak tahu bahwa dialah yang akan menjadi pendamping hidupnya, seorang teman setia dan ibu dari tiga anak.
Pelukis resmi Republik St. Mark
Pada tahun 1517, titian, akhirnya disetujui sebagai artis resmi Republik St. Mark, bekerja untuk membuat gambar altar Kenaikan Maria (1516-1518, Gereja Santa Maria Gloriosa dei Frari di Venesia). Pada hari pembukaan, gereja itu penuh sesak dengan tamu-tamu terkemuka dan orang-orang biasa. Ketika penutup itu benar-benar dilepas dari mezbah, mereka yang hadir benar-benar tersentak dari cahaya menyilaukan yang dipancarkannya. Intensitas emosional mencapai puncaknya yang diekspresikan dalam tangisan kegembiraan dan kemarahan, efek yang begitu menakjubkan menghasilkan kreasi baru dari artis. Ini menjadi tonggak baru dalam sejarah lukisan Venesia dan dunia, di mana akan sulit untuk menemukan pekerjaan yang dibedakan oleh dampak emosional yang sama kuatnya. Seni Bellini dan Carpaccio yang terkenal saat itu tidak pernah mencapai ketinggian seperti itu, dan dunia seni lukis pada saat itu tidak memiliki contoh lain dari gambaran yang begitu besar dan monumental.
Komposisi karya dibagi menjadi tiga bagian. Di bagian bawah adalah sosok tiga meter dari sebelas rasul, mengawal Perawan, naik ke surga. Sang master dengan sempurna menyampaikan emosi mereka melalui ketegangan, ekspresi gelisah dari wajah mereka. Para rasul dieksekusi dengan sangat realistis sehingga tampaknya bagi penonton bahwa dia sekarang akan mendengar erangan dan seruan putus asa mereka. Di tengah lukisan dinding menggambarkan sosok agung Bunda Allah, mengucapkan selamat tinggal pada dunia ini dan diantar oleh para malaikat menuju Tuhan. Ekspresi wajahnya tenang, dalam tatapannya ada kedamaian dan sukacita yang tenang dari pertemuan yang akan datang dengan Bapa Surgawi. Dan akhirnya, di bagian atas komposisi Tuhan digambarkan, menunggu perawan Maria dengan dua malaikat. Sayangnya, gambar itu tidak disimpan. Waktu sangat mempengaruhinya, warna memudar dan menghujani, Selain itu, untuk banyak alasan, kanvas besar terus-menerus diangkut dari satu tempat ke tempat lain, yang juga tidak bisa tidak mempengaruhi keamanannya. Namun, tidak ada keraguan bahwa dengan mahakarya ini Titian membuktikan kepada rekan-rekan senegaranya betapa pantas dia menerima posisinya sebagai seniman utama Republik St. Mark.
Karya seniman lahir satu demi satu. Pada tahun 1520, lukisan "Potret Seorang Pria dengan Sarung Tangan" yang luar biasa (Louvre, Paris), yang menggambarkan perwakilan khas kaum intelektual pada masa itu, yang dekat dalam roh dengan Titian sendiri. Pria yang digambarkan tenggelam dalam pikirannya sendiri, dia melamun dan bijaksana, di tangannya ada sarung tangan, tapi sepertinya dia sudah melupakannya. Terlepas dari detasemen yang tampak, wajahnya jelas menyatakan posisi aktif terhadap kehidupan. Dia memberi kesan seseorang yang sangat mandiri, percaya diri dan berpengetahuan luas dalam hidup. Dalam gambar ini, Titian menghadirkan pahlawan tertentu pada masanya, orang yang sangat ingin dia temui dalam masyarakat Venesia:seorang terpelajar, tipis, manusia yang cerdas dan mendalam yang mempertahankan martabat dan keluhuran rohani, meskipun waktu yang sangat sulit, ketika kebohongan berkuasa di mana-mana, kemunafikan dan kemarahan.
Selain potret dan lukisan religi, dari tahun 1520 hingga 1523, Titian menciptakan beberapa lukisan dengan plot mitologis. Mitologi dan alegori adalah skate master yang tak terbantahkan, Namun, setelah pembuatan lukisan "Bacchus and Ariadne" dan "Bacchanalia di pulau Andros", artis untuk waktu yang lama menyimpang dari plot mitologis. Penulis biografi Titian mengaitkan ini dengan fakta bahwa pelukis secara aktif berpartisipasi dalam kehidupan masyarakat, yang masalahnya selalu membuatnya khawatir. Kegembiraan buta dan kesenangan tak terkendali dari para pahlawan mitologis terlalu jauh dari kenyataan seputar artis dengan keburukan dan masalahnya.
Plot lukisan "Bacchus dan Ariadne" (1520-1523, Galeri Nasional, London) menunjukkan kepada kita kemenangan kembali Bacchus (dalam mitologi Yunani kuno Dionysus) dari India ke pulau Naxos, di mana Ariadne merindukan sendirian. kereta Bacchus, dimanfaatkan oleh dua macan tutul, sudah dengan tenang berdiri di tepi pantai, dan dewa itu sendiri segera melompat darinya ke Ariadne yang dicintainya. Pengawal Bacchus yang tepat adalah kelompok satir dan bacchanal yang menyenangkan. Mereka mengejar pemimpin, siapa, setelah mengangkat kaki betis di atas kepalanya, dan yang mencoba melepaskan diri dari cengkeraman ular boa. Di bawah, satir kecil, masih anak-anak, menyeret kepala anak sapi, di mana anjing menggonggong, di tanah. Anak laki-laki itu menatap penonton dengan tatapan nakal dengan seringai licik, seolah menunggu tanggapan dari masyarakat atas usahanya.
Jubah ungu Bacchus telanjang berkibar tertiup angin, seluruh sosoknya luar biasa dinamis, itu mencerminkan ketidaksabarannya. sosok Ariadne, di sisi lain, berpaling dari penonton, seolah tertutup darinya. Tampaknya Bacchus, dengan kecepatannya, membuatnya takut. Ariadne, kaget dengan semua yang terjadi, bersembunyi di balik tangannya, tidak tahu apa yang harus dilakukan selanjutnya. Latar belakang aksi adalah pemandangan yang menggambarkan pohon-pohon besar, desa yang jauh, pegunungan di cakrawala dan laut.
Gambar mitologis kedua dari periode ini adalah "Bacchanalia di pulau Andros" (1523, Museum Prado, Madrid). Kanvas itu menggambarkan pesta pora penduduk pulau itu, tubuh mereka yang banyak memenuhi hampir seluruh ruang gambar. Di Sini, pria dan wanita yang minum, bersenang-senang dan kekejaman. Di latar belakang di sebelah kanan bukit tergeletak Selen mabuk telanjang, di bagian kanan depan kanvas digambarkan seorang gadis telanjang, dia sudah cukup minum anggur dan tertidur di sini, di atas selimut putih, rupanya melupakan auratnya. Berada di tengah, di sebelah yang tidur, seorang anak kecil sedang buang air besar.
Di penghujung tahun ini, artis mengetahui berita sedih - seorang pelukis Italia berbakat, perwakilan dari sekolah klasik Venesia Vittore Carpaccio, mati. Kepadanya Titian mendedikasikan lukisan barunya, "Posisi di Makam" (1523, Museum Louvre, Paris).
Komposisi gambarnya kaya, dibuat dengan warna merah-oranye dan hitam, mentransmisikan drama dan kecemasan dari plot yang dinamis. Hampir tidak ada latar belakang, hanya langit kelabu dan gelap, hutan hampir hitam di sudut kanan. Di sebelah kiri adalah sosok sedih Bunda Allah dan Maria Magdalena menghiburnya, yang menopang bahunya. Keduanya menyaksikan dengan ngeri ketika ketiga murid itu membawa tubuh Kristus yang tak bernyawa untuk dibaringkan di kuburan. Latar depan gambar dipenuhi dengan cahaya yang memancar dari tubuh Kristus, seolah-olah bersinar dari dalam. Tampaknya bersinar dari dalam, mengisi latar depan kanvas dengan cahaya. Gambar dibangun di atas kombinasi warna merah dan hitam, mentransmisikan episode dramatis yang mengkhawatirkan dan dinamis.
Potret doge untuk aula Dewan Agung menempati bagian besar dalam karya Titian sebagai seniman istana, tetapi, Sayangnya, hampir semuanya terbakar selama banyak kebakaran. Tempat terhormat di galeri potret pengadilan yang diawetkan milik kuas Titian ditempati oleh "Potret Federico II Gonzaga" (sekitar tahun 1525-1529, Museum Prado, Madrid), di mana Doge ditangkap dengan anjing gembala kesayangannya. Gonzaga digambarkan hampir setinggi mungkin. Pakaiannya yang berwarna biru tua, dihiasi dengan ornamen yang menakjubkan, memberikan citra kemewahan dan kesungguhan tertentu. Wajah doge dengan fitur aristokrat yang halus dan janggut yang terawat rapi penuh dengan harga diri. Dia menatap penonton dengan pandangan jauh. Jari-jari Gonzag yang rapi dan anggun membelai anjing itu, yang ditekan terhadap pemilik dengan seluruh tubuhnya.
Serangkaian kerugian
Di masa kejayaan pengakuan dan relevansi publiknya, artis mengalami tragedi pribadi. Selama kelahiran putra kedua mereka dengan Titian, Cecilia tiba-tiba mulai mengeluarkan banyak darah. Berita ini sangat mengejutkan pelukis dan, takut yang terburuk, ia memutuskan untuk segera menikah. Titian mengundang dokter terbaik ke Cecilia, dengan upaya siapa dia akhirnya menjadi lebih baik, tetapi artis itu tidak berubah pikiran tentang menikah. Berita ini dengan cepat menyebar ke seluruh Venesia, karena Titian adalah artis dan public figure yang sangat terkenal. Namun, dia dan Cecilia mengatur upacara pernikahan yang sangat sederhana di rumah dalam lingkaran hanya orang-orang terdekat dan tersayang.
Saat itu pada tahun 1525, Titian tinggal bersama keluarganya sebentar, dan ketika Cecilia menjadi cukup kuat, he went back to Venice, where he was awaited by numerous unfinished orders.
In 1530, Titian embarked on a new religious-themed canvas, Dinner at Emmaus (Louvre, Paris). The traditional gospel storyline depicts the risen Christ sitting at a table covered with a snow-white tablecloth. On both sides of him are his students, next to the owner of the institution and the waiter, watching this wonderful phenomenon. Christ blesses the served dishes with a gesture of his hands. The whole composition is very light, lyrical, sustained in bright and gentle colors, it is written with light free strokes.
Time flies quickly, and the constantly busy Titian is again informed about the grave condition of his wife. The artist throws everything and rushes home. He barely manages to catch Chechilia, which has changed beyond recognition. After the birth of their third child, a daughter named Lavinia, the poor woman again experienced severe bleeding. Despite all the efforts of the doctors, after a sleepless night that Titian spent at his wife’s bedside, she died on August 5, 1530.
The artist unusually hard suffered this loss. According to the descriptions of his contemporaries, he lived like in a dream, continued to do something, met with people, but as if he had not seen and heard no one. All of Titian’s thoughts were occupied by his beloved Cecilia, who for many years was his faithful friend, devoted wife and loving mother of their children. Only after he lost her did the artist realize how much light this woman, who was so noble and modest, brought to his life. Cecilia filled his house with warmth and comfort, she surrounded Titian with endless care, so that nothing would stop him from creating his masterpieces. Satu kali, the artist wandered around his house, thinking about his irreparable loss, when he stumbled upon an unfinished canvas, which the customer had long been waiting for. It was the Madonna and the Rabbit (circa 1530, Louvre Museum, Paris). Titian’s eyes filled with tears – Cecilia looked at him from the picture, embodied in the image of a woman standing to the left of the Virgin Mary.
Time passed, the children grew up. The two sons of Titian were complete opposites of each other:the eldest Pomponio was selfish and lazy, and the younger Orazio, di sisi lain, was calm and complaisant. Little Lavinia was very similar to her mother. Titian every day more and more clearly understood that he had more oppression to be in the house, where every corner reminds him of his dead wife. But the artist was also tired of Venice, he did not want to return there. The painter for a long time was looking for a new home in a quiet secluded corner. And so, on September 1, 1531 he succeeded – he rented a two-story house with a wide terrace and a mezzanine on the outskirts of Biri Grande.
In 1532, Titian embarks on his first full-length portrait. This is a “Portrait of Emperor Charles V with a Dog” (Prado Museum, Madrid).
Hours of posing helped to establish a very friendly relationship between the artist and the emperor. The emperor sincerely told Titian about his life and about himself. Charles V was a man infinitely tired of power, whose life was filled with soulless formality and formalities. That is why the painter portrayed the emperor in simple clothes, and not in a luxurious full dress, thereby emphasizing that his hero, first of all, is a man. The only faithful creature in his life was the dog pictured next to him. According to eyewitnesses, Charles V was very pleased with the painting and admired the skill of the artist. Filled with emotion, the emperor parted tightly hugged the painter. The retinue of Charles V, who was present at all this subsequently overwhelmed the artist with orders, providing him with work for a long time.
Following this, Titian overtook another loss – his mother died. This event plunged him into an even deeper depression. Only the joyful laughter of the children in his new home helped the master stay and live on. And yet, for several years the artist lived like a recluse, without leaving his workshop for days. He worked extremely hard, and devoted his free hours to talking with children.
Pinnacles of excellence
After the loss of Cecilia in the house of Titian, his sister Orsa began to farm, she also was engaged in raising children. Time passed, and once Orsa noticed that every evening a gondola floated to the painter’s house, in which a young woman sat, always trying to go unnoticed. She quickly climbed the outer staircase directly to the artist’s workshop, located on the second floor. Tentu saja, it never occurred to anyone to reproach the painter, di sisi lain, the relatives hoped that the appearance of a new lover would somehow brighten up the solitude of Titian and help him regain the joy of life. The result of this hobby was such work, depicting a beautiful stranger, such as “Portrait of a young woman in a hat with a feather”, “Girl in a fur cape”, as well as the magnificent “Venus Urbinskaya”.
“Girl in a Fur Cape”, written in 1535 (Kunsthistorisches Museum, Vienna) was a commissioned work and is an allegory of marriage. A young girl is depicted on the canvas playfully covering one breast with a fur cape, while her second breast remains naked. The girl’s timid look and delicate blush on her cheeks only emphasizes the erotic meaning of the picture, which consists in contrasting female flesh and fluffy fur. A similar composition is in the painting “Portrait of a Young Woman in a Hat with a Feather” (1536, State Hermitage Museum, St. Petersburg), where the model also has her right shoulder, chest and arm. Under the trimmed fur cloak you can see a translucent white shirt. A hat with feathers decorated with stones is on the girl’s head. In both paintings, the artist does not hide his admiration, on the verge of frank lust, the beauty of a young female body. The heroine’s snow-white skin, written in light, weightless strokes, contrasts sharply with the rich dark background, thanks to which her image seems even more delicate and fragile.
And in 1538, by order of the governor of Venice, Guidobaldo della Rovere, who will later be Titian’s regular customer, the painting “Venus Urbinskaya” (Uffizi Art Gallery, Florence) was painted. This picture was the wedding gift of the duke to the future wife. The golden-haired Venus, lying in a graceful pose on snow-white sheets, is full of bliss, in her right hand is a rosehip branch. Her gaze is calm and sure, she is not shy of her nakedness. A beautiful body is written so thinly and lightly that it seems as if a glow emanates from it. At the feet of Venus, instead of the traditional cupids, a small dog sits and sleeps. In the background of the painting is a room bathed in the bright light of a sunny morning. On the window of Venus is a pot of myrtle, representing marriage and fidelity. Two handmaids scurry around her chest, picking outfit for the morning toilet of the hostess. Oddly enough, Venus Titian is not at all a celestial, but a very real earthly woman, who appears before us in frankly naked beauty.
If we follow the approximate chronology, kemudian, from the works known to us, there is the canvas “Crowning with a Crown of Thorns”. This painting exists in two versions:one of them is stored in the Louvre (1542), and the other in the Old Pinakothek of Munich (1572-1576). The composition of the two paintings is very similar. In the center of the canvas is the figure of the tortured Christ, surrounded by five tormentors and three steps leading to the place of public scourging. The difference is only in the background. At an early work, a brutal scene of mockery of Jesus takes place against a backdrop of a brightly lit stone arch above which stands a bust of the emperor Tiberius. In a later picture, only a lighted chandelier is visible at the top of the canvas. Dalam kedua kasus, Christ humbly endures bullying and pain from people who vehemently attacked him with spears. After all, He has already forgiven them, and this gives His image true majesty.
In 1545, Titian creates another outstanding portrait of the Doge of Venice, “Portrait of the Doge Andrea Gritti” (National Art Gallery, Washington). It depicts a ruler with a stern gaze of cruel eyes, betraying his merciless and oppressive character. Deep red clothing once again emphasizes his charisma and desire for leadership. On the doge there is a cloak from an expensive, as if luminous fabric of brown-golden tones and the same headdress.
The closed and uncommunicative Titian had very few close friends. One of them was the poet and writer Pietro Lretino. These were two very different people:Lretino was very cheerful, loving, loved luxury, feasts and festivities, talkative and self-confident, he had great connections. Titian liked optimism, cordiality, charisma and the fact that the poet was very well versed in art and literature. Titian even became the godfather of one of the daughters of Loretino. In 1545 he painted his portrait. In the painting “Portrait of Pietro Lretino” (Palazzo Pitti, Florence), almost the entire space of the canvas is occupied by the figure of the poet. The canvas is written using numerous variations of red and golden colors, they will fill it with energy and power of spirit, revealing the character of the hero. There is evidence that Lretino was dissatisfied with the work, secara khusus, he did not like that the golden chain (received as a gift from King Francis I) was almost invisible on his chest and glistened too dimly. Benar, this could be a joke of the poet, misinterpreted by an eyewitness.
In the same year, in 1545, Titian writes "Portrait of a Young Man" (Palazzo Pitti, Florence). A handsome man with a hypnotic and bewitching look of greenish eyes looks at the viewer from the canvas. For a long time it was believed that the picture depicts the English Duke of Howard, so the painting was called "Portrait of a Young Englishman." But in 1928, the art critic Venturi put forward his own version, supported by convincing evidence. He believed that the man on canvas was Ippolito Riminaldi, a lawyer, another friend of Titian, whom he loved to meet during his trips to Ferrara. As for the composition of the canvas, it is extremely simple:before us is a young man in a strict black camisole, white lace cuffs peeking out from under his collar and sleeves. His left hand lies on his hip, and in his right he holds gloves.The overall color of the canvas is very restrained, it is built on a combination of two primary colors:black and gray. Only white spots of cuffs and brown gloves dilute them. It is amazing how accurately and subtly his face is written out with thoughtful, clever eyes. In all its appearance, nobility shines through.
In 1548, Titian painted another portrait of Charles V. The emperor confessed to the artist, with whom he became close even earlier that he was tired of the sight of blood being shed and that he lived only waiting for the upcoming meeting with his unforgettable wife. Full of sincere compassion, Titian conveyed his feelings in “Portrait of Charles V in an Armchair” (Old Pinakothek, Munich). Here the emperor is depicted sitting in an armchair against the backdrop of a deserted dull landscape, from which he still blows with cold and longing. Charles V sits in an armchair, dressed in all black, as if forgetting to take off one glove. The red floor contrasts sharply with the colors of his clothes and headgear. The emperor is very sad, thoughtful and lonely.
Perfection of style
The last fifteen years of the artist’s life, when he had already exchanged the eighth dozen, is usually called the late period of his work. This is the time when Titian again turns to his favorite mythological theme, which he always interpreted in his individual spirit.
The painting “Venus and Adonis” (Prado Museum, Madrid) dates back to 1533, the plot of which shows us a scene of parting. Venus tries to keep her beloved, absorbed in the thirst for hunting and not listening to her warnings about impending danger. Trying to keep Adonis, with the force breaking out of her arms, Venus accidentally knocks over a vase with her foot. In the background of the picture, under the thick crown of a tree, Cupid sleeps quietly, designed to protect their love. The dynamic and exciting character of the plot contrasts sharply with the landscape around, filled with calm and pacification, nothing that portends trouble in it. In this hunt, where Adonis died, Titian sees a metaphor for human life:people are always looking for something, they want more, they are ready to risk their health and life, go against fate, even forgetting about God, who will inevitably punish them for this. The picture was an unprecedented success with the public. The artist had to make about twenty copies of the canvas with various variations of similar plots.
The second incredibly popular painting by Titian, which he had to copy many times, was Venus with a Mirror, painted around 1555 (National Gallery, Washington). She has a fair-haired Venus covering her breasts with her left hand, she hides her knees under her bright blanket with her right hand. Two chubby cupids hold mirrors in front of her. The goddess’s cheeks burn with a charming blush that symbolizes blooming youth and beauty. The masterpiece was in Russia, but in 1931, by order of the government of the USSR and regardless of the opinion of the directorate of the State Hermitage, it was sold to a private person. Nanti, the picture was in the National Gallery of Washington.
Another masterpiece of the late period of Titian’s work is the painting “The Abduction of Europe” (1559-1562, the Isabella Stewart-Gardner Museum, Boston), the plot of which reproduces one of the episodes of Ovid’s Metamorphosis. Technically, the picture was done freely and boldly, this distinguished the last works of the master, written in wide, careless strokes. If you look at the picture from close up, it is difficult to understand what is painted on it and only from a distance a great masterpiece of Titian is revealed to us. Faktanya, these paintings were the forerunners of impressionism, when you look at them, it seems that the whole work is written at one time, easily, naturally, on a grand scale.
In the spring of 1559, Titian fell into an unpleasant position. His youngest son, Orazio, went to Milan, where he was supposed to receive from the treasury a very large amount of money belonging to his father. On the way home, they attacked the young man, beating him and robbing him. As it turned out later, the robbery was arranged by the sculptor Leone Leoni, who also worked for the royal court. Titian immediately suspected Leone and wrote a letter to Philip II, the text of which reached us:“Leone, who knew about the payment of state benefits and was prompted by devilish instigation, decided to take Orazio’s life in order to appropriate his money… He invited Orazio to his house and offered him to live in his house. My son rejected this offer and this villain, expelled from Spain for Lutheranism and spurred on by an enemy of the Lord God, decided to commit the murder with the help of accomplices.The scoundrels attacked Orazio with swords and daggers in their hands, having previously thrown a net over his head. Not expecting such a betrayal, my poor Orazio fell, having received six serious wounds. If Oratio died, on whom I have all my hopes in impending old age, kemudian, under the weight of this grief, I swear I would lose my mind. " At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.
Before Titian recovered from this shock, his brother Francesco passed away. The artist’s biographers suggest that in the same period, the beloved daughter of the artist Lavinia died in childbirth. A series of these events hit the master very hard.
In 1550, at the age of seventy-three years, the artist began to write “Self-Portrait” (State Museum of Art, Berlin), completed only eleven years later. On it, Titian appears before the viewer as not a decrepit and feeble old man, who only has to humbly wait for his death. On the contrary, we see a strong and confident person in front of us. A fur cape is thrown over the broad shoulders of the master, a shirt underneath it, on which a golden chain is clearly visible. The fingers of his hands drum on the table, which characterizes his restless disposition and concentration. It seems that in a moment the artist will cheerfully stand up and with great strides will go to create his next masterpiece. In the narrowed gaze of Titian we see wisdom and a genuine interest in life. Most likely, this self-portrait was created for children, since until the death of the painter was in his house.
Around 1565, Titian received an order for the painting “Penitent Mary Magdalene” (State Hermitage Museum, St. Petersburg). The model for the canvas was a certain Julia Festina, who delighted the master with a shock of long golden hair. The duke of Gonzago really liked the painting, he immediately ordered a copy of the canvas to give it to a certain poetess. The work was such a resounding success that Titian decided to immediately make several copies, changing in each only the position of the heroine’s hands, the tilt of his head and the surrounding landscape background. The biographer of Titian Ridolfi points out six paintings by Titian with the penitent Mary Magdalene. One of the surviving canvas options is kept in Moscow in a private collection. Tetapi, according to experts, the best of them is the one that is represented in the State Hermitage Museum of St. Petersburg. On her the image of the penitent Mary is the most chaste.Her beautiful body is covered with light translucent clothes and a striped cape, as well as flowing hair scattered over her shoulders and chest. The penitent Magdalen looks at the sky with a look full of remorse, her eyes are full of tears and despair. In the foreground of the picture are Christian symbols – the skull and the revealed Scripture.
In 1565, Titian creates another of his best masterpieces – “Portrait of the Antiquarian Jacopo Strada” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). The painting perfectly conveys the character of the collector depicted in "his element" – around him are old books, coins, on the wall is either a painting, or part of an ancient manuscript. Jacopo shows the invisible interlocutor a figurine made of white marble, his face and the whole pose are filled with energy, inspiration and even excitement. The canvas has an unusually harmonious color. The clothes of the antique dealer and his whole environment are made in warm colors creating an atmosphere of a certain solemnity. This picture was a vivid example of a “different” painting discovered by Titian on his declining years. Nanti, this direction, with its richness of colors and shades, and unusually skillful transmission of chiaroscuro, will be developed by such artists, like Rembrandt and Caravaggio. But this will be more than 100 years later, and now, titian, already at a very advanced age, having undergone many adversities and personal afflictions, continues to create.
The last years of the master’s life
Dalam beberapa tahun terakhir, the artist often wrote for the soul. The house of Titian was constantly full – many students, artis, collectors and famous guests came to him in all of Italy and from other countries. Namun demikian, prone to melancholy and meditation, titian, nyatanya, remained lonely. He often recalled his youth and beloved Chechilia, indulged in thoughts of the frailty of being and yearned for all those who had taken his time. The result of these sad arguments and spiritual loneliness was the painting “Allegory of Time and Reason”, written around 1565 (National Gallery, London), which is considered a kind of testament of the master to his descendants. According to tradition, the picture should be read from left to right, itu adalah, counterclockwise, and from top to bottom. The old in a red cap symbolizes the past, the black-bearded man is the present, and the young man is the future. Animalsthe pictures drawn at the bottom of the picture are also symbolic:the wolf represents the forces of man that selects the past, the lion represents the present, and the dog awakens the future with his bark.
In 1570, Titian creates the painting “The Shepherd and the Nymph” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). This light, freely written canvas was no one’s order; the artist created it for himself. The naked nymph lies on the skin of a dead animal, facing its back to the viewer and turning its head slightly. The young virgin is not at all embarrassed by her nudity. Next to her is a shepherd who is about to start playing a musical instrument, although perhaps he just broke off, carried away by the beauty or the words of the heroine. The overall color of the picture is intentionally thickened by the author, this creates a certain secret and understatement in the relations of the main characters, enhanced by the inclusion of brown and ashy dark tones. The background landscape is blurry, there you can see only a piece of a broken tree, as if remaining after a storm. He does not affect lovers, living in their own world of beauty and bliss and noticing anything around. Despite the romantic composition of the picture, the chaos prevailing in the landscape surrounding the characters and the choice of colors, nevertheless tell us that in the artist’s soul there was no joy in harmony. It is as if his own question is visible in the bewildered look of the nymph – what will happen to them next, how to find joy again in the destroyed Universe.
Soon another misfortune happened, the father of Titian died. But the artist could not give up, he continued to create. Thanks to his regular customer, Philip II, Titian was always provided with work. Jadi, around 1570, the master began to create the work “Carrying the Cross” (Prado Museum, Madrid), which took five years to complete. At the heart of the picture is a classic gospel story. According to Scripture, Simon the Cyrene was sent to Christ to help him carry the heavy cross to Calvary. Jesus’ face is full of torment and pain, his right shoulder seems almost transparent. The image of Simon, as if opposed to the image of Christ. On his finger is an expensive ring, emphasizing its difficult origin. Simon’s clean face with a neat, well-groomed beard contrasts sharply with the face of Jesus covered in drops of blood.The whole picture is divided diagonally by the bottom of the cross, which further enhances the overall dissonance.
Religious themes go through all of Titian’s work, but according to the plots of the paintings themselves and the manner in which they are executed, one can trace how the artist’s worldview has changed, his attitude to virtue, vices and the theme of martyrdom. This is perfectly reflected in the canvases dedicated to the great martyr Sebastian.
In the first works, Saint Sebastian appears before us humble and humble, but in the last work of the artist, he is determined and ready to fight to the end. This painting, entitled “St. Sebastian” (State Hermitage Museum, St. Petersburg), was painted around 1570. The background in the picture is blurry, it is impossible to make out anything on it, and only the figure of the hero himself, nailed to a tree, stands out for its purity. His body is punctured by arrows, but his face is not distorted by pain. Pride and calm were in his gaze, his face was slightly raised, and his brows were frowning. It is believed that Titian here depicted himself, not in the literal sense, but allegorically. Dengan demikian, he expressed his attitude to his own fate, to all the betrayals and losses that he, by the end of his life, had learned to endure steadfastly and with dignity.In this work, the artist’s faith is concluded that an individual hero is able to endure any blows of fate, he will survive, even if the whole world around him is turned upside down, he will be able to withstand and not break. The color of the picture seems blurry and monochrome, but hundreds of colors and nuances burn in every centimeter of it. The fate of the picture was such that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.
In the same year, Titian wrote another work, with a similar idea. At the heart of the painting “The Punishment of Marcia” (Picture Gallery, Kromeriz). lies the myth of the satire of Marcia, who dared to challenge Apollo to a musical contest. Marsyas played the double flute, and Apollo played the lyre. When the muses could not choose a winner, Apollo offered to compete in vocal skills. Di Sini, Martius lost. In punishment for the defeat, Apollo decides to strip his skin, this moment is depicted in the picture.
In the center of the canvas is the figure of Marcia, suspended by her legs from a tree. Around him are heroes who are carried away by the process of the monstrous torture of the satyr. The picture is divided into two parts:to the left of Marcia’s body are people who are fascinated by his killing, she rip off his skin, not hiding her pleasure. On the right side of the canvas are those who are saddened by this brutal murder. These include the elder, siapa, presumably, depicts Titian himself. He sadly observes the death of Marcia and the cruelty of his executioners. The face of the satyr himself retains the dignity of imminent death. Art historians believe that the plots of the latest paintings by Titian characterize his farewell to the ideas of humanism, in which he was disappointed. The world is cruel and nothing in it can save a person, not even art.
Loneliness and despair
The painting “Mourning of Christ” (Gallery del Academy, Venice), painted around 1576, was the last creation of the master. In it, Titian reflected the question tormenting him:what is there, beyond the limits of life? Two huge sculptures are depicted on both sides of the canvas:the prophet Moses and the prophetess Sibyl, they personify the prophecy of the crucifixion and the subsequent Resurrection of Christ. At the top of the arch on the left side are the branches and leaves of the plant, at the top on the right are small vessels with a blazing fire. In the center of the composition, the Mother of God supports the lifeless body of her murdered Son. To the left of Christ stands Mary Magdalene, her pose is warlike, she as if asks:"What is this for?!" To the right of the virgin Mary, an old man is standing on his knees, supporting the lifeless hand of Jesus. Some believe that the figure of the elder also depicts Titian himself.The general coloring of the canvas is sustained in silver tones with separate intersperses of red, brown and gold. The colors and arrangement of the figures perfectly convey the hopelessness and dramatic nature of the plot. There is a mystery here. In the lower left corner of the work there is a little man with a vase in his hands, art critics are still wondering where he came from and what he was supposed to symbolize.
Sementara itu, a plague raged in Venice, which infected the youngest son of Titian Orazio. The artist himself courted him, not fearing the contagiousness of the disease. But once, in the last days of August, the painter, being in his bedroom locat
