Seperti banyak jenius yang berada di depan zaman mereka, Henri Rousseau tidak tahu selama hidupnya, bukan ketenaran atau kekayaan. Seorang seniman berbakat, yang bekerja hingga usia 41 tahun sebagai pegawai biasa di departemen bea cukai Paris, menemukan tekad untuk melepaskan cara hidupnya yang biasa dan mengabdikan dirinya sepenuhnya untuk melukis. Satu-satunya hal yang mendukung Rousseau dalam hobinya adalah keyakinan yang tak tergoyahkan pada bakatnya sendiri, yang memungkinkan dia untuk menjadi salah satu master terbesar di zamannya. Heran, keinginan untuk meniru teknik masa lalu memindahkan seniman langsung ke masa depan - cara kreatifnya akan menjadi ciri khas banyak master abad XX. Seni "naif" Russo, mengimbangi impresionisme, segera dipisahkan menjadi sekolah yang sama sekali berbeda. Gaya asli pelukis, penuh dengan elemen phantasmagoria, dikagumi oleh Pablo Picasso dan Robert Delaunay, memberi Rousseau sendiri hanya sarana penghidupan minimal selama hidupnya.
Pemuda badai
Memulai karirnya sebagai seniman pada usia empat puluh satu, Henri Russo belajar secara otodidak. Tiba dari provinsi di Paris dan menetap sebagai pejabat kecil, Rousseau melukis di mana-mana:saat bertugas di tempat kerja, mengambil keuntungan dari kebaikan atasannya, dan malam hari di rumah. Miskin, tapi sabar, sederhana, tapi yakin dengan kejeniusannya, ia menjadi salah satu master terkemuka dan paling dikenal dari avant-garde artistik, yang dikagumi oleh orang-orang sezaman dan keturunan yang progresif.
Suatu ketika Rousseau sendiri menulis catatan otobiografi untuk buku "Potret Abad Berikutnya" - "Lahir di Laval pada tahun 1844 dalam sebuah keluarga dengan pendapatan sederhana yang putus asa, dia terpaksa mengabdikan dirinya pada profesi yang salah, yang membuatnya tertarik pada kecintaannya pada seni.” Benar, buku itu tidak pernah keluar.
Ayah dari seorang seniman otodidak adalah Julien Russo - seorang tukang timah turun-temurun dari sebuah kota di barat Prancis - Laval. Dan ibunya adalah putri seorang perwira Tentara Besar Napoleon. Ayah Henri sangat ingin menjadi kaya, karena itu, setelah membeli rumah di pinggiran kota, ia meninggalkan keahliannya sebagai tukang timah dan mencoba mendirikan bisnis menjual kembali berbagai barang. Tetapi, Sayang, pekerjaannya habis terbakar, dan sejak itu kemiskinan tanpa harapan telah menetap di rumah Russo.
Untung, meskipun sangat membutuhkan, keluarga artis masa depan dapat mengirim putra satu-satunya untuk belajar terlebih dahulu di sekolah, dan kemudian di Lyceum. Henri adalah siswa rata-rata, meskipun ia berhasil mendapatkan sejumlah penghargaan sekolah, membedakan dirinya dalam menyanyi dan berhitung. Prestasi yang tampaknya tidak signifikan ini dicatat di mana-mana dalam biografinya bukan karena Rousseau menjadi seniman terkenal dunia, tetapi karena dia juga menulis waltz yang luar biasa dinamai istri pertamanya - "Clemence".
Setelah latihan, Henry mengambil pekerjaan di kantor hukum, dimana dia melakukan kesalahan besar. Pada usia sembilan belas tahun, didorong oleh teman-temannya, Rousseau mencuri sejumlah kecil uang dari departemen akuntansi, tapi ini cukup untuk mengakhiri karir pengacaranya dan diselidiki. Di Pengadilan, Henry harus menyetujui kesepakatan - selama tujuh tahun dinas militer, hanya satu tahun penjara.
Resimen Rusia, ditempatkan di Prancis, tidak akan pernah mengambil bagian dalam permusuhan di luar negeri. Bahkan ketika Napoleon III mengirim korps militer Prancis ke Meksiko untuk mendukung anak didiknya Maximilian dalam perebutan tahta kekaisaran, avant-garde masa depan tidak mengambil bagian dalam ekspedisi. Meskipun, masih lama lagi, penyair Guillaume Apollinaire (1880 - 1918) menulis puisi tentang masa tinggal Rousseau di Negara Aztec yang penuh warna, artis tidak pernah mencoba untuk menyangkalnya, serta sejumlah mitos lain tentang hidupnya.
Pada tahun 1868, ayah Rousseau meninggal, dan Henry, sebagai satu-satunya pencari nafkah keluarga, menerima pemecatan dari tentara. Setelah meninggalkan resimennya, yang saat itu berlokasi di Paris, dia terjun langsung ke kehidupan sibuk kota besar. Pertama-tama, pemuda itu menemukan pekerjaan dan mengakhiri hidupnya, terletak tidak jauh dari Le Bon Marche, pusat perbelanjaan bertingkat pertama di ibu kota Prancis.
Pemuda itu langsung jatuh cinta pada putri nyonya rumah, Nyonya Buatar. Pada tahun 1869, ia mengambil Clemence Buatar sebagai istri. Meskipun kelemahan konstan (Clemence sakit tuberkulosis), pasangan membantu Henri mendapatkan uang seumur hidup, tanpa lelah melakukan menjahit sesuai pesanan. Pada akhir pekan, kekasih sering berjalan di taman Paris yang indah. Benar, kebahagiaan Henri dan Clemence dibayangi oleh fakta bahwa anak-anak mereka meninggal satu demi satu saat masih bayi.
Dari tujuh anak dari pasangan yang penuh kasih, hanya dua yang selamat - putri Julie-Clemence dan putra Henri-Anatole. Istri Russo, terus-menerus tersiksa oleh tuberkulosis, terlalu lemah untuk mengurus anak-anak sendiri, jadi sejak lahir mereka dibesarkan oleh seorang pengasuh yang tinggal di pinggiran kota Paris. Pada tahun 1888, Klemens meninggal. Henri Russo tidak akan pernah melupakan istri tercintanya. Bahkan selama hidupnya, dia akan mencurahkan padanya sebuah waltz dari komposisinya sendiri, dan setelah kematiannya dia akan berulang kali membuat potretnya.
Seni hidup resmi kecil
Kembali pada tahun 1871, Russo muda mendapat pekerjaan tetap di bea cukai Departemen Cukai, yang pada abad ke-19 memungut pajak dari barang-barang yang diimpor ke Paris. Pemeriksaan barang di gerbang kota adalah pekerjaan yang membosankan dan monoton, tetapi itu tidak membatasi kebebasan batin orang yang melakukannya.
Selama salah satu shift berikutnya, seorang pegawai kecil memasang kuda-kuda tepat di halaman gedung departemen, dan mulai menggambar. Sayangnya, lukisan-lukisan yang dilukis oleh Russo hingga 1877 tidak bertahan. Pengecualiannya hanya satu, menggambarkan adegan pertempuran dengan latar belakang lanskap lokal.
Segera, artis terkenal Felix Clement (1826 - 1888), yang membantu Russo muda dengan saran, memperkenalkan pelukis yang bercita-cita tinggi kepada salah satu perwakilan seni resmi Prancis pada masa itu, Baron Leon Jerome. Setelah itu, Rousseau menyewa bengkel pertamanya dan pada tahun 1885, didukung oleh baron, pertama kali memamerkan dua karyanya di Salon Les Miserables.
Setahun kemudian, pada tahun 1886, artis Paul Signac (1863 - 1935), tertarik dengan karya Henri Russo, mengundangnya untuk berpartisipasi dalam pameran baru. Signac menganggap bahwa tempat terbaik untuk karya-karya pelukis orisinal seperti itu adalah di Salon Seniman Independen, dibuat oleh perwakilan seni avant-garde. Faktanya adalah bahwa semua upaya awal untuk membuat salon independen berakhir dengan kegagalan - seolah-olah dengan sihir, mereka mulai menyerupai Salon resmi, yang tidak sesuai dengan pelukis progresif yang merasa perlu untuk dipamerkan secara terpisah.
Untuk Rousseau, jelas bahwa lingkaran seni resmi yang diwakili oleh Salon, dengan tradisi akademis lama, akan selamanya menolak otodidak, setidaknya dari prinsip. Karena itu, sejak saat itu sampai akhir, Henri Russo akan tetap setia pada "salon tanpa juri" yang baru.
Sudah pada tahun 1886, setelah memamerkan empat karyanya di salon independen, seniman yang bercita-cita akan sangat dihargai oleh pelukis terkenal seperti Paul Gauguin (1848 - 1903) dan Puvi de Chavannes (1824 - 1898), yang senang dengan kemampuan Rousseau untuk menyampaikan momen dramatis dengan bantuan banyak nuansa hitam. Tetapi, secara umum, karyanya tetap tidak dapat dipahami oleh publik, terlebih lagi - mereka diejek - akademisi mengklaim bahwa bahkan seorang anak dapat menggambar seperti itu.
Untung, Rousseau sangat tahan terhadap sarkasme dan kritik publik. Dia bahkan membuat kesepakatan dengan Argus, yang dengannya semua artikel jurnal dan kliping koran dikirimkan kepadanya, yang berisi ulasan dan komentar atas karyanya. Untuk mengantisipasi pengakuan universal atas bakatnya yang tak terbantahkan, sang seniman dengan hati-hati menempelkannya ke dalam buku catatan, yang akhirnya menjadi lebih tebal. Dari surat kabar itulah Russo pernah mengetahui bahwa Balai Kota Paris memberinya medali. Senang, dia segera memerintahkan untuk menyebutkan penghargaan di kartu namanya, tetapi kemudian ternyata dia sedang terburu-buru:itu tentang artis lain dengan nama yang sama.
Prihatin setelah kematian istrinya mencari dana untuk pemeliharaan normal anak-anak dan membeli cat, Rousseau, dengan harapan mendapatkan uang dan terkesan dengan Pameran Dunia di Paris pada tahun 1889, di mana Prancis mempersembahkan Menara Eiffel-nya yang terkenal, artis kembali beralih ke musik dan menulis libretto untuk vaudeville. Sayangnya, itu tidak membawa sepeser pun.
Setelah pensiun dari dinas pada tahun 1893, setelah bertahun-tahun mengabdi, Rousseau menerima sedikit pensiun dan hanya bisa bermimpi tentang waktu ketika hobi favoritnya - melukis, akhirnya akan mulai membawa pendapatan yang layak. Sementara itu, Russo dipaksa untuk memberikan pelajaran biola dan menggambar lukisan sesuai pesanan, menjualnya dengan harga yang konyol. Meskipun, hanya setahun kemudian, karyanya "Perang", dipamerkan di Salon Independen, mendapat respon yang luas, secara khusus, penulis Alfred Jary (1873 - 1907) mengaguminya, dengan cahaya siapa, artis Henri Russo menerima julukan "Petugas Bea Cukai" (Le Douanier), melekat padanya seumur hidup.
Segera, seluruh keluarga Russo pindah, siapa dimana. Pada tahun 1895, putri artis pergi bersama suaminya di Angers, terletak di barat Perancis, dan pelukis pindah dengan putranya Henri-Anatole untuk tinggal di Montparnasse - daerah terkenal di tepi kiri Sungai Seine, yang kemudian menjadi tempat pertemuan favorit para avant-garde artistik dan intelektual. Di sana, di Montparnasse, Rousseau bertemu Josephine Le Tensorer - seorang wanita yang tinggal di lingkungan yang memenangkan hati artis. Untuk waktu yang lama, Josephine mengabaikan pengakuan cinta sang pelukis dan setuju untuk menjadi istrinya hanya setelah kematian Henri Anatole yang terlalu dini.
Sebagai freemason yang mencintai kebebasan, Henri Russo masih menikah di gereja dengan cinta barunya pada tahun 1898. Situasi keuangan keluarga agak menyedihkan, karena itu, membantu suaminya, Josephine mencoba menjual karyanya di toko peralatan kantornya, dan artis, pada gilirannya, terus memberikan pelajaran berbayar. Namun demikian, pada hari Minggu, Rousseau, terlepas dari kebutuhannya, dalam kerangka Masyarakat Filoteknik, yang tujuan utamanya adalah untuk mendidik massa, mengajari semua orang yang ingin melukis dengan cat air, pastel, dan juga, dengan bangga dan senang, berbagi pengalamannya dalam melukis porselen dan keramik.
Pengemis Jenius
Hanya lima tahun kemudian, pada tahun 1903, pelukis menjadi duda untuk kedua kalinya, dan, mencoba mengatasi kesedihan, dia sepenuhnya mengabdikan dirinya untuk bekerja. Saya harus mengatakan, karirnya sebagai seniman, akhirnya mulai mendapatkan momentum dengan cepat. Pada tahun 1903, ia kembali berpartisipasi dalam dua salon seni - Artis Independen (pada bulan Maret) dan di Salon Musim Gugur pertama, yang dibuka pada bulan Oktober. Tapi pelukis masih sangat membutuhkan. Untung, keluarga Papua yang sederhana namun murah hati, yang tinggal di lingkungan itu, sering mengundangnya untuk makan malam mereka, dan teman Marie Bisch, yang bergerak dalam perdagangan skala kecil, lebih dari sekali membantu Russo dalam situasi keuangan kritis.
Titik balik hanya terjadi pada tahun 1906, ketika seniman bertemu Robert Delaunay (1885 - 1941) dan penyair Guillaume Apollinaire. Teman baru secara terbuka mengagumi bakat pelukis, dan Pablo Picasso (1881–1973), setelah secara tidak sengaja memperoleh Potret Seorang Wanita oleh Bris Henri Russo pada tahun 1908, menyelenggarakan perjamuan megah untuk menghormati penulis.
Salah satu teman Picasso, Fernanda Olivier, menggambarkan Rousseau:“Yang terhormat ini, pria sedikit bungkuk yang lebih cenderung untuk jogging daripada berjalan, rambutnya abu-abu tapi tebal, meskipun usianya, memiliki kebiasaan penyewa kecil, dan wajahnya sedikit takut, tapi baik. Dia mudah tersipu ketika dia malu atau ketika seseorang keberatan dengannya. Dia menyetujui semua yang diberitahukan kepadanya, tapi rasanya dia menyendiri dan tidak berani mengungkapkan pikirannya. ”
Di antara teman-teman Rousseau adalah Alfred Jary (1873 - 1907), artis bertemu dengannya pada saat karya terakhir - "Raja Ubu" (1896), yang membuatnya menjadi pendiri teater absurd yang terkenal, belum ditulis. Mungkin justru hasrat untuk mengejutkan dan provokasi yang menyatukan Rousseau dan Jary. Menurut penulis muda, seni naif petugas Bea Cukai, jujur dan tanpa kompromi, mengejutkan pria rata-rata. Satu kali, Zhari memerintahkan pelukis potretnya. Gambar, Sayangnya, belum mencapai hari-hari kita, tetapi diketahui bahwa Russo menggambarkan temannya dengan bunglon dan burung hantu. Fry sangat senang! Dia membayar uang Rousseau dari warisan orang tua dan di mana-mana memuji bakatnya. Artis menghargai persahabatan ini. Dialah yang mengulurkan tangan membantu dan melindungi anak muda eksentrik ketika keberuntungan mengubahnya pada tahun 1897, dan Zhari, tidak punya uang di sakunya, berakhir di jalan.
Henri Rousseau memiliki penjelasan yang jelas, suara kekanak-kanakan, semua orang menganggapnya naif dan sederhana, tapi apakah itu benar-benar begitu? Keyakinan yang tak tergoyahkan pada kejeniusannya sendiri memungkinkan pelukis untuk menjadi orang yang memiliki tujuan dengan stamina yang luar biasa, dan kenaifan yang hampir kekanak-kanakan - seniman yang sangat orisinal.
Pada bulan Desember 1907, Rousseau, karena kecerobohan dan kecerobohannya, lagi masuk penjara karena penipuan, meskipun, nyatanya, dia adalah korbannya. Untuk mendapatkan kebebasan, jika hanya untuk memberikan pelajaran amal pada hari Minggu, artis menulis petisi ke Pengadilan:“Beralih ke kebaikan Anda, Saya meminta setidaknya pembebasan bersyarat agar dapat terus bekerja. Saya mohon Anda untuk tidak menghancurkan karir saya, untuk itu saya bekerja sangat keras. “Untungnya, Permintaan Rousseau dikabulkan setelah liburan Natal.
Trik persahabatan
Menurut orang sezaman, Rousseau biasanya bekerja dengan kemeja putih linen sederhana, tapi selalu memakai jas ketika dia mengatur resepsi di bengkelnya. Kolektor Jerman Wilhelm Ugde, yang pertama mendedikasikan seluruh buku untuk sang seniman pada tahun 1911, adalah salah satu pengunjung tetap di pesta Petugas Bea Cukai. Beginilah cara dia menggambarkan jalan tempat rumah Rousseau berada:“Panjangnya hanya beberapa langkah dan kemudian bersandar pada dinding batu. Tampaknya kita berada di suatu tempat di provinsi dan bukan di Paris. Di kamar di lantai dasar pemilik tinggal bersama keluarganya, dan di atas adalah apartemen para tamu. Di salah satu pintu ada tanda - “Pelajaran dari retorika, musik, menggambar, solfeggio”. Kami menelepon dan masuk:Russo bertemu kami. ”
Hampir setiap Sabtu malam, di antara lukisan dan teman-temannya, petugas Bea Cukai memainkan biola untuk seniman, kolektor dan hanya pecinta seni. Dia jatuh cinta lagi, tapi Leonia, seorang janda berusia 59 tahun, menolak menjadi istrinya. Pada malam hari orang sering dapat bertemu dengan pemilik rumah tempat tinggal Rousseau - Tuan Keval, seorang pria terhormat yang pendiam yang merupakan rekan Russo untuk bekerja di departemen bea cukai Paris. Di antara para tamu, sering kali mungkin untuk melihat Ambroise Vollard, yang membeli lukisan seniman dan mengundangnya lebih dari sekali ke pesta seni. Henri Rousseau mengalami lonjakan emosi:akhirnya tiba saatnya untuk merasakan buah dari kerja keras bertahun-tahun - situasi keuangan yang stabil, pengakuan universal. Itu hanya kesehatan ... Pelukis telah lama terganggu oleh luka yang tidak sembuh-sembuh di kakinya, yang, pada akhirnya, menyebabkan gangren.
Seniman yang brilian, Henri Russo meninggal pada 2 September, 1910 di Rumah Sakit Kota Necker di Paris. Dia dimakamkan di kuburan umum. Robert Delaunay, Ambroise Vollard dan Paul Signac datang menemui artis dalam perjalanan terakhir mereka.
Setahun kemudian, Delaunay mengatur dengan biayanya sendiri pemakaman kembali sisa-sisa artis. Dan Guillaume Apollinaire akan menulis di batu nisannya sebuah batu nisan yang disusun olehnya:“Selamat tinggal, teman baik kita Russo! Dengarkan kami - Delaunay dengan istrinya, Aku dan Keval. Kami akan membawakan Anda kuas, cat, dan kanvas sebagai hadiah, sehingga Anda melukis potret bintang di waktu luang suci Anda. ”
Pekerjaan awal
Mengintip lukisan pertama Henri Russo, salah satu kritikus akan berseru:"Dia tulus dan naif, agak mengingatkan pada primitif." Kritikus kedua setuju:"Lukisan ini agak kering dan keras, tapi sangat menarik, karena kenaifannya mengarah pada gagasan primitivis Italia." Bahkan para pencemooh dan penentang keras karya asli Rousseau mengakui sang master sebagai seorang primitivis yang luar biasa.
Meskipun kanvasnya adalah “Berjalan Melalui Hutan” dan “Bertemu di Hutan”, pelukis masih lebih dekat dengan lukisan nasional era Rococo abad ke-18 daripada dengan primitif Italia. Hal ini sebagian besar disebabkan oleh motif tradisional yang terlihat jelas dari adegan gagah (fetes galantes), sangat khas dari seniman Prancis Antoine Watteau (1684 - 1721), yang lukisannya dipamerkan di Louvre. Ngomong-ngomong, reproduksi merekalah yang menghiasi dinding bengkel Russo.
Karya-karya periode awal di Rousseau sangat membedakannya dari orang-orang sezamannya - kaum Impresionis. Hal ini terlihat jelas dalam skema warna yang canggih pada lukisan “Meeting in the Forest” dan “Walk in the Forest”, di mana pelukis menggambarkan pohon nyata dan imajiner menggunakan sejumlah besar warna coklat dan hijau yang berbeda.
Pada gambar pertama, hutannya lebat dan tidak bisa dilewati, di kedua - ringan dan transparan. Semua rencana jangka panjang dibuat oleh ketidakjelasan, goresan kecil, yang memfasilitasi persepsi visual, menetralkan hutan gelap yang terlalu jenuh. Langit, menempati sepertiga dari gambar, sengaja mengurangi pohon di kejauhan - semua ini berbicara tentang upaya seniman - otodidak untuk menentukan batas ruang, berikan kedalaman, itu adalah, untuk menunjukkan prospek bahwa bagi Rousseau, kehilangan pengetahuan dan keterampilan akademik, adalah batu sandungan yang nyata. Mungkin itu sebabnya, kemudian dia dengan sengaja meninggalkan prospek apa pun di kanvasnya.
Lukisan “Meeting in the Forest” menggambarkan sepasang kekasih yang sedang menunggang kuda dan saling memandang. Mereka mengenakan kostum khas abad ke-18. Rambut panjang wanita itu terurai bebas di atas bahunya - motif yang ada di banyak gambar wanita dari kuas Rousseau. Kekuatan perasaan, saling berpelukan, Kelembutan dalam tampilan pria membuat efek yang jelas dari kehadiran pasangan ini di kanvas, terlepas dari kenyataan bahwa tubuh mereka praktis tidak terlihat di balik vegetasi yang rimbun. Mencintai hanya di dunia mereka sendiri, mereka muncul untuk waktu yang singkat dari balik hutan, dan sepertinya mereka akan menghilang dari pandangan selamanya lagi.
Di kanvas "Berjalan Melalui Hutan" kita melihat seorang wanita yang sangat mirip dengan Clemence, dia tampak membeku — mungkin dia takut dengan gema iring-iringan yang terburu-buru, gemerisik dedaunan yang mengkhawatirkan atau derak tiba-tiba sebuah cabang.
Gambar wanita
Gambar wanita, serta gambar binatang, menempati tempat besar dalam karya seniman. Dua potret wanita besar, dilukis oleh Rousseau dengan celah kecil, adalah komposisi yang sangat mirip. Keduanya menggambarkan wanita berbaju hitam berdiri tegak. Format karya dan pose karakter memungkinkan untuk menghubungkan lukisan dengan genre potret parade. Mungkin keduanya dibuat sesuai pesanan, meskipun identitas model tetap tidak diketahui.
Kanvas pertama - "Potret Seorang Wanita" (nama alternatif "Potret Nyonya M.") Dibuat sekitar tahun 1895. Lukisan inilah yang diperoleh dengan harga yang sangat sederhana pada tahun 1908 oleh seniman brilian lainnya - Pablo Picasso (1881 -1973), yang sangat antusias dengan itu. Karya ini juga dikenal sebagai Jadwiga, meskipun tidak ada bukti bahwa nama model cocok.
Ada legenda yang menyatakan bahwa gadis di atas kanvas itu adalah seorang wanita Polandia cantik yang memikat sang pelukis. Dan meskipun versi ini tidak memiliki bukti, faktanya tetap:Rousseau menyukai nama ini. Dia sendiri menyebut mereka karakter utama dari lakon komposisinya sendiri - "Pembalasan Anak Yatim Rusia". Mungkin dialah yang mewujudkan bagi artis citra tertentu tentang wanita ideal. Dengan nama yang sama, sang master akan memanggil pahlawan wanita dari kanvasnya yang lain - "Mimpi" (1910).
Komposisi potret pertama menyerupai foto panggung dari sebuah toko saat itu. Sesosok wanita berdiri di balkon yang penuh dengan vas bunga di atas tirai besar, dikelilingi oleh pemandangan yang fantastis. Di tangan Jadwiga ada dahan pohon. Detail ini sangat menarik karena merupakan simbol kematian tradisional. Hal ini dapat dijelaskan, jika Anda percaya para pendukung teori tentang keberadaan nyata wanita ini, yang mengklaim bahwa pada saat penulisan kanvas Jadwiga sudah mati. Asumsi ini secara tidak langsung dikonfirmasi oleh fakta bahwa artis memilih warna hitam untuk gaun wanita, yang selalu menekankan sifat dramatis khusus dari adegan yang digambarkan.
Wanita dalam potret kedua digambarkan di tengah berbagai tanaman hijau yang menarik. Tangannya bertumpu pada pahanya, dan kakinya mengintip dari bawah gaunnya nyaris tidak menyentuh tanah, yang menciptakan ilusi gerakan. Di bagian bawah kanvas kita melihat anak kucing bermain dengan seutas benang, membawa keaktifan dan spontanitas ke nada resmi potret.
Russo menyelesaikan karyanya yang terkenal "The Sleeping Gypsy", juga didedikasikan untuk citra wanita, hanya sebulan setelah kematian putra satu-satunya, Henri Anatole.
Pada tahun 1897, ia memamerkan karyanya di Salon of Independents, menyertainya dengan legenda yang tertulis di bingkai:"Seekor predator, diliputi oleh rasa haus akan darah, membeku di tempat, tidak berani menyerang korban yang mengantuk lelap." Sosok gipsi dengan selendang dan baju warna-warni, Sangat kontras dengan kulit gelap, sedikit mengingatkan wanita oriental dari lukisan karya seniman akademis. Karya inilah yang secara aktif diusulkan Russo untuk memperoleh ukuran kota kelahirannya Laval, dalam ingatan dirinya.
Seniman itu bahkan menulis kepada walikota kota:"Semuanya bermandikan cahaya bulan di sini." Tentu saja, balai kota menolak tawarannya. Karya tersebut menghilang dan ditemukan kembali hanya pada tahun 1923 dan, karena tidak semua lukisan Rousseau dikenal luas, menimbulkan banyak kontroversi dan rumor. Tidak sedikit yang menganggapnya palsu, lelucon, yang dikaitkan dengan artis lain - Derain. Mereka yang tidak meragukan kepengarangan sebenarnya dari lukisan itu, menganggapnya sebagai langkah yang sangat menentukan oleh pelukis dari realisme ke surealisme.
Segera, Rousseau berangkat dari Impresionis, meskipun ia masih berbagi ketidaksukaan mereka terhadap kanon seni rupa tradisional. Impresionisme menyiratkan kebebasan kreatif yang sangat penting bagi Rousseau. Seninya, berdasarkan interpretasi yang benar-benar datar dari semua bentuk, tidak hanya tidak memperhitungkan aturan standar penggambaran perspektif yang diadopsi dalam Renaisans, tetapi juga secara sadar mengabaikannya. Seniman menyederhanakan bentuk, menciptakan gaya lukisannya sendiri yang unik. Proporsi sebenarnya terdistorsi di sini, elaborasi warna volume tidak ada, dan bayangan itu tidak ada sama sekali. Rousseau tidak ingin menggambarkan realitas yang membosankan dan duniawi, melewati imajinasinya yang kaya semua gambar dan bentuk.
Seni seniman sangat mirip dengan lukisan dekoratif dengan figur multi-warna dengan tekstur halus dan bentuk sederhana. Lukisannya "Anak dengan Wayang" membuat kesan aneh yang membuat orang bergidik. Sang master pertama-tama menggambarkan kontur sosok seorang anak yang menyerupai boneka porselen, membiarkannya sendiri tidak tertulis, kemudian bekerja pada latar belakang gambar dan kembali ke gambar lagi. Rousseau, seperti Emil Bernard (1868 - 1941) dan Paul Gauguin, sama sekali mengabaikan prinsip-prinsip perspektif klasik. Tambahan, pelukis memberikan preferensi yang jelas untuk konvensi substantif, daripada spesifikasi yang membosankan.
Potret anak-anak
Brushes Russo memiliki banyak potret anak-anak. Tidak diketahui mengapa tema anak-anak begitu penting bagi artis, jika itu adalah karya yang dibuat khusus, jika artis merasa kehilangan keenam anaknya. Jawaban pasti untuk pertanyaan ini tidak diketahui, kita hanya bisa berasumsi bahwa, menggambarkan anak-anak, pelukis mencoba dengan bantuan cat, kuas dan imajinasi untuk menghidupkan kembali gambar orang yang dicintainya. Banyak potret anak-anak Rousseau dalam format besar.
Sebagai contoh, seorang anak berbaju merah terlihat begitu besar sehingga seolah-olah sosoknya hampir tidak muat di kanvas. Tampaknya, anak itu duduk:kaki ditekuk di lutut dan hampir tersembunyi di rumput membicarakan hal ini. Sosok itu sendiri tampak melayang-layang di antara langit dan bumi, yang tanpa terasa menghaluskan perasaan masif yang berlebihan. Seperti “Anak dengan Boneka, Anak di foto ini juga memegang boneka aneh di tangannya, menyerupai orang dewasa dengan fitur wajah.
Dalam gambar lain dari periode yang sama - "Pernikahan Petani", kita melihat seorang pengantin wanita yang memandang kita dengan rasa hormat yang rendah hati. Sosok-sosok orang-orang di sekitarnya begitu datar sehingga seolah-olah mereka dipotong secara terpisah dari kertas berwarna dan direkatkan ke lanskap latar belakang. Meskipun pohon-pohon diatur dengan hati-hati oleh huruf "V" dan beberapa anjing canggung yang terletak di latar depan, yang secara teoritis seharusnya merupakan penunjukan komposisi perspektif, mereka tidak bisa menghapus kesan kolase yang dibuat oleh lukisan ini.
Sosok pengantin wanita adalah dominan yang tak terbantahkan dari gambar, dialah yang, dengan sabuk putih saljunya, tampaknya menghubungkan karakter yang tersisa menjadi satu grup. Di atas kanvas, seniman secara simbolis menunjukkan kesinambungan generasi, dengan bantuan kerudung panjang mempelai wanita, sedikit menutupi wanita tua yang duduk di dekatnya, yang jelas-jelas nenek dari mempelai wanita atau pria. Sosok lelaki tua yang duduk terpisah dari kelompok karakter utama, yang kakinya tersembunyi di rerumputan, memunculkan pemikiran tentang hubungan antara modernitas dan keabadian, hidup dan mati, bumi dan langit. Kekhidmatan di mana seluruh kelompok berada di bawah pepohonan kembali mengingatkan pada toko abad ke-19. Dalam pose statis sedemikian rupa sehingga orang-orang membeku di depan lensa foto dengan latar belakang pemandangan datar yang dicat:“Kami tidak bergerak! Jangan bernafas! ". Mungkin saja saat mengerjakan "Pernikahan", pelukis mengambil inspirasi dari beberapa foto, tetapi tidak ada yang diketahui tentang alasan ketertarikannya pada topik ini, serta tentang kepribadian prototipe karakter. Meskipun pria yang berdiri di sebelah kanan pengantin wanita sangat mirip dengan artis itu sendiri.
Karya simbolis
Pada tahun 1906, Henri Rousseau mempersembahkan kepada publik karya barunya - “Kebebasan, menyerukan para pelukis untuk berpartisipasi dalam pameran Seniman Independen ke-22”, yang, bahkan berada di pameran Salon Independen, menyebabkan pengunjung hanya tertawa. Hanya lingkaran teman dekat yang mengagumi karya baru artis, sedangkan sisanya tidak dapat memahami baik desain itu sendiri maupun cara pelaksanaannya.
Teman pelukis - Perampok Delaunay berseru:“Di era lain, dia akan mengecat dinding istana atas perintah pelanggan. Di kita, dia dipaksa menjadi pelawak bagi penduduk, dia sangat serius, begitu tenang. Sungguh ironi nasib yang tidak masuk akal! Russo merayakan Salon dengan karya barunya, yang membuatnya menjadi seniman penuh, dalam setiap arti kata. Pusat komposisi pekerjaan adalah sosok alegoris Liberty, digambarkan dengan cara yang mengingatkan pada akademis. Dia memainkan terompet, tradisional sebagai simbol pemujaan.
Setahun kemudian, Rousseau kembali menghibur penonton di Salon of Independents dengan karyanya "Perwakilan asing tiba di bawah panji perdamaian untuk memberi hormat kepada Republik". Di atas kanvas, kami mengenali enam presiden Republik Prancis (berpakaian hitam) berdiri di podium, kaisar Rusia (dengan seragam kuning dan biru), raja Inggris (di sisi kiri), dan juga di sebelah kanan:Franz Joseph dari Austria, Peter I dari Serbia, William II dari Jerman, Leopold II dari Belgia, George I dari Yunani, Shah Persia dan Raja Ethiopia. Republik, dalam jubah merah dan topi Frigia (hiasan kepala era Revolusi Prancis 1789) dengan penuh kemenangan naik di atas segalanya, memegang cabang zaitun dengan tangan terentang. ekstravaganza warna-warni ini, diwarnai oleh bendera asing, lewat di bawah slogan yang tertulis di tiga alas hitam yang berdiri di latar depan kanvas:“Kerja, kebebasan, persamaan. Dan di latar belakang kita melihat orang-orang berkumpul dalam lingkaran untuk memulai tarian liburan mereka.
Artis itu sangat menyukai alegori, begitu populer di kalangan perwakilan kalangan politik. Berulang kali Rousseau mengikuti berbagai kompetisi, yang dari waktu ke waktu diatur oleh otoritas Paris untuk mendekorasi gedung berbagai departemen. Pelukis selalu ingin menerima perintah resmi, dibayar dengan baik dan bergengsi, karena, pertama, dia terus-menerus merasa membutuhkan uang, dan, Kedua, dia masih memimpikan pengakuan universal.
Namun, Petugas Pabean telah gagal untuk menaklukkan salah satu atau yang lain. Tambahan, sepanjang waktu ada orang yang menggunakan kelemahan artis ini dan kenaifannya untuk berulang kali memainkan Rousseau yang malang. Bahkan sampai-sampai pelukis hampir pergi ke Champs Elysees untuk secara pribadi berterima kasih kepada Presiden Republik Prancis karena telah memberinya penghargaan negara bagian utamanya - Ordo Legiun Kehormatan, penghargaan yang diumumkan kepada artis oleh pelawak jahat.
India yang eksotis
Satu kali, ibu dari artis Robert Delaunay, mengalah pada permohonan putranya, memutuskan untuk memesan lukisan Russo. Kisahnya tentang perjalanan eksotis ke India menginspirasi Petugas Bea Cukai untuk membuat kanvas yang dirancang dengan warna hijau yang kaya khas hutan tropis. Di tengah gambar kita melihat sosok wanita berambut hitam - pawang ular, yang sangat mengingatkan pada dewa mistis kuno. Ular hitam, seolah-olah terpesona oleh suara magis pipanya, perlahan merayap keluar dari mana-mana, dan jika pada pandangan pertama mereka hampir tidak dapat dibedakan, kemudian ketika tampilan terbiasa dengan variasi beraneka ragam dan mulai membedakan detail, Anda melihat mereka lebih dan lebih. Hebatnya, gerakan mereka di atas kanvas terasa hampir secara fisik. Mata sosok wanita, yang merupakan satu-satunya titik terang dalam gambar, tambahkan bayangan mistis ke kanvas, daya tarik mereka yang luar biasa sangat mencolok.
Sebuah sungai yang diterangi oleh bulan purnama, a thick and mysterious veil of plants shimmering in all shades of green, an exotic pink bird, brightly shining yellow flowers - the whole scene exudes incredible paradise and tranquility. The vertical lines of the figure and the plants surrounding it are softened by horizontal rays of light coming from the month. This fundamentally distinguishes the composition of “The Enchantress” of Rousseau from his “War”, where the horizontal construction of the entire canvas creates the effect of decay and symbolizes destruction and destruction.
Unpleasant Surprise is somewhat close to Snake Charmer. In this picture we see a woman scared by a bear. The figure of the woman again resembles the mythical goddess, or Old Testament Eve, lost in the Garden of Eden. Her round hips are slightly covered by hair falling down to her knees. As in The Caster, the woman is surrounded by the same bizarre trees with bright foliage, and in the background - on the shores of a magical lake, depicting dense forests of bizarre trees. And in the depths, the figure of a lurking hunter is hardly noticeable. When you see her, the soul becomes calm - he will certainly shoot and save the woman from the predator.
Contemporaries will write down a statement by an Italian critic dedicated to Rousseau:“He lives in a strange world, fantastic and real at the same time, close and far, sometimes funny, sometimes tragic. He loves a riot of colors, fruits and flowers, wild animals and fabulous birds. He lives, working unconscious, focused and patient, met with ridicule and unfriendly shouts every time he decides to break his loneliness in order to present his creation to the world. ”
Buddy portrait
The hero of the picture “Chaise of Father Juniet” (1908) is a real character - a seller of vegetables, a former friend of Rousseau (though his real name was Claude Junier). His shop on Montparnasse was located just a few meters from the painter’s workshop. Junier always helped an artist who often lacks money for products. Sometimes Junier, along with his friends, took Rousseau to ride on his chaise, which served him for the transport of goods. Juniera’s pet - a mare Rosa pulled a chaise. The seller of vegetables had a great weakness for horses and dogs, one of which is shown in the picture next to the chaise.
When creating the canvas, the artist used a photograph taken in Klamar in 1908. Rousseau transferred the composition of the photograph to the canvas, adding to it a dog on the road and several figures. While the painter was working on the painting, his workshop was visited by the American artist Max Weber (1881-1961). Considering the work, Weber drew the author’s attention to the imbalance in size between dogs and other objects and characters. Rousseau replied:"Everything must remain as it is."
Perhaps the artist is right, relying only on his own vision, because when you look at this work for a long time, it starts to seem that it is this absolutely disproportionate, and therefore some mysterious dog that gives the picture a touch of fabulousness. It is the altered proportions and disturbed perspective, abundantly supplemented by elements of phantasmagoria, that give Rousseau’s everyday scenes this element of attractiveness and mystery.
Five people and a dog are sitting in a chaise. All of them are depicted facing the viewer, as if lined up in a line, like a group from the canvas "Peasant Wedding", but at a clear angle with respect to the seats of the chaise and the direction of the road. The canvas has an impressive size, very characteristic of works of decorative art, and this, according to critics, makes it similar to the "tapestries of a thousand flowers" - magnificent carpets popular in the 15th century on which colorful ornaments were woven from fancy plants.
Untuk pertama kalinya, the artist uses an absolutely smooth canvas in the painting, thanks to which the strokes are almost invisible. The whole color of the picture is clearly divided into two scales:black, white and red in the foreground, and ocher, green and blue - on the "backdrop".
City landscapes
Less well-known but no less significant part of Rousseau’s creative heritage is urban landscapes. Numerous types of Paris and its suburbs were in high commercial demand, karena itu, the artist, constantly constrained by the means, had to write them tirelessly. In those distant times, the outskirts of Paris were still little built up and literally buried in the pristine greenery of forests. The artist did sketches for future paintings immediately with oil paints, without using gouache or charcoal. He confidently writes from life, directly on canvas, only sketching from time to time.
Prescribing individual fragments in the open air with sweeping sharp movements of the brush, Rousseau completes the picture already in the workshop, carefully finalizing the details of each component. Two of the most famous examples of urban landscape in the work of Rousseau are the canvases “Furniture Factory in Alfortville” and “View from the Sevri Bridge”. On them, the painter depicted a free interpretation of the factory for the production of armchairs and chairs in Alfortville and one of the districts of Sevri on the southwestern outskirts of the French capital.
The Furniture Factory in Alfortwigle was written ten years earlier than The View from Sevri Bridge. When you look at the picture, the sky immediately catches your eye, with bizarre clouds on it. On the left is a river, and in the background is a bridge. But both elements are, lebih tepatnya, of secondary importance. All the compositional construction of the painting comes from the wavy sidewalk, which unexpectedly creates the impression of the right perspective, rare for Russo’s paintings. The factory building itself strongly resembles a cardboard house from theatrical scenery, and figures of people around look unnatural. All this makes the scene very conditional, almost surreal.
A striking element of the picture is the figure of a fisherman in the foreground. Mulanya, his image was only a compositional necessity. Namun, after the character was completed, the artist discovered that this fisherman, waiting for the bite, symbolizes a certain existence outside of time and space, thus embodying eternity in the picture. It is this distinctive approach to the depiction of time that sharply distinguishes Rousseau from the Impressionists, who were characterized by admiring a moment taken separately from life.
The compositional center of the second picture is the bridge over the Seine, which connects its wooded shores. The black and white boat, located in the foreground, is very expressive, its hull is strangely similar to the face of a man. Small figures of pedestrians merge with houses shaded by red foliage. Red and gray-green roofs perfectly match the gamut of the autumn landscape. A balloon, a hang glider and an airplane symbolize the three epochs of conquering the sky, which were often mentioned in the press of that time, and which Rousseau himself admired.
Dreams
In 1910, Henri Russo creates his greatest masterpiece - the canvas "Dream", exhibited by him in the same year at the 26th Salon of Independents. All his friends and colleagues unanimously claim that the work is worthy of the best reviews. The poet Guillaume Apollinaire writes about her in one of his articles:“I think that this year no one dares to laugh. You can ask the artists - everyone is unanimous, everyone admires them, even this sofa in the style of Louis - Philippe, lost in a virgin forest. And they are right. ”
Russo supplies the work with the following comments:“Jadwig has a magical dream. She quietly fell asleep to the flute of an unknown seducer. When a month casts light on flowers and green trees, hewan, and even predators, freeze, listening to the wonderful sounds of music. ” Andre Breton (1896 - 1966) will note, a few years later:“I am close to saying:this great canvas absorbed all the poetry and all the secrets of our time. It is characterized by the inexhaustible freshness of discoveries… "
The painting "Dream", which has become one of the last works of Russo, is considered the will of the artist. Intertwined, the plants create an illusion of space on the canvas, which is echoed by the whole color scheme of the picture. The feeling of depth is emphasized by iridescent shades of green. Monkeys frolic in bizarre branches, where bright exotic birds are seen everywhere, and below, under them, predators roam in the grass. Only a black musician stands in the thick grass and plays his flute, as if not noticing anything around. Both characters and plants are torn from real space, their characteristic form and their true condition, but they are all written out so carefully that they look incredibly plausible. As if anticipating his demise, Henri Russo leaves us a legacy of a true paradise.With his “Dream”, the artist illuminated the coming generation with the road to surreal art, ahead of his time.
In the same 1910, Rousseau painted another picture - “The attack of the jaguar on the horse”, bought later by the patron Ambroise Vollard. The artist himself was proud of the work. “Twenty-two shades of green!” - the painter proudly told the famous Italian critic Argendo Soffichchi, who came to him to look at a new work. Sofficchi was shocked by the picturesque manner of Rousseau. After drawing with a pencil all the contours of exotic plants, the artist applied various shades of green in separate strokes, prescribing each fragment several times, and carefully cleans the palette with each color change.
Among strangers
Despite the fact that Rousseau’s personal sympathies were always on the side of academic painting, he received recognition only among the most progressive contemporaries - avant-garde artists were his best friends all his life. The creative manner of the artist himself is attributed to primitivism, thanks to his original style and because of his love for Italian primitive artists, such as Fra Angelico (c. 1400 - 1455) and Giotto (1267 - 1337), who worked in the XIV and XV centuries, when the laws of a classical perspective had not yet been discovered, the absence of which would become a real hallmark of all of Rousseau’s work. “Only in 1885, after numerous disappointments, was I able to devote myself to art, studied myself, learned nature and took the advice of Jerome and Clement, ” says Henri Russo about himself.
In search of his own style, Russo worked a lot in the Louvre, creating copies of the masterpieces of the great masters of the past. The painter received permission to work in the famous museum thanks to his friend Felix Clement (1826 - 1888), siapa, like Rousseau himself, was a self-taught artist. Tetapi, unlike the Customs officer, Clement was recognized and kindly by the authorities. He, the lucky winner of the Roman Grand Prix of the French Republic, was paid for accommodation and training in Italy. The intelligent Clement, a devoted friend and delicate adviser, never allowed himself to be ridiculed or mocked at Rousseau and his paintings. On the contrary, he always insisted that the artist remained faithful to his style and did not turn off the chosen road. Clement introduces the Customs Officer to Leon Jerome (1824 - 1904), who worked at that time on the artistic embodiment of the lofty scenes of ancient mythology and ancient Eastern plots. Jerome - the star of official art - belonged to a group of artists - pompiers, named for their pompous luxury inherent in their canvases and pretentious splendor, and for the characteristic headdresses of their ancient heroes, reminiscent of helmets of firefighters (pompiers).
With rare exceptions, such as Clement and Jerome, Russo’s friends belonged mainly to the circle of Independent Artists. It was the representatives of neo-impressionism, in particular Georges Cera (1859 - 1891) and Paul Signac (1863 - 1935), who were the first to recognize a brilliant and original master in Rousseau in 1886. Signac highly appreciated his talent as a colorist, and Camille Pissarro (1831-1903) was loudly admired by the artist’s works, recognizing that it was precisely “feelings in the first place”. Robert Delaunay, the former, together with his wife Sonia (1885 - 1979), one of the founders of abstract art, expressed their admiration for the artist.
Delaunay and Russo become friends, despite the fact that the Customs officer does not always penetrate the essence of the creative research of his friend. “Why did Robert break the Eiffel Tower?” - Rousseau’s sincere question regarding the painting by Delaunay led to the appearance of the legend about the Customs officer as a naive genius who never really understood the figurative techniques of avant-garde art.
The author of this, like many other legends about the artist’s life, was the modernist poet Guillaume Apollinaire. He created myths about Rousseau, passing through his poetic imagination the story of his life, and the artist, pada gilirannya, immortalized his image on canvas. Apollinaire described the process of writing his own portrait:“First of all, he measured my nose, mouth, my ears, my forehead, my arms, my whole body and very accurately transferred all these measurements to his canvas, reducing it in accordance with the size of the frame. (…) I did not move, watching with admiration how anxious he was towards the work of his imagination, not allowing anyone and anyone to interfere in the creative process, so as not to disturb the harmony of the picture. And how mathematically accurately he depicted the figure of a man! If my portrait had nothing in common with my appearance, this would not have happened through the fault of Rousseau, but due to some annoying calculation error. Namun, even those who are not familiar with me recognized me in the picture. ” In the role of the poet’s muse, the canvas depicts the artist and Apollinaire’s close friend, Marie Lorensen (1883 - 1956).
An evening in the history of art
Here is an example of one of the stories related to the life of Russo and his friends. One January evening in 1908, Rousseau and Apollinaire appeared in Bago Lavoir, where Pablo Picasso (1881 - 1973), an artist from Catalonia, set up his workshop in a small wooden house. The customs officer, wearing a soft felt hat, takes pride of place at the table, leaving outer clothing and a cane at the door. On the wall hangs the work of the self-taught artist "Portrait of Mrs. M." (that same mysterious "Jadwiga"). The wall itself is decorated with flags, lanterns and a large poster with the inscription "In honor of Rousseau." The guests present are all in high spirits, some have already visited the nearby tavern.
Apollinaire solemnly recites the ode he wrote for this evening:“We have gathered to honor you with wine, which pours Picasso. There is reason to drink, and we will drink and rejoice:“Long live Rousseau!” Around the table gathered:artists Georges Braque (1882 - 1963), Marie Lorensen and Andre Derain (1880 - 1954), writer Andre Salomon, poet Max Jacob (1876 - 1944) and two American women - the famous writer Gertrude Stein (1874 - 1946) and Alicia Toklas. Wine flows like water, Rousseau takes the violin and plays the waltz that he once wrote for Clemence. Then he comes to Picasso and quietly says in his ear:"We are the two greatest artists of the era." Then Apollinaire gets up again and reads a poem telling about Rousseau’s trip to Mexico invented by him:“Do you remember, Rousseau, the Aztec landscape? Forests where pineapples and mangoes grew, Merry monkeys, watermelon pulp, Race warmed the emperor Maximilian? "Your paintings come from Mexico, Where the burning sun and the riot of nature." An artist who has never been to this country does not even try to object, because today is the long-awaited day of his triumph.
Nanti, a friend of Picasso, Fernanda Olivier will argue that the festive reception in Bateau Lavoir was a joke, a hoax. Namun, Andre Salomon writes in his memoirs:"In Bato Lavoir, we had only one task - we wanted to give Rousseau the holiday he deserved." This technique in Bato Lavoir was one of the key moments in the history of the development of modern painting:it was there that two generations of artists met, thanks to whom new art was born.
