Pelukis hebat dan diplomat brilian Diego Rodriguez de Silva Velazquez telah menjadi salah satu simbol paling cemerlang dari era seni abad ke-17. Seorang seniman berbakat, dibelai oleh Raja Philip IV, menjalani kehidupan yang sibuk dan menciptakan mahakarya lukisan dunia yang menakjubkan. Pekerjaannya, disebut berbagai kritikus, terkadang penting dan tulus, terkadang dingin dan misterius, telah selama berabad-abad memenangkan hati pecinta seni di seluruh dunia.
Semua lukisan Velazquez
Pemuda awal
Tanggal pasti kelahiran Diego Velazquez, putra bangsawan, imigran dari portugal, yang tinggal di Spanyol Seville, tetap tidak diketahui. Yang kita miliki hanyalah catatan tanggal 6 Juni, 1599, bersaksi tentang pembaptisan guru besar masa depan di gereja lokal.
Diego beruntung sejak awal, orang tuanya menyukai hasrat bocah itu untuk menggambar dan lebih awal mengirimnya ke studio pelukis lokal paling terkenal - Francisco de Herrera the Elder (1576-1656). Saya harus mengatakan bahwa pada saat itu, Sevilla bukan hanya kota pelabuhan yang berkembang, itu terkenal di seluruh Spanyol karena biara-biaranya, produksi sutra, serta penyair, penulis dan pelukis cantik.
Artis muda itu sangat rajin berlatih, dan, menurut para penulis biografi awal, dia memahami semuanya secara harfiah "on the fly". Namun, hanya setahun kemudian, dia meninggalkan bengkel Herrera, yang disebabkan oleh karakter pelukis terhormat yang sangat sulit.
Tapi tanpa guru, Diego tidak tinggal. Dia segera diterima di studio artis berbakat lain dan orang yang sangat sopan - Francisco Pacheco (1564-1645). Sebagai ahli Inkuisisi dalam lukisan gereja dan seniman akademis, Pacheco menyukai ide-ide humanisme, sopan dan terkenal dengan ketanggapannya. Seorang guru yang berpendidikan multilateral tidak hanya mengungkapkan kemampuan artistik pemuda itu, tetapi juga memperkenalkannya ke kalangan masyarakat yang lebih tinggi, memberinya perlindungan di masa depan. Di bengkelnya Diego Velazquez bertemu dengan pematung dan arsitek terkenal masa depan Alonso Cano dan seniman berbakat Francesco de Zurbaran. Pacheco dalam segala hal percaya pada Velazquez. Dan sebagai seorang seniman, dan sebagai pribadi. Dia bahkan menikahi putrinya yang berusia lima belas tahun untuknya pada tahun 1618.
Diego Velazquez baru berusia 17 tahun ketika ia bergabung dengan perusahaan seniman Seville, setelah itu karir independennya dimulai. Segera, Putri Diego dan Pacheco, Juan Miranda, memiliki dua putri:Ignasia dan Francisco, Namun, yang pertama dari mereka, Ignasia, meninggal saat masih sangat kecil. Namun artis muda meskipun ia memulai kehidupan seorang pria keluarga, tidak melupakan karirnya selama satu menit.
Impian Velazquez adalah menjadi pelukis istana raja Spanyol. Untuk lebih dekat dengan tujuan, artis pergi ke Madrid. Di sana, pada tahun 1622 ia menulis "Potret penyair Luis de Gongor-i-Artte" (Museum Seni Rupa, Boston), yang menarik perhatian meningkat dari orang-orang penting di pengadilan. Tetapi, kali ini, pertemuan penyambutan bagi pelukis dengan raja Philip IV, tidak ditakdirkan untuk terjadi. Velazquez kembali tanpa apa-apa kembali ke Seville, di mana dia terus bekerja.
Lukisan rumah tangga
Di awal karirnya, Velazquez, sebagai seniman yang sangat jeli, menjadi tertarik pada lukisan bergenre. Seville pada tahun-tahun itu adalah kota yang sangat hidup, dengan banyak pengrajin dan orang miskin di jalanan dan kehidupan yang sibuk di banyak kedai minuman.
Karya pertama sang master, yang mendapat ketenaran, dikhususkan untuk kehidupan sehari-hari banyak pengrajin, koki dan magang terlibat dalam percakapan, memasak atau membersihkan. Genre ini disebut "bodegones" (kata "bodegon" dalam bahasa Spanyol berarti "kedai, warung"). Kanvas seri ini dicirikan oleh warna gelap, paling sering latar belakang konvensional. Makanan biasa rakyat jelata digambarkan dengan kendi yang diatur, kacamata, piring dan sedikit perbekalan, diletakkan langsung di papan meja atau taplak meja putih.
Lukisan "The Old Cook" (sekitar tahun 1618, Galeri Nasional Skotlandia, Edinburgh) adalah contoh utama dari genre ini. Wanita tua yang lelah menyiapkan sarapan telur di dapur yang gelap. Seorang anak laki-laki sedang menunggu untuk memasak, tampaknya, magang seseorang atau pelayan dari pahlawan wanita itu sendiri. Pria muda itu meremas kendi anggur di tangannya dan memegang melon matang di tangannya yang lain, jelas bersiap untuk menyajikan semuanya di atas meja. Interior ramping kedai diwakili oleh balok kasar, dengan piring gerabah berdiri di atasnya, sendok pendek tergantung di belakang juru masak dan keranjang anyaman tua. Seluruh gambar dipenuhi dengan monoton hari-hari yang dihabiskan wanita tua ini di sini.
Plot yang tidak kalah menyedihkan dengan dekorasi kedai minuman yang menyedihkan disajikan di atas kanvas "Dua Pria Muda di Meja" (sekitar tahun 1618, Museum Wellington, London). Di sini kita melihat bagaimana di latar depan tumpukan piring bersih, kendi gerabah, cangkir besi terbalik, dan pendorong kayu mengering. Di dekatnya terletak kain kusut, rupanya berfungsi sebagai handuk. Salah satu pemuda meminum minumannya, dan, membungkuk di atas meja, diam-diam membicarakan sesuatu dengan temannya.
Yang biasa, sederhana, dan plot yang tenang dari lukisan-lukisan ini menjadi alasan sikap agak menghina dari para penonton Sevilla terhadap lukisan-lukisan Velazquez. Pecinta seni menganggap lukisan terlalu "biasa" untuk nama tinggi "seni".
Gambar “Sarapan” (sekitar tahun 1618, Museum Pertapaan Negara, Sankt Peterburg), termasuk dalam seri yang sama, sedikit berbeda dalam suasana hati. Di atas kanvas, pelukis menggambarkan dua orang muda yang ceria ditemani seorang pria tua yang terhormat. Setidaknya salah satu dari pesta trinitas ini di kedai minuman memiliki asal usul yang mulia. Hal ini dibuktikan dengan topi bertepi pendek yang tergantung di tengah dinding, sebuah pedang, dan tidak berarti kerah seputih salju. Meskipun ini, makanan di atas meja sangat langka, yang tidak merusak mood seluruh perusahaan.
Salah satu anak muda, tersenyum, mengangkat jempolnya, dan yang kedua dengan tampilan bahagia menunjukkan sebotol anggur yang diisi. Hanya seorang pria tua berjanggut yang menatap teman-temannya sambil tersenyum. Gambaran realistis Velazquez ini mungkin satu-satunya dalam serial "bodegones", di mana, terlepas dari latar belakang yang membosankan dan kemiskinan dari situasi yang digambarkan, karakter bersinar dengan optimisme dan pemuda riang.
Kanvas "Kristus di Rumah Maria dan Marta" (sekitar tahun 1620, Galeri Nasional, London) dipenuhi dengan suasana yang sama sekali berbeda. Dalam gambar kita melihat seorang juru masak muda yang sedang menghancurkan sesuatu di lesungnya. Di atas meja di depannya ada dua telur di piring, ikan dalam cangkir dan kepala bawang putih. Seorang wanita menyiapkan makanan (ikan di sini adalah simbol Kristus), dan teman bicara lamanya yang bijaksana dalam hidup menunjuk ke sebuah gambar yang menceritakan tentang kisah Injil.
Dari segi komposisi, kita memiliki versi klasik "melukis dalam lukisan", ketika dua plot sangat tumpang tindih dalam arti. Suster Maria dan Marta mendengarkan khotbah Kristus yang datang ke rumah mereka, meninggalkan pekerjaan rumah tangga mereka. Lebih-lebih lagi, isyarat berkat Anak Allah meluas ke kedua plot yang digambarkan, dan ke rumah Maria dan Marta, dan makanan sedikit di plot gambar utama. Jadi seniman menggambar paralel antara persiapan alkitabiah untuk menulis, ditangguhkan karena kata-kata Guru, dan master modern dari adegan sehari-hari, di mana seorang wanita tua juga menghentikan barang-barangnya, mengingatkannya akan nilai-nilai abadi.
Alegori kehidupan yang sama sekali berbeda disajikan dalam karya "Penjual Air dari Seville" (1622, Koleksi Wallace, London). Di sini kita melihat orang biasa dengan wajah keriput kecokelatan, mengulurkan segelas air untuk seorang anak kecil yang bijaksana. Pelukis secara khusus menekankan dengan chiaroscuro kontur bulat kendi yang berdiri di sebelahnya dan dengan hati-hati melukis keanggunan bejana transparan, di mana buah ara terletak di bagian bawah, tidak hanya memberikan air rasa yang menyenangkan, tetapi juga menjadi simbol erotis pada waktu itu. Ternyata seorang pria tua, seolah-olah dengan santai menawarkan anak laki-laki yang tidak curiga untuk mencoba "cangkir cinta". Di latar belakang, kanvas, seorang pemuda yang kuat, meminum gelasnya dengan senang hati.
Semua lukisan dibedakan oleh kegelapan, seolah-olah latar belakang tanpa udara, tanpa kedalaman. Konstruksi setiap still life ketat dan ringkas, tapi bukan tanpa kesungguhan. Semua gambar yang dipilih oleh seniman sangat penting dan ekspresif, dan warna lukisannya seimbang dan tenang.
Mimpi menjadi kenyataan
Namun demikian, kepentingan pelukis muda itu tidak terbatas pada citra warga biasa, dia sama-sama tertarik pada karakter kepribadian sekuler yang terkenal. Jadi, pada musim panas 1623, Velazquez memulai perjalanan baru ke Madrid.
Kali ini, artis berhasil menjalin kontak yang kuat di istana Philip IV. Di bawah perlindungan seorang teman lama artis Pacheco - pendeta kerajaan don Juan de Fonseca, Velazquez menerima pesanan potret dari Count Olivares. Performa luar biasa, asal usul yang mulia dan koneksi yang diperlukan membantu pelukis pertama-tama menemukan dalam diri seorang bangsawan seorang pelindung dan teman, dan kemudian memberikan niat baik dari raja itu sendiri. Seorang muda, poliglot terpelajar dan pecinta wanita cantik, Raja Philip IV, yang sepenuhnya mempercayai Olivares, akhirnya setuju untuk bertemu dengan artis Sevilla yang kurang dikenal.
Kebakaran di istana kerajaan tahun 1734 menghancurkan istana itu sendiri dan banyak koleksi karya seni yang tersimpan di dalamnya. Di antara lukisan yang hilang adalah semua potret pertama Duke of Olivares dan Raja Philip IV, dimiliki oleh Velasquez.
Tetapi ada bukti dari orang-orang sezaman bahwa artis itu dianugerahi pujian tertinggi yang bisa dimiliki raja untuk karya-karyanya. Langsung, pada tahun pertama kedatangannya di ibu kota, pada 6 Oktober, 1623, artis itu diangkat sebagai pelukis istana Raja Spanyol. Di bengkelnya, terletak di sayap istana raja Spanyol, sebuah kursi khusus dipasang untuk Yang Mulia, dan Philip IV ditempatkan di sana setiap saat yang nyaman baginya, sering membuka kamar dengan kunci sendiri.
Tentu saja, kesuksesan artis baru yang begitu cepat menyebabkan munculnya banyak orang yang iri dan simpatik. Kemampuan artistik Velasquez terus dipertanyakan, dan bangsawan istana sering menyatakan ketidakpuasan dengan arogansi dan arogansinya. Tetapi artis itu memiliki pelindung yang tidak bisa dihancurkan. Dalam “Potret Gaspard de Guzmán, Adipati Olivares” (1624, Museum Seni, Sao Paulo), pahlawan terlihat pria tangguh dan kuat. Dia berdiri dalam pose yang megah, hanya sedikit menyandarkan tangannya di atas meja yang dilapisi taplak meja beludru.
Memiliki perlindungan dari dua orang paling berpengaruh di Spanyol, artis, tidak seperti kebanyakan pelukis istana pada masanya, juga seorang bangsawan yang aktif, karena itu dia tidak bisa sepenuhnya menyerah pada seni.
Terlepas dari aturan etiket pengadilan yang paling ketat dan intrik istana yang konstan, hubungan persahabatan yang sangat hangat berkembang antara Velazquez dan raja muda itu. Philip IV bahkan tidak mau berpose untuk siapa pun jika pelukis favoritnya sedang pergi.
Artis menggunakan pengaturan khusus, yang tergambar jelas di kanvas "Potret Philip IV" (1631-1632, Galeri Nasional, London). Raja digambarkan di sini dalam jubah penuh perak. Salah satu tangannya bertumpu dengan tenang di gagang pedang, yang secara tradisional merupakan simbol kekuasaan dan kekuasaan, tetapi di sisi lain raja memegang dokumen yang tanda tangan Velasquez terbaca dengan jelas. Topi raja terletak di atas meja jauh di dalam gambar, seolah-olah Philip IV telah melepasnya di depan audiens yang penting, satu menit yang lalu.
Dihiasi dengan mewah dengan karya seni yang luar biasa, banyak labirin koridor dan kamar suram istana kerajaan, sangat memperluas cakrawala artistik sang master. Berkenalan dengan lukisan Rubens dan Titian, yang membuat kesan yang kuat pada dirinya, Velazquez menugaskan raja untuk melukis potret kuda Philip IV dan istrinya.
Berbeda dengan raja, Ratu Isabella tidak suka berpose untuk artis, jadi hanya beberapa gambarnya yang bertahan hingga hari ini, termasuk Potret Berkuda Ratu Isabella dari Bourbon (1634-1635, Prado, Madrid). Lukisan itu menggambarkan putri Maria Medici duduk dalam pose agung, di atas kuda seputih salju yang dihias dengan selimut bordir yang megah. Seperti kebanyakan potret saat itu, yang ini jelas-jelas dilukis di bengkel, dan alam Spanyol di latar belakang tidak lebih dari "latar belakang" yang disiapkan. Di sebuah flat, ruang tanpa udara, sang ratu dengan anggun memegang kendali kudanya. Karya tersebut merupakan contoh nyata potret seremonial tradisional Spanyol pada masa itu.
Namun, penampilan karakter yang kaku dan dingin di kanvasnya berangsur-angsur berubah. Selama bertahun-tahun, karakteristik psikologis yang digambarkan mulai menjadi lebih kompleks, yang terutama tidak terlihat dalam potret adat keluarga kerajaan dan bangsawan, tapi dalam gambar badut dan kurcaci, yang, jelas sekali, banyak di istana Philip IV.
Menurut beberapa laporan, ada lebih dari seratus pelawak, orang aneh dan kurcaci di istana kerajaan pada waktu itu. Seringai dan berbagai cacat fisik orang-orang ini adalah satu-satunya hiburan dalam kehidupan yang monoton dan suram para penghuni istana kerajaan. Kurcaci dan pelawak adalah bagian integral dari tatanan mapan istana kerajaan, mereka tidak cocok untuk menunjukkan belas kasihan atau simpati, mereka hanya bisa ditertawakan, meskipun, dalam batas-batas etika. Di istana ada tradisi menggambarkan orang aneh dan kurcaci, atas potret tunggal dan kelompok yang dikerjakan oleh semua pelukis Spanyol abad ke-16.
Genre dalam lukisan ini bahkan memiliki nama tersendiri - Los truhanes. Seringkali pelawak digambarkan dalam potret seremonial di sebelah tuan mereka. Velazquez juga memiliki sejumlah karya dalam genre ini.
Sebagai contoh, dalam Potret Infanta Balthasar Carlos dengan Kurcaci (1631, Museum Seni Rupa, Boston), di sebelah pangeran kecil, berpakaian cantik, jas bersulam emas dengan corak yang dilemparkan ke atas bahunya, ada kurcaci di celemek putih. Kurcaci itu memegang mainan di tangan kirinya, dan dengan tangan kanannya dia memegang sebuah apel untuk dirinya sendiri. Potret tersebut menimbulkan sejumlah pertanyaan tentang makna psikologis tersembunyi yang diberikan oleh sang seniman. Jadi, kurcaci, yang tidak diragukan lagi hanyalah mainan milik pewaris takhta, memegang di tangannya benda-benda yang karena alasan tertentu sangat mirip dengan kekuatan dan tongkat kerajaan. Dan itu dia, dan bukan pewaris takhta, yang terlihat seperti anak sungguhan dalam gambar, sedangkan Balthasar Carlos yang cantik dan berdandan lebih terlihat seperti boneka kosong.
Semua potret kurcaci di Velazquez dibedakan oleh ekspresi dan simpati yang mendalam. Dengan hati-hati melihat "Potret Kurcaci El Primo" (1644, Prado, Madrid), sulit untuk tidak memperhatikan segel dan kebijaksanaan di wajahnya. Biasanya kurcaci tidak digambarkan dalam pakaian bangsawan, dan fakta bahwa dalam gambar sang pahlawan mengenakan kostum seorang bangsawan kemungkinan besar berarti asal usulnya yang mulia. Diketahui dengan pasti bahwa El Primo memiliki pendidikan yang baik dan, selain tugas badutnya, bertugas di kantor kerajaan, jadi artis menggambarkannya dengan buku.
Benar, potret tanpa hiasan dari pelawak dan orang aneh berbicara lebih banyak tentang artis daripada karya-karyanya yang ditugaskan. Contoh lain lukisan Los Truhanes adalah Potret Francisco Lescano (1643-1645, Prado, Madrid). Komposisi kanvas sangat mirip dengan pengaturan klasik potret depan. Seniman itu menggambarkan pelawak itu begitu baik dan langsung sehingga membuat perbedaan mentalnya tampak seperti kenaifan kekanak-kanakan daripada kebodohan.
Beberapa kritikus menganggap "Potret Don Juan Calabasas" (sekitar 1643-1644, Prado, Madrid) ambigu. Si bungkuk digambarkan di atasnya dengan atribut tradisional kebodohan - kerincingan labu kering, disebut dalam bahasa Spanyol "Kalabasas" (maka nama pelawak). Nama lain dari karya tersebut adalah “El bobo”, yang berarti “bodoh”. Namun demikian, pahlawan potret lebih seperti seniman profesional, menggambarkan orang bodoh untuk bersenang-senang kepada bangsawan bangsawan, daripada orang yang mengalami keterbelakangan mental.
"Potret Don Sebastian del Morra" (1645, Prado, Madrid) membuat kesan yang sangat kuat. Seorang kurcaci dengan kepala besar dan kaki pendek yang tidak proporsional menatap penonton dengan tatapan tajam dan cerdas dari seorang yang berpendidikan, pria yang ironis dan berkuasa. Jubah kerajaan, tersampir di bahu si kurcaci yang sempit, tampak seperti ejekan nasib atas pria ini. Jelas sekali, artis, sedang bertugas, banyak berkomunikasi dengan semua penghuni istana dan sangat mengenal karakter mereka.
Selama waktu di mana Velazquez membuat karirnya di pengadilan, pertama dari artis pengadilan ke panitera, dan kemudian dari lemari pakaian ke administrator seluruh istana kerajaan, dia melihat banyak. Satu duka digantikan oleh yang lain:pada awalnya Ratu Isabella meninggal, kemudian saudara perempuan Philip IV, Maria, mati, dan pewaris takhta, pangeran Baltasar Carlos, meninggal secara tak terduga. Pelukis yang lelah itu memutuskan untuk meninggalkan kediaman kerajaan dan, setelah menerima bantuan raja, berangkat ke Italia, bertekad untuk bekerja di lanskap.
Alam dalam karya master
Bentang alam menempati tempat yang agak tidak penting dalam karya Velazquez, tetapi, Namun demikian, ada beberapa sketsa seniman terkenal yang menggambarkan sudut-sudut indah taman Medici yang terkenal di pinggiran kota Roma.
Contoh pemandangan seperti itu adalah lukisan "Villa Medici di Roma. Fasad Gua Logzip "atau" Villa Medici di Roma. Paviliun Ariadne ”(keduanya 1630, Prado, Madrid). Karya-karya itu dibedakan oleh persepsi langsung tentang kehidupan, kejelasan bentuk dan cara penulisan yang bebas. Suasana unik dari tempat-tempat yang ditinggalkan sangat kontras dengan figur staf yang ditekankan, seolah-olah ditulis khusus oleh sang empu dalam komposisi untuk menghidupkan kembali taman yang membosankan. Transisi chiaroscuro yang sedikit tajam di kedua sketsa memberi lukisan itu sedikit kesedihan romantis. Untuk waktu yang lama, pekerjaan dimulai pada 1650-1651 tahun, itu adalah, periode perjalanan kedua Velazquez ke Italia. Namun berkat penelitian terbaru, menjadi jelas bahwa kedua sketsa itu ditulis oleh sang master jauh lebih awal, hanya pada perjalanan pertamanya.
Lukisan "Potret Berkuda Philip IV" (sekitar 1634-1635, Prado, Madrid) berfungsi sebagai contoh karya di mana Velazquez menggunakan lanskap yang agak realistis sebagai latar belakang, tidak seperti banyak karya serupa yang memiliki flat, ruang tanpa udara.
Karya seniman tidak terbatas pada genre potret dan lanskap. Pelukis hebat menciptakan banyak lukisan tentang subjek mitologis dan sejarah, yang selalu ia coba tafsirkan dengan caranya sendiri, tidak setara dengan tradisi dan prestasi para master lukis terkenal lainnya.
Lukisan religi
Mengikuti tradisi yang berlaku pada masa itu, Velazquez, bahkan di awal karirnya, sering beralih ke mata pelajaran agama. Karya seniman berbeda dalam interpretasi aslinya, terlepas dari apakah ia menggambarkan subjek tradisional sebagai karya independen, Misalnya, lukisan "The Immaculate Conception" (1618, Galeri Nasional, London), atau "Pemujaan Orang Majus" (1819, Prado, Madrid), atau menyisipkan plot alkitabiah ke dalam adegan bergenre biasa, Misalnya, “Kristus di Rumah Maria dan Marta” (sekitar tahun 1620, Galeri Nasional, London).
Setelah pindah ke Madrid, pelukis terutama membuat potret dan praktis tidak menarik bagi genre religius. Pengecualian adalah beberapa karya yang dibuat pada tahun yang berbeda atas perintah raja Spanyol.
Menurut legenda, Raja Philip IV pernah menyulut hasrat yang ganas untuk seorang biarawati muda dari biara Benediktin Madrid, San Placido. Dalam penebusan dosa penghujatan ini, raja berjanji untuk mempersembahkan ke biara karya seni yang luar biasa milik kuas seniman paling terkenal di ibukota - Diego Velazquez.
Sang master menciptakan beberapa lukisan, yang paling terkenal adalah lukisan "Kristus yang Tersalib" (sekitar tahun 1632, Prado, Madrid). Seperti kebanyakan karya religius seniman, gambar berbeda dalam interpretasi asli plot. Pelukis sengaja memberi gambar Kristus pewarnaan yang paling realistis dan psikologis. Yesus digambarkan di kayu salib dengan sangat tenang, pose tanpa air mata. Mungkin Velasquez berusaha menghindari mengungkapkan penderitaan yang tak tertahankan, jadi setengah dari wajah Juruselamat disembunyikan oleh sehelai rambut yang menggantung. Seluruh sosoknya tampaknya memancarkan cahaya hangat, kontras tajam dengan latar belakang transparan gelap. Teknik ini memberi kesan bahwa tubuh Yesus adalah tembok yang memisahkan dunia kita dari kegelapan yang menghanguskan.
Karya "Penobatan Maria" (1645, Prado, Madrid) membawa nada yang sama sekali berbeda. Di dalamnya, Velazquez menggambarkan Trinitas Perjanjian Baru, meletakkan mahkota yang terjalin dengan bunga-bunga indah di kepala Maria. Wajah Yesus khusyuk dan fokus. Bijaksana dengan kekuatan dan pengalaman, ayah Dewa berambut abu-abu memegang dengan satu tangan bola sihir kristal. Dan di tengah, seekor merpati mengepakkan sayapnya, membeku darinya dalam lingkaran cahaya yang bersinar, dari mana sinar cahaya keemasan mengalir ke kepala Mary. Keputusan warna kelompok yang dipikirkan dengan matang dan konstruksi komposisinya menyerupai hati manusia yang dipenuhi dengan roh dan darah ilahi. Kanvas-kanvas ini berhak menjadi harta karun museum terbaik dunia dan kemegahannya mengimbangi sejumlah kecil karya religius pelukis besar itu.
Interpretasi asli dari plot mitologis
Plot mitologis pada lukisan Velazquez juga memiliki interpretasi yang agak orisinal. Dalam semua lukisan genre seniman ini, tampaknya sisi mitologis dari rencana itu sendiri sama sekali tidak tertarik. Tokoh-tokoh sejarah dan dewa-dewa diselesaikan dalam dirinya tidak secara agung dan heroik, tapi lebih ke duniawi. Sebagai contoh, lukisan "Triumph of Bacchus" (nama kedua adalah "Pemabuk", 1629, Prado, Madrid) tidak menunjukkan pesta dewa dan satir, tapi pesta gelandangan Spanyol biasa, terletak tepat di lapangan. Di antara mereka kita melihat dewa kuno Bacchus, bersama dengan faunnya.
Dewa muda telah menghadiahkan salah satu peserta dalam kesenangan dengan karangan bunga anggur dan sekarang tanpa sadar meletakkan karangan bunga yang sama di kepala seorang prajurit yang membungkuk di depannya. Tapi pusat komposisi gambar itu sama sekali bukan Bacchus, tapi seorang pengemis yang tertawa dengan topi hitam bertepi lebar, memegang gelas berisi anggur. Dengan semua kesenangan yang tampak, semua peserta terlihat agak lelah, atau bahkan sedih. gelandangan, membungkuk di atas bahu dewa muda, terlihat mabuk dan kasar. Semua karakter seolah-olah diambil dari realitas itu sendiri. Wajah Bacchus tidak memiliki kesempurnaan dan keagungan kuno, seperti tubuhnya, dengan perut buncit. Pada waktu bersamaan, semua pahlawan benar-benar tanpa sedikit pun vulgar. Seniman yang cerdik mampu dengan sangat baik mengelilingi gambar sehari-hari yang akrab dengan elemen Bacchic.
Penafsiran penulis lain memiliki karya lain yang dikhususkan untuk plot mitologis - "Forge of the Volcano" (1630, Prado, Madrid). Adegan episode kuno adalah Apollo tiba di Vulcan, dewa pandai besi, yang memiliki cyclops dalam masa magangnya, dan memberi tahu dewa yang tangguh itu berita tidak menyenangkan bahwa Venus yang indah, istri Vulcan, telah mengkhianatinya. Tampaknya reaksi Tuhan akan menjadi badai kemarahan, meletus dalam api dan besi.
Tetapi Velazquez menafsirkan plot klasik dengan cara yang sama sekali berbeda. Di bengkel abad pertengahan kita tidak melihat cyclop, tetapi orang-orang kuat dengan cawat. Semua pandai besi melihat Apollo berambut emas tiba-tiba muncul dalam lingkaran emas dengan karangan bunga laurel di kepalanya dan di toga antik dengan kebingungan. Tidak ada dendam atau kebencian di wajah Vulcan - hanya keraguan dan kejutan.
Jika bukan karena kehadiran dewa kuno yang bersinar, kita akan memiliki gambaran sehari-hari yang khas di hadapan kita. Ada juga alegori di kanvas - di rak di atas gunung yang menyala-nyala kita melihat kendi mengkilap putih salju. Tentu saja, titik vertikal terang ini dibutuhkan oleh pelukis untuk menyeimbangkan komposisi warna gambar, karena dia hanya berseberangan dengan pekerjaan Apollo putih. Tetapi kendi juga mengandung beban semantik. Seperti Venus yang indah, kapal putih sempurna ini milik Gunung Berapi, dan bahkan berdiri tepat di atas gunung yang sangat panas, di sebelah besi jelaga dan dikelilingi oleh tubuh laki-laki yang berkeringat, itu tetap murni. Jadi semua pria yang benar-benar pengasih percaya bahwa pasangan mereka sempurna dan setia kepada mereka.
Dua kanvas - "Aesop" dan "God of War Mars" (keduanya sekitar tahun 1640, Prado, Madrid) adalah bagian dari rangkaian besar yang dirancang untuk menghiasi istana berburu kerajaan yang terletak di dekat Madrid Torre de la Parada. Karakter terkenal ini juga kehilangan kesedihan dan terlihat sangat biasa, itu adalah, sepenuhnya konsisten dengan cara artis. Jika dewa perang terlihat seperti prajurit yang lelah dan termenung, kemudian Aesop terlihat seperti orang yang benar-benar sepi. Kesedihan tersembunyi menyelimuti kedua pahlawan, yang, jelas sekali, juga menjadi ciri khas penulis sendiri selama pelaksanaan perintah. Warga Philip IV tidak bisa tidak menanggapi penurunan di negara itu.
Velazquez menerima pendidikan Katolik klasik dan bahkan berhubungan dengan pejabat Inkuisisi Suci, Namun, ini tidak dapat melebihi kesan terkuat yang dibuat oleh para empu karya klasik Italia. Jadi, setelah kunjungan kedua ke Italia, artis menjadi tertarik pada gambar ketelanjangan. Ada informasi bahwa ia menciptakan sejumlah gambar serupa yang sama sekali tidak seperti lukisan Spanyol saat itu. Tampaknya, raja muda berbagi minat dengan pelukis kesayangannya, karena itu, semua lukisan ini segera menghiasi kamar-kamar istana. Tapi sampai waktu kita, mereka, Sayangnya, belum selamat. Dengan satu pengecualian, Venus di depan Cermin (sekitar 1648, Galeri Nasional, London) telah menjadi contoh unik potret wanita sensual oleh Velazquez.
Seperti yang digagas oleh penulis, gambar adalah kanvas bergenre dengan unsur-unsur adegan domestik. Dewi telanjang, dengan punggungnya menghadap penonton, terletak di atas lembaran sutra. Dia melihat dirinya di cermin yang dipegang oleh cupid bersayap untuknya, tirai beludru merah berfungsi sebagai latar belakang mereka. Semua lipatan indah tempat tidur sutra Venus, kulit beludrunya, lekukan halus tubuhnya yang menggoda, sebuah pita yang dilempar ke cermin, dan arah gorden merah yang digambar menciptakan komposisi yang sempurna, mencolok dalam keindahan dan harmoninya.
Seperti dalam kanvas mitologi Velazquez lainnya, gambarnya agak ilahi, semuanya agak biasa dan duniawi. Cupid abu-abu, seolah-olah sayap yang tidak wajar sangat kontras dengan tubuhnya yang kenyang, dan bingkai lebar hitam dari cermin yang tidak jelas dirancang untuk meningkatkan intrik penonton:seperti apa penampilan Venus yang indah? Bayangan di cermin tidak jelas dan tidak jelas, tetapi jelas bahwa wajah sang dewi, untuk beberapa alasan, tidak bersinar dengan keindahan, seperti yang diharapkan dengan melihat siluet anggunnya.
Dalam karya ini, sang master tetap setia pada dirinya sendiri - dia sekali lagi menggambarkan bukan gambar ilahi yang diharapkan secara tradisional, tapi orang yang sederhana. Mengenai gambar itu, ada legenda yang menurutnya, artis Italia Flaminia Trivio berpose untuk Velazquez. Saya harus mengatakan bahwa pada masa itu, perempuan jarang melukis. Mungkin, romansa pecah antara Trivio dan artis, setelah itu Velazquez kembali ke tanah airnya, dan Flaminia melahirkan seorang putra darinya. Karena itu, "Venus di depan cermin" begitu sensual dan sangat berbeda dari gambar biasa sang master. Faktanya, sang seniman menciptakan untuk dirinya sendiri potret nyata dari kekasihnya.
Selama dua setengah abad, kanvas mengubah beberapa pemilik, dan pada tahun 1914 itu benar-benar diserang. Maria Richardson, salah satu pembela hak-hak perempuan yang paling bersemangat, memotong kanvas dengan cangkul sebagai protes, setelah itu dia dalam pemulihan untuk waktu yang sangat lama. Heran, hampir semua karya seniman besar mengalami nasib yang sulit.
Kemenangan militer monarki Spanyol
Ketika Velazquez, ketika dia masih menjadi hofmeister kerajaannya, terlibat dalam mendekorasi interior istana kerajaan berikutnya, Buen Retiro, ia mulai mengerjakan serangkaian lukisan sejarah yang dirancang untuk menyanyikan kemenangan militer raja Spanyol. Semua karya berhubungan dengan tahun 1630-an.
Karya "Menyerah Breda" (1634-1635, Prado, Madrid) mungkin yang terbesar dari semua yang masih hidup. Ini menggambarkan tindakan khidmat menyerahkan kunci kota Belanda yang terkepung dari pertempuran kemenangan tentara Spanyol pada 2 Juni, 1625, ketika Spanyol menenangkan wilayah utara yang memberontak.
Episode transfer kunci itu sendiri adalah pusat komposisi gambar, di mana pelukis potret hebat dengan sangat akurat memberikan deskripsi psikologis tentang dua pemimpin militer terkenal. Dalam perbudakan paksa, komandan garnisun Belanda, Yusgiv Nassau, membungkuk dengan kunci gelap di tangannya ke tinggi, Ambrosio Spinola tipis, komandan Spanyol. Bagian belakang dari gerakan mulia yang menang menepuk bahu lawan yang kalah. Kedua komandan dikelilingi oleh pasukan mereka.
Hanya beberapa prajurit yang tersisa di belakang Nassau, dan mereka menundukkan kepala dengan putus asa. Hanya beberapa alang-alang yang berdiri sendiri di atas mereka. Dan di belakang mereka, asap hitam membubung ke langit dari kebakaran, meninggalkan ke kanan, sehingga mengalihkan pandangan pemirsa ke tentara Spanyol. Di atas sekelompok perwira Spinola berdiri seluruh hutan salinan ramping. Ritme mereka yang jelas memperkuat kesan kekuatan dan kekuatan tentara yang menang. Seluruh kanvas terlihat sangat realistis, berkat kedalaman spasial yang ditulis dengan cermat, baik dalam gambar kelompok pejuang maupun di latar belakang lanskap.
Pelukis bekerja dengan luar biasa pada tekstur hampir setiap kostum peserta di kanvas, berdiri di latar depan. Berikut adalah seluruh galeri potret aristokrasi Spanyol saat itu, mulai dari citra komandan Ambrosio Spinola, kepada siapa seniman itu memberikan deskripsi psikologis ksatria yang mulia, dan diakhiri dengan potret dirinya sendiri yang menyedihkan di dekat kepala kuda. Berbeda dengan martabat kemenangan yang dingin, Belanda yang kalah digambarkan sederhana dan besar. Postur alami mereka sangat benar dan manusiawi. Di Sini, cukup aneh, penulis membiarkan dirinya bersimpati pada para pecundang. Provinsi-provinsi Belanda berjuang mati-matian untuk kemerdekaan mereka, dan ketika Velazquez membuat gambar, Brena sudah dipukul mundur oleh Belanda. Bahkan dalam karya ini beberapa ironi tersembunyi dibaca, meskipun itu dimaksudkan untuk memuliakan kemenangan dan keberanian monarki Spanyol.
Velazquez digambarkan di bagian kanan "Spanyol" dari gambar rombongan kuda yang dicat dengan sempurna, yang, tentu saja, adalah simbol keunggulan dan kekuatan Spanyol. Itu sebabnya artis itu memunggungi penonton? Terlepas dari semua pengabdiannya kepada Filipus IV, tukang Cat, sebagai orang yang cerdas dan fasih dalam politik, secara halus mengungkapkan pendapatnya dengan satu-satunya cara yang tersedia baginya - melalui gambar. harus saya akui, dalam hal ini Velazquez tidak setara di antara para pelukis di zamannya.
Potret paus
Pada akhir 1640-an, Velazquez melakukan perjalanan keduanya ke Italia. Dalih resmi untuk kunjungannya adalah akuisisi patung antik dan beberapa karya seni lukis Italia untuk koleksi Philip IV. Tetapi kita tidak boleh lupa bahwa artis itu pada saat yang sama adalah pejabat tinggi istana rajanya, whose duties included establishing diplomatic relations with high-ranking officials of Italy. The painter coped well with both tasks, he was favorably received by the new Pope Innocent X in the Vatican, who immediately ordered his portrait for him. The result of the three-month work of the artist stunned the whole of Rome, not to mention the customer.
The canvas “Portrait of Pope Innocent X” (1650, Loria Pamphili Gallery, Rome) instantly gained the widest fame. Although this was not characteristic of that time, many copies were made from the painting. Such success was primarily associated with the achievement of an unusually high correspondence of the psychological portrait of the hero of the canvas.
Against the backdrop of a heavy raspberry curtain, in a red satin cap, an imperious pontiff sits on a gilded throne. The snow-white folds of the cassock, the silk of his scarlet mantle, and even the golden ring with a large dark stone adorning his right hand are very materially and necessarily.
Despite the comfortable position in the chair, the pose of Innocent X carries internal tension. This is noticeable in the slightly bent fingers on the arm of the throne and barely noticeable drops of sweat on the pope’s nose and forehead. Reflexes here are transmitted with great conviction. But the pontiff’s face is especially striking. His tightly compressed curved thin lips and a wide heavy chin with a liquid beard eloquently show secrecy and cruelty of character. A long nose indicates its noble origin. Deep-set eyes carefully and coldly look directly at the viewer. The glance of the head of the church reads arrogance, intelligence, insight and cunning.
As if by chance, the artist emphasizes the big ear of the pontiff, on which light falls. This insignificant detail unexpectedly tells the whole image of Innocent X the ordinary and prosaic. An authoritative, strong, and not without vicious passions, an elderly man in the clothes of the most senior dignitary of the church looks from the portrait. The most important thing that Velazquez conveyed to the viewer is that, for all its strengths and weaknesses, the Pope does not have the main thing - neither Christian mercy nor holiness.
Evidence of eyewitnesses has been preserved, which says that the pontiff, when he first saw his portrait, exclaimed:“Too true!” An educated, endowed with a sharp mind Innocent X could not help but recognize how brilliantly created this masterpiece. He solemnly awarded the artist a papal medal and a gold chain.
Velazquez himself immediately received many orders for portraits from other high-ranking dignitaries of the Vatican:from Monsignor Camillo Massimi to Cardinal Letali Pamfili. But the king urged the diplomat and painter to return. Karena itu, Velazquez hastened to return to Madrid, where he already had many creative plans.
Allegory of an unfair lifestyle
One of the most amazing and symbolic paintings of Velazquez was the painting “Spinners” (the second name is “The Myth of Arachne”, circa 1657, Prado, Madrid). The canvas is divided into two compositional parts. In the foreground, in the gloom of a weaving workshop, spinners engaged in their hard work are depicted. In the center, a young worker, kneeling down on one knee, picks up skeins of wool from the floor. On the right side, the artist realistically and coarsely wrote out another spin, winding a woolen thread into a dense ball. Her broad back and large arms with rolled up sleeves express accuracy and confidence of movements. Nearby, another young woman watches her work. To their left, in a carelessly thrown shawl, a tired weaver sits near her wooden loom, talking to her assistant. At her bare feet a cat comfortably settled down. Behind the weaver’s helper, thanks to the heavy red curtain pushed back, we can see the finished tapestries folded in a stack. The whole scene is depicted in a manner characteristic of the artist - ordinary and unvarnished. The necessary dynamism to the picture is given by individual details - such as a rotating wheel of a machine tool or a spin of a leg thrown forward, as well as a rich color of the scene.
The second compositional part of the canvas is the background. Di sana, as if on a stage flooded by the sun, two court ladies are pictured, carefully examining the carpets hanging on the wall. Probably the lady on the left is the mistress of the workshop, patiently awaiting the decision of a potential buyer. The bright patterned edging of the carpet, the solemn mythological scene depicted on it and its pure sonorous colors seem to turn the entire far part of the room into a fabulous solemn performance, in sharp contrast to the routine of the front of the picture.
Two different plans of the work are in a complex and at the same time direct interaction with each other. This is not just a contrast between hard work and its excellent result. Details are important here, namely the theme depicted on the finished tapestry being inspected by the customer. There we can see the ending of the ancient Roman legend about Arachne, which sets the correct interpretation of the whole work.
The mythological heroine was famous for the skill of the skilled spinner, who was proud of her abilities and for this was turned by the goddess Minerva into a terrible spider. Here lies not even irony, but rather the bitter regret of the great painter. That is why the face of the court lady has an undeniable portrait resemblance to a young worker standing in the right corner of the picture. The now-leading vertical staircase located on the left side of the picture, above the head of a weaver sitting behind a wooden loom, is designed to compositionally direct the viewer’s eyes from the bright distant plan back into the twilight of the workshop.
A round dull hood crowning the whole composition is very eloquent - despite the fact that, judging by the stream of bright light pouring from the left, there is already a large window in the back room. The meaning of the fringed black sphere placed by the painter above the whole picture is to symbolize the irreversible circle of human life. Neither hard work, nor outstanding talent can fix the situation once and for all:the skill of the simple girl Arachne cannot surpass the elite art of the goddess Minerva. It was not for nothing that Velazquez depicted on the tapestry not the moment of divine anger and the transformation of Arachne into an insect, but the triumph of the divine warrior.
This peculiar allegory, perhaps, has political notes. The plot can also be interpreted as the sad triumph of the Spanish monarchy, which can easily grind both an individual person and entire states, imagining himself above them. The work was not only the highest achievement of the artist’s art, but also an expression of his deep understanding of the injustice of the world order and an expression of sympathy for those lower in the hierarchy.
Mysterious Menin
In 1656, the renowned painter creates a picture considered the crown of his work and one of the most mysterious paintings in the history of art - “Menins” (Prado, Madrid).
Translated from Spanish, “menin” is a young girl of noble birth, who is the constant maid of honor of the princess and always accompanies her in her retinue. According to the inventory of the royal palace, the canvas was listed as “Family Portrait”, but it is very difficult to call it “family”, as, memang, “Menins” is a surprisingly inappropriate name for it.
The compositional center of the painting is the fragile little figure of the Infanta Margarita in a light beautiful dress. The girl stands with her head slightly turned and looks as if expectantly at the viewer. The young maid of honor Maria Sarmiento sank down on one knee in front of her, according to the requirements of etiquette, and serves a vessel with a drink. The maid of honor Isabella de Velasco froze in curtsy on the other hand. To the right of the wall are the permanent members of the suite of the Infanta Margarita - her jesters:dwarf Maria Barbola and young Nicholas Pertusato. The first - presses a toy to his chest, the second - pushes a large dog lying with his foot.
In the middle plan, we see a woman protruding from the twilight in a monastic robe - the mentor of Princess Marcelo de Ulloa, and the Guardamas - a permanent guard and accompanying infantry. In the open doorway in the background, Jose Nieto, a court nobleman, rises up the stairs. And on the left side of the canvas, near a huge canvas stretched on a stretcher, the artist portrayed himself. He holds a long brush in one hand and a palette in the other. The eyes of the painter, the princess, crouching in the curtsy of maid of honor, and dwarfs are fixed on the viewer. More precisely, on a couple of people reflected in a mirror on the opposite wall, which seems to be standing on this side of the picture - the royal couple of Philip IV and his wife Marianne of Austria.
For more than three centuries, art historians and biographers of the great painter have been trying to unravel the meaning of this strange multi-figure painting, in which the artist again used his favorite construction of the composition - “painting in painting”. Once again, the master reliably showed the life of the royal family and her courtiers. There is no official greatness, no ceremoniality, only a certain immediacy and sincerity in the guise of a princess gives the picture its sound. What did the artist want to say with this work? Why is the royal couple depicted only in obscure spots?
There are different versions, in their own way interpreting the plot of the work. According to one of them, Velazquez depicted the moment of a break during the creation of the portrait of the infant, when the royal couple looked into the studio and all the maids of honor rushed to his mistress.
According to another version, the artist created a portrait of precisely Philip IV and Marianne of Austria, interrupting his work due to the unexpectedly arrived princess and her retinue. There are hundreds of explanations and interpretations of the unusual composition of this amazing picture, but all of them, Sayangnya, contradict each other and individual details on the canvas of the great master.
One of the mysterious moments is that Velazquez, standing in the picture in his own workshop, depicted all the windows of the room tightly curtained. On the ceiling, fixtures for chandeliers are clearly visible, but there are no chandeliers themselves, like no other light sources. From this, a large spacious room, hung with paintings by great masters, is plunged into darkness. But not a single painter will work in the dark. Judging by the location of the shadows on the canvas, the light comes from the conditional arrangement of the royal couple, and even the doorway in the background is flooded with sunbeams.
It turns out that in this way Velazquez shows us that he paints his brilliant paintings "in the darkness" of the royal palace. And despite his noble birth and the title of knight of the Order of Santiago, which is eloquently testified by the golden symbolism in the form of a cross on the jacket of his suit, he does not have the opportunity to "come out into the light." Itu adalah, the artist could only create “in the rays” of his monarch, or he would be forced to leave the royal palace and go nowhere. Perhaps it was this idea that the artist wanted to convey, portraying himself along with the retinue of the princess in the “Family Portrait” or “Meninas”.
Another eloquent symbol is a dog lying in the foreground of the picture. The image of a dog is an image of a faithful friend who will endure everything - you can kick him with a boot, he will still protect his master. Her image symbolizes the unsweetened fate of the court painter, a brilliant creator who could be something more than just a devoted servant of his master.
Unexpected death
The art of Velazquez most deeply expressed the rapid flowering of realistic painting of the XVII century in Europe. True images created by a brilliant painter still serve as an unsurpassed example of perfection for true connoisseurs of art and artists of different generations.
Pada tahun 1660, Velazquez went to the court of the French monarch to settle issues regarding the conclusion between the Spain and France of the "Iberian Peace", which ended the long-standing confrontation between the two countries. The essence of the artist’s mission, chosen by the trustee of the King of Spain, Philip IV, was to settle all the issues regarding the marriage between the eldest daughter of the king Maria Theresa and Louis XIV.
According to tradition, an event of this magnitude was required to be fixed with "blood ties." The artist not only wrote and delivered to Versailles the magnificent “Portrait of the Infanta Maria Theresa” (1652, Vienna Museum of Art and History), he also organized all the celebrations and receptions on this occasion, and even accompanied the royal motorcade to the wedding ceremony, which took place on the island Pheasants on the French-Spanish border.
And although Velazquez received many praises from Philip IV for his hard work, his strength and health were undermined. Returning to Madrid, the sixty-year-old painter felt a fit of fever. All the best court doctors gathered to save the beloved royal dignitary, but none of them could cure the master. On August 6, 1660, Diego Rodriguez de Silva Velazquez passed away.
