Perwakilan luar biasa dari sekolah seni lukis Spanyol, Francisco José de Goya dan Lucientes, adalah seniman unik yang berhasil mewujudkan dalam seninya nasib tragis orang-orang Spanyol, harapannya dan penderitaan yang tak terhitung jumlahnya, bertahan dengan vitalitas tanpa akhir. Inspirasi bagi seniman adalah peristiwa nyata yang terjadi di negaranya. Tidak memiliki kekuatan lain selain kekuatan seni, seniman melalui lukisannya mengungkapkan sikap pribadinya terhadap realitas di sekitarnya dan apa yang terjadi di tanah air tercinta.
Gambar Francisco de Goya y Lucientes
Tahun-tahun awal master agung
Artis hebat masa depan Francisco Goya lahir di desa kecil Fuentetodos, terletak di antara bebatuan Aragon di bagian utara Spanyol, pada 30 Maret, 1746 dalam keluarga master gilder Jose Goya. Ayah artis itu bukan orang biasa, dia berasal dari keluarga notaris kaya yang menerima spesialisasinya di Zaragoza. Situasi ini memungkinkan dia untuk menikah dengan perwakilan dari strata terendah bangsawan Spanyol, Don Garcia Lucientes. Setelah pernikahan sederhana, keluarga muda pindah ke perkebunan, diwariskan dan terletak di Fuentetodos. Menurut hukum Spanyol saat itu, bangsawan hanya bisa hidup dari pendapatan yang dibawa oleh harta benda mereka, dan tidak memiliki hak untuk bekerja.
Dalam keadaan ini, keluarga Goya hampir tidak bisa memenuhi kebutuhan. Hal ini memaksa kepala keluarga untuk mengangkut keluarganya kembali ke Zaragoza, di mana dia bisa mengambil keahliannya. Apa yang terjadi pada tahun 1759. Setelah sedikit memperbaiki situasi keuangannya setelah pindah, ayah keluarga mengirim ketiga putranya Thomas, kamilo, dan Francisco ke sekolah dasar ayah Joaquin. Saya harus mengatakan bahwa pendidikan yang diterima anak laki-laki di sana sulit disebut baik, Pastor Joaquin lebih memilih teologi daripada literasi, yang tercermin dalam seluruh kehidupan artis selanjutnya. Hingga akhir hayatnya, Goya menulis dengan kesalahan, dan pengucapan dan kosa katanya jelas mengkhianati orang biasa dalam dirinya. Benar, perlu dicatat bahwa pada akhir abad XVIII di Spanyol pendidikan yang baik hanya tersedia untuk segelintir elit.
Setelah meninggalkan sekolah, Francisco memasuki sekolah Yesuit di Zaragoza. Mentornya, Ayah Pignatelle, segera melihat kemampuan artistik anak itu yang luar biasa dan merekomendasikannya kepada kerabatnya Jose Lusana y Martinez, yang pernah menjadi pelukis istana. Pastor Francisco tidak menentang dan membayar pelajaran seni putranya selama empat tahun. Selama ini, Francisco Goya tidak hanya memahami dasar-dasar melukis dan menggambar, tetapi juga menciptakan banyak ukiran dan lukisan dari karya master Spanyol yang luar biasa. Sudah saat ini, Francisco menunjukkan ketekunan dan tekad yang luar biasa. Untuk mencapai ekspresi maksimum gambar berbagai gerakan tubuh manusia, artis muda, selain bengkel Lucian, juga mengunjungi sekolah patung Juan Ramirez. Di dalamnya, dia membuat salinan patung dan membuat studi siswa. Perlu dicatat bahwa di Spanyol pada periode ini ada tabu pada gambar tubuh telanjang, terutama perempuan, oleh karena itu, kelas seni pahat untuk Goya hampir merupakan satu-satunya kesempatan untuk mempelajari anatomi manusia.
Berkat ketekunannya, Francisco dengan cepat memantapkan dirinya sebagai penyalin yang brilian, menangkap secara halus ciri-ciri cara artistik dan gaya pelukis-pelukis termasyhur. Terima kasih untuk ini, pada tahun 1760, ia menerima pesanan pertamanya untuk melukis relikui di sebuah gereja di Fuentetodos. Sayangnya, pekerjaan ini benar-benar hancur pada tahun 1936 selama Perang Saudara Spanyol. Namun penampilannya dapat direkonstruksi dari foto-foto yang masih ada. Sisi luar sayap kayu relikui dihiasi dengan gambar “Penampakan Madonna del Pilar di depan St. James”, dan di bagian dalamnya tergambar “St. Francis de Paula” dan “Madonna dan Anak”. Menurut bukti yang masih ada, orang sezaman memuji karya seniman, meskipun Goya, siapa yang melihatnya, sudah memasuki usia lanjut, marah:"Jangan katakan bahwa saya melukisnya!".
Pada tahun 1763, Goya yang berusia tujuh belas tahun, yang akhirnya memutuskan untuk menghubungkan hidupnya dengan seni, meninggalkan Zaragoza dan pergi ke Madrid. Tahun-tahun pertama artis tinggal di ibukota Spanyol diselimuti rahasia dan legenda. Dari informasi terpercaya yang telah sampai kepada kami, hanya diketahui bahwa pada akhir tahun 1763, segera setelah kedatangannya di Madrid, Francisco melamar ke Royal Academy of Fine Arts di San Fernando untuk mendapatkan beasiswa, tapi ditolak. Apa yang dilakukan Goya di Madrid selama dua tahun ke depan sama sekali tidak diketahui. Pada tahun 1766, Francisco berpartisipasi dalam kompetisi yang diumumkan oleh Akademi dengan tema dari sejarah Spanyol. Tugas itu dirumuskan sebagai berikut:“Martha, permaisuri Byzantium, tiba di Burgos kepada Raja Alfonso yang Bijaksana untuk meminta sebagian dari jumlah yang ditunjuk Sultan untuk menebus suaminya, tawanan Kaisar Baldwin, dan raja Spanyol memerintahkan untuk memberinya jumlah itu." Ramon Bayer menerima medali emas kompetisi, dan Goya gagal, yang hanya menjadi salah satu dari sederet kegagalan yang mengejarnya di periode pertama karyanya.
Tetapi partisipasi dalam kompetisi membawa manfaat bagi Goya, di mana dia bertemu Ramon Bayeu dan saudaranya Francisco, anggota dewan juri akademik, di mana dia segera memasuki siswa. Selama kurang lebih tiga tahun, pelukis muda itu tinggal dan belajar di rumah seorang mentor baru, selama waktu itu dia jatuh cinta dengan saudara perempuannya Josef. Kasih sayang Goyal tidak mencegah Goya pergi ke Roma pada tahun 1769, dimana ia melanjutkan pendidikannya.
Sayangnya, tidak ada informasi yang dapat dipercaya tentang dua tahun kehidupan Francisco de Goya di Italia telah dilestarikan. Satu-satunya data yang bertahan menyebutkan partisipasi seniman dalam kompetisi yang diadakan oleh Akademi Seni Rupa Parma. Sebagai bagian dari kompetisi, dia menciptakan lukisan "Hannibal, menatap dari ketinggian Pegunungan Alpen ke ladang Italia." Kanvas menikmati beberapa keberhasilan dengan juri, Namun, Goya sekali lagi kurang beruntung. Dengan selisih satu suara saja, medali emas kompetisi lagi pergi ke yang lain.
Pengakuan bakat
Pada tahun 1771, Francisco Goya kembali ke Zaragoza, kecewa dan lelah dengan kegagalan. Setelah beberapa bulan, artis akhirnya tersenyum keberuntungan, dia menerima pesanan pertamanya. Itu diperlukan untuk menyelesaikan serangkaian lukisan religius di kapel istana Count Gabard de Sobradiel setempat. Goya mencoba yang terbaik, hasil dari, lukisan-lukisan itu ternyata berkualitas sangat tinggi dan disukai oleh pelanggan. Ini adalah kesuksesan signifikan pertama pelukis di bidang profesional.
Segera, sang seniman ditugaskan untuk menyelesaikan serangkaian sketsa untuk lukisan dinding kubah Katedral Madonna del Pilar di Zaragoza. Selama sebulan bekerja, Goya berhasil menciptakan karya yang menyentuh anggota komisi untuk rekonstruksi katedral. Ini adalah kesuksesan kedua yang membuktikan kemampuan Francisco dalam menciptakan mural yang luar biasa. Meskipun, harus disebutkan bahwa peran penting dalam kenyataan bahwa Goye mendapat pesanan dimainkan oleh harga karya, dipamerkan oleh seniman sendiri dengan sepuluh ribu reais kurang dari sisa kontestan. Apapun itu, pada pertengahan 1772 sang seniman telah selesai mengerjakan lukisan kubah. lukisan dinding, berjudul "Pemujaan Para Malaikat Dalam Nama Tuhan", dibuat dengan gaya Barok. Jenuh dengan banyak sosok malaikat yang digambarkan dalam gambar wanita cantik, yang berbagai sudutnya menekankan dinamika komposisi, dibangun di atas gerakan terus menerus, itu membawa artis sukses yang sudah lama ditunggu-tunggu dan memang layak.
Partisipasi dalam penciptaan dekorasi Katedral Madonna del Pilar yang indah adalah titik balik dalam karier artis. Selain menghormati sesama warga negara dan kesejahteraan materi, Goya juga menerima aliran pesanan yang konstan, yang sangat penting bagi setiap artis. Karya berikutnya adalah penciptaan seluruh siklus lukisan dinding untuk biara de Aul Dei dan gereja di Menuel. Ini memungkinkan Francisco untuk mendapatkan posisi yang tepat di masyarakat dan menjadi seniman paling sukses di Zaragoza. Ada saatnya ketika Goya akhirnya mampu untuk menikah.
Pada awal musim semi tahun 1773, artis pergi ke Madrid dengan gurunya Francisco Bayeu untuk meminta tangan saudara perempuannya Josefa. Semuanya ternyata baik-baik saja, dan kekasih yang bahagia menikah dalam upacara yang megah, diadakan pada tanggal 25 Juli tahun itu. Segera setelah pernikahan, pengantin baru pergi ke Zaragoza, di mana Francisco menunggu banyak pesanan yang belum selesai. Aneh sepertinya, praktis tidak ada informasi yang sampai kepada kami tentang pendamping kehidupan pelukis besar, baik di arsip pribadinya maupun di arsip negara tidak ada surat atau ulasannya tentang orang-orang sezamannya, bahkan tidak ada informasi tentang jumlah anak yang lahir dalam hampir empat puluh tahun kehidupan mereka bersama. Secara umum diterima bahwa semua anak artis meninggal pada usia muda, dan hanya satu dari putranya, Francisco Javier Pedro, menjadi dukungan nyata bagi ayahnya dan penerus karyanya. Penulis biografi dan sejarawan seni hanya dapat berasumsi bahwa Josefa adalah istri yang setia dan penjaga perapian yang peduli, tapi jelas dia sangat sedikit tertarik pada kehidupan sosial. Hanya tanggal kematiannya, 1812, dikenal dengan andal. Mengejutkan bahwa selama kehidupan keluarganya yang panjang, Francisco Goya hanya melukis satu potret istrinya.
Menemukan posisi di istana kerajaan
Pada awal tahun 1774, pekerjaan skala besar dimulai pada rekonstruksi permadani pabrik kerajaan Santa Barbara. Komisi restorasi termasuk Antoine Rafael Mengsu dan Francisco Bayeu. Yang kedua bertanggung jawab atas distribusi pesanan di antara para seniman yang berpura-pura untuk membuat sketsa permadani masa depan. Terima kasih untuk ini, Goya dan Ramon Bayeu menerima pesanan besar, yang memberi mereka pekerjaan tetap dan dibayar dengan baik. Perintah ini memfasilitasi kepindahan artis ke Madrid bersama seluruh keluarganya.
Subjek sketsa pertama yang ditugaskan oleh pelukis adalah berburu dan memancing. Goya dengan cepat menyelesaikan sketsa adegan tematik di karton. Terlepas dari gaya sketsa yang agak kering dan terkendali, dengan praktis tidak ada ruang yang rumit di sekitar karakter, mereka menerima persetujuan raja, dan artis itu dianugerahi orde baru, tema yang merupakan adegan dari kehidupan orang Spanyol biasa.
Di sinilah bakat sejati pelukis terungkap. Sketsa-sketsa ini meletakkan dasar bagi serangkaian karya cerdik yang memuliakan sang seniman selama berabad-abad. Dia memilih wanita muda berpakaian cerah (mahi) dan teman mereka yang berwarna-warni (maho) sebagai pahlawan kardusnya. Komposisi didasarkan pada cerita dari kehidupan masyarakat:permainan, liburan, adegan jalanan. Nada kaya suara dari lukisan secara realistis menyampaikan suasana riang kesenangan universal. Dalam karya-karyanya, seniman dengan pengamatan yang luar biasa menunjukkan berbagai jenis rakyat dan kostum nasional yang semarak, serta rekreasi dan sopan santun pemuda perkotaan. Sesuai dengan selera zamannya, sang master sedikit mengidealkan bentuk karakternya. Tetapi palet warna seniman ditampilkan di sini dengan segala kemegahannya – banyak nuansa warna dari berbagai nada langsung membedakan Goya di antara orang-orang sezamannya.
Karya-karya paling mencolok dari periode ini termasuk lukisan "Penjual hidangan" (1779, Museum Prado, Madrid), “Perayaan pada hari St. Isidore” (1788, Museum Prado, Madrid), “Maha dan Penggemarnya” (1777), Museum Prado, Madrid) dan lain-lain. Tetapi karya terbaik di antara mereka adalah karton untuk permadani Payung (Museum Prado, Madrid), ditulis pada tahun 1776. Sketsa adalah sketsa bergenre sederhana. Di latar depan duduk seorang gadis cantik dalam pose elegan, seolah-olah menunjukkan dirinya kepada penonton, senyum menawan di bibirnya. Teman muda gadis itu berdiri di sebelah kirinya, menghalangi wanita muda dari sinar matahari dengan payung terbuka. Komposisi karton dipenuhi dengan kegembiraan dan kecerobohan hidup. Sorotan gambar adalah kompleks, pencahayaan yang hampir fantastis, yang dengannya Goya menciptakan cita rasa musik yang harmonis, dibangun di atas warna-warna pastel.
Pencerahan karya ini di istana kerajaan dipengaruhi oleh pencerahan pikiran Pencerahan Prancis, dengan keberangkatannya dari kanon yang ketat, begitu dihormati sebelumnya di Spanyol. Berkat keberhasilan di kalangan bangsawan ini, pada 7 Mei, 1780, Francisco Goya dengan suara bulat terpilih menjadi anggota baru Royal Academy of Fine Arts of San Fernando. Sudah pada tahun 1785, dia menjadi wakil direkturnya, setelah sepuluh tahun - direktur departemen lukisan di Akademi.
Antara tahun 1786 hingga 1791, perubahan intonasi direncanakan di karton master. Semakin banyak dalam karya-karyanya, keinginan untuk tidak menyampaikan daya tarik eksternal plot, tetapi keadaan emosional karakter, yang menjadi lebih “duniawi” setelah kehilangan kilau dan keindahan luar, begitu khas dari karya-karya seniman sebelumnya, dimanifestasikan. Ini terlihat jelas dalam karya-karya seperti The Blindfold Game (sekitar tahun 1788-1790, Museum Prado, Madrid) dan Mason yang Terluka (1786 Museum Prado, Madrid), yang menjadi salah satu karya kunci periode ini.
Gambar itu dibedakan oleh plot yang benar-benar dramatis:pekerja muda menggendong rekan mereka yang telah robek dari ketinggian. Dalam pose mereka dan bagaimana seniman menafsirkan volume tubuh mereka, komitmen tertentu dari master untuk tradisi klasisisme datang melalui. Warna dingin komposisi didasarkan pada kombinasi nuansa biru, abu-abu dan oker. Meskipun karya tersebut belum memiliki suara tragis yang menusuk, begitu khas dari banyak lukisan Goya berikutnya, itu sudah sepenuhnya mencerminkan intonasi dasar dari karya master yang matang.
Di akhir pekerjaannya untuk pabrik kerajaan, Goya menciptakan mahakaryanya sendiri – “The Doll” (“The Game in the Pele”, 1791-1792, Museum Prado, Madrid). Setelah bekerja di pabrik Santa Barbara selama sekitar delapan belas tahun, sang seniman menciptakan lebih dari enam puluh karton. Selama bertahun-tahun, sang master tidak hanya memperoleh teman dan pelindung yang berpengaruh, tetapi juga banyak yang iri dan simpatisan.
Evolusi potret artis
Bekerja pada sketsa untuk permadani, Goya melukis banyak potret khusus pada saat yang bersamaan. Karya-karya awalnya dari genre ini berbicara tentang keinginan besar seniman untuk berhasil dengan segala cara, ini terutama terlihat dalam cara pelukis menyanjung modelnya yang mulia.
Contohnya adalah upacara “Potret Count Floridablanca” (1783, Bank Urquijo, Madrid), di mana perdana menteri yang mahakuasa digambarkan berdiri tegak, di kantornya mengenakan semua regalia kekuasaan dan kekuasaan. Barang-barang pribadi di sekitar Count bersaksi tentang hobinya, sosoknya dalam gambar disorot oleh warna-warna cerah bercahaya, dan sangat kontras dengan lingkungannya. Perdana Menteri bukan satu-satunya yang digambarkan – sekretarisnya berdiri di belakang ruangan, dan di sebelah kiri Count Goya menggambarkan dirinya dari salah satu karyanya. Dalam gambar, Floridablanc tidak memperhatikan orang lain dan dengan tenang melihat ke depannya, itu juga terjadi dalam hidup. Hitungan bereaksi dingin terhadap karya seniman dan bahkan tidak membayar pelukis yang memiliki harapan tinggi untuk bertemu orang yang begitu berpengaruh, mengharapkan untuk melihat pelindung di wajahnya.
Seniman itu mendapat pelajaran pahit dan kemudian, di tahun yang sama, saat mengunjungi villa saudara Raja Spanyol – Infanta don Luis de Bourbon, di mana dia melukis potret keluarganya, dia tidak lagi berusaha menyanjung orang-orang berpangkat tinggi seperti itu. Dalam karyanya pada gambar ini, keinginan untuk menyampaikan kedalaman karakter dan individualitas masing-masing model dilacak dengan jelas.
Komposisi "Potret Keluarga Infanta Don Luis de Bourbon" (1783, Yayasan Magnani Rock Fund Mamiano, Parma) dibangun berdasarkan prinsip adegan bergenre sehari-hari. Seluruh keluarga don Luis berkumpul di sekitar meja kecil di mana infante meletakkan solitaire. Tetapi pusat komposisi yang sebenarnya bukanlah dia, tapi istrinya Maria Teresa, berpakaian terang, seperti pakaian yang bersinar. Rambutnya disisir oleh penata rambut yang berdiri di belakangnya. Di sisi kiri kanvas, Goya kembali menggambarkan dirinya sedang mengerjakan lukisan ini. Kanvas yang agak besar (248 x 330 cm) dengan baik menunjukkan peningkatan keterampilan seniman. Seniman berhasil menyampaikan karakter para pahlawan dengan cara yang bijaksana dan sekaligus sangat realistis. Warna karya didasarkan pada campuran warna hangat gelap dengan sedikit aksen biru dan hijau, memberikan kanvas suara musik yang nyaring.
Setelah membuat potret ini, Goya akhirnya menemukan apa yang dia impikan – berkenalan dengan pelindung berpengaruh dan kuat, yang menjadi Duchesses Alameda Osuna dan Alba. Artis itu berhasil bergaul dengan mereka berdua, terlepas dari kenyataan bahwa mereka selalu menjadi saingan tersumpah dan dalam segala hal. Sebuah babak baru dimulai dalam hidupnya, karirnya sekarang ditakdirkan untuk meningkat pesat.
Segera, artis mulai mengerjakan potret pengantin wanita Count Floridablanca. “Potret Marquise de Pontejos y Sandoval, Adipati Pontejos” (1786, Galeri Gambar Nasional, Washington) dibuat dalam kerangka ketat potret parade. Gaya karyanya sangat mirip dengan karya-karya paling awal dari genre ini. Sosok marquise digambarkan dengan latar belakang lanskap yang ideal (Goya akan menggunakan teknik ini untuk potret wanita hingga akhir abad ke-18), seluruh citranya alami dan tenang. Gaun sutra yang indah dari pahlawan wanita, dilukis oleh seniman dengan keterampilan yang hebat, mengalihkan perhatian penonton dari ekspresi sedih wajahnya.
Dua tahun kemudian, Goya akan menulis potret grup terkenal lainnya – “Keluarga Duke of Osun” (1788, Museum Prado, Madrid). Dalam karya ini, cara baru artis sudah terwujud, yang di masa depan akan menjadi manifestasi paling mencolok dari gaya individunya. Fitur utama dari karyanya adalah fokus pada keadaan psikologis para pahlawannya. Pada waktu bersamaan, untuk mengalihkan perhatian tatapan tajam pelanggan terkemuka dari penilaiannya sendiri tentang kepribadian mereka, Goya dengan hati-hati dan ahli menggambar semua detail terbaik dari pakaian dan perhiasan mereka yang indah. Latar belakang potret menjadi monofonik, sehingga tidak ada yang mengalihkan perhatian pemirsa dari perenungan model. Contoh potret paling mencolok dari periode ini termasuk "Potret Don Manuel Osorio de Zoonig" (1788, Museum Seni Metropolitan, New York).
Segera, akhirnya, mimpi sang seniman menjadi kenyataan – pada bulan April 1789, Goya menerima jabatan pelukis istana yang sangat diinginkannya. Saya harus mengatakan, kesuksesan sangat memalingkan kepalanya sehingga dia mulai mengabaikan pembuatan karton untuk permadani. Hal ini menyebabkan artis kemarahan direktur pabrik, yang segera menulis keluhan kepada raja. Mentor lama pelukis Francisco Bayeu harus bekerja keras untuk menebus kesalahan kerabatnya dan menutup skandal itu. Untungnya untuk Goya, semuanya berhasil, dan dia mulai bekerja dengan tenang di istana, melakukan potret orang-orang yang berkuasa. Jadi, pada tahun 1795 ia menulis "Potret Maria Theresa Cayetan de Silva yang terkenal, Duchess of Alba" (Museum Prado, Madrid). Citra Duchess sangat efektif, gaun putih sangat kontras dengan kejutan rambut hitam keriting dan aksen merah dalam bentuk sabuk satin lebar, mengencangkan pinggang tipis sang pahlawan wanita, dan dengan pita merah di dada dan rambutnya. Kombinasi warna yang kontras ini memberikan suara utama pada seluruh kanvas.
Lukisan Gereja St. Anthony
Selain pesanan konstan untuk lukisan dan potret, pelukis istana Francisco de Goya menerima pesanan yang sangat terhormat dan menguntungkan untuk pembuatan lukisan monumental. Jadi pada tahun 1798, Raja Carlos IV menugaskan sang seniman untuk mengecat kubah dan dinding kuil San Antonio de la Florida yang baru saja selesai.
Gereja ini dibangun atas perintah raja oleh arsitek terkenal saat itu Fontana, yang berhasil menyelesaikan pekerjaan hanya dalam enam tahun, dari tahun 1792 hingga 1798. Lukisan-lukisan dinding di kuil itu seharusnya menceritakan tentang kehidupan St. Antonius dari Padua, biarawan Fransiskan yang hidup pada abad XIII. Selama tiga puluh enam tahun yang diberikan kepadanya, St Anthony memperoleh ketenaran sebagai orator yang luar biasa. Cerita dan legenda dan kehidupannya yang bajik, mukjizat dan khotbah penuh perasaan dikenal di seluruh negeri, dia bahkan disebut “Lampu Ketertiban”.
Dalam pengerjaan lukisan dinding, artis diberi kebebasan penuh untuk bertindak, dan Goya mengambil kesempatan ini untuk memikirkan kembali kanon tradisional lukisan gereja.
Menurut tradisi, seluruh ruang kupon saat membuat lukisan dinding harus ditempati oleh gambar malaikat, salib atau Kristus. Goya memutuskan untuk meletakkan di sana plot yang didedikasikan untuk keajaiban kebangkitan orang mati oleh St. Anthony, tampil di depan orang banyak yang kagum. Dengan sikap ini, sang seniman memuliakan orang suci yang kepadanya kuil itu didedikasikan. Pelukis menempatkan malaikat dan malaikat agung di dinding dan lengkungan pendukung, dan malaikat kecil menduduki layar.
Adegan kebangkitan Goya memperoleh interpretasi yang sepenuhnya realistis. St Antonius digambarkan dengan teman-temannya, dikelilingi oleh audiens yang beragam, yang dengan cermat memperhatikan tindakannya. Dalam upaya untuk memberikan realisme maksimum fresco, seniman berfokus pada penyampaian gambar orang biasa, menggambarkan kerumunan seolah-olah tiba di sini langsung dari jalan-jalan Madrid. Solusi komposisi melingkar memberikan pekerjaan efek gerakan terus menerus dan dinamisme. Berbeda dengan gambar realistis lukisan dinding tengah, Goya menggambarkan perwakilan tentara surgawi sebagai sosok yang ideal dan halus. Lukisan candi ini masih dianggap sebagai salah satu karya monumental dan dekoratif terbaik dari Goya.
Gambar kejahatan manusia
Tahun 90-an abad ke-18 menjadi titik balik kesadaran dan karya Goya. Penyakit serius mendorong untuk memikirkan kembali kehidupan dan pekerjaan artis, seperti yang sering terjadi. Serangan pertama dari penyakit yang tidak diketahui menimpa pelukis pada musim gugur 1792. Migrain parah, bergantian dengan pusing, berakhir dengan kelumpuhan parsial. Hampir semua, artis yang tidak bahagia itu takut kehilangan penglihatannya. Penyakit itu melumpuhkan semangat moral Goya, dia selalu dalam suasana hati yang suram, dan orang yang dicintainya sangat ditakuti untuk hidupnya. Untung, serangan ini berakhir dengan relatif baik, sudah di musim semi tahun depan, pelukis merasa jauh lebih baik.
Di musim panas, artis hampir sepenuhnya pulih dari penyakit, meski bukan tanpa kerugian. Penyakit itu benar-benar membuatnya kehilangan pendengarannya, tetapi ini tidak mencegah master untuk mengambil kuasnya segera setelah pemulihan. Penderitaan yang dialami dan ketakutan akan kematian membangkitkan minat yang tulus dan tulus dari seniman pada makhluk spiritual dan sosial manusia. Dia melihat dengan mata berbeda pada struktur masyarakat Spanyol dan memikirkan kembali sistem nilainya sendiri. Kegembiraan hidup dan pancaran matahari untuk waktu yang lama meninggalkan karya seniman.
Semua ini mendorong pelukis untuk membuat serangkaian karya berjudul "Caprichos" (Model). Ini termasuk delapan puluh lukisan yang dibuat antara tahun 1797 dan 1799. Dalam bentuk yang fantastis, sang seniman mencerminkan situasi sosial yang tegang dan seluruh sisi yang tidak menarik dari tatanan feodal Spanyol.
Semua gambar mengejek kejahatan manusia:kekejaman, ketidakpedulian, kepengecutan, sambilan, egoisme, hal mudah tertipu, keserakahan dan banyak lagi. Semua etsa dalam seri didasarkan pada kontras cahaya dan bayangan, diekspresikan oleh bintik-bintik hitam dan putih yang besar. Goya menunjukkan bakat simbolis yang luar biasa dan kecerdikan yang luar biasa. Semua karakter Caprichos memiliki kepribadian yang sangat jelas yang mengekspresikan sifat buruk yang mereka wakili. Pose, gerakan, ekspresi wajah para pahlawan begitu ekspresif sehingga menjadi tidak mungkin untuk menentukan di mana kebenaran dan di mana fiksi.
Karya-karya pertama dari seri Capriccios terutama dikhususkan untuk kejahatan yang memakan jiwa wanita:insidiousness, ketidakkekalan dan penipuan. Pada lembaran-lembaran ini, wanita muda tersayang dengan keji menipu tuan-tuan mereka, dan prokurator wanita tua yang jelek terlibat dalam korupsi gadis-gadis yang tidak berpengalaman.
Dimulai dengan lembar 37, ada gambar yang ditujukan untuk ketidaktahuan:mereka menunjukkan gambar keledai yang menyembuhkan, bermusik, saling mengajar, memberikan pidato dan pose untuk monyet. Semua etsa berikutnya melalui yang aneh dengan jelas menunjukkan kepada kita bagaimana keburukan moral orang menghasilkan roh jahat. Di malam-malam hitam, penyihir dan brownies melakukan ritual mereka, tertawa, meringis, berkumpul pada hari Sabat dan menyiksa korban mereka yang malang. Tapi saat matahari terbit, semua binatang tidak hilang atau mati, mereka hanya mengubah penampilan mereka, menjadi biasa, orang-orang yang terhormat secara lahiriah. Dan begitu tanpa henti.
43 lembar – sebuah ukiran berjudul “Mimpi Akal Memberi Monster” – menjadi salah satu yang paling terkenal. Goya memberinya komentar pelengkap yang menarik:“Imajinasi yang ditinggalkan oleh pikiran memunculkan monster yang belum pernah terjadi sebelumnya, tetapi dalam hubungannya dengan pikiran, itu menjadi ibu dari semua seni dan sumber keajaiban yang mereka ciptakan. " Faktanya, komentar seperti itu dibuat oleh seniman untuk setiap lembar koleksi, tetapi, menurut orang sezaman, deskripsi plot seperti itu semakin memperumit persepsinya, “menutup matanya untuk semua orang yang tidak memiliki petunjuk. “
Menurut rencana pelukis, "Caprichos" harus membuat rekan senegaranya bersemangat dan memutuskan untuk menghadapi posisi mereka yang dipaksakan oleh aristokrasi. Pada tahun 1799, Goya dengan biayanya sendiri mencetak tiga ratus eksemplar dari seri tersebut. Empat salinan, bahkan sebelum mereka mulai dijual, dibeli oleh Duchess of Osuna. 27 lainnya terjual selama beberapa tahun ke depan. Benar, setelah beberapa waktu, Capriccios masih mendapatkan popularitas di kalangan artis romantis.
Evolusi gaya dan pandangan dunia Selama ini, master tidak berhenti bekerja dalam genre potret, yang ia terus-menerus diperintahkan oleh aristokrasi pengadilan. Beranjak dari yang sebelumnya, interpretasi yang agak dangkal dari karakter dan plot, ia pindah ke realisme intelektual yang ketat. Lukisan-lukisan yang dibuat pada pergantian abad ke-18 dan ke-19 dibedakan oleh sistem ekspresif halus dari teknik artistik yang memungkinkan seniman untuk sepenuhnya mengungkapkan esensi batin karakter. Karya-karya ini sudah mencerminkan tren baru dalam seni lukis, dekat dengan cita-cita visual era romantisme.
Sang master mulai lebih memperhatikan psikologi, ia mencoba untuk menekankan kompresi tragis kepribadian di bawah kuk keadaan eksternal. Goya tampaknya menghargai potensi individu, terlepas dari status sosialnya. Sering, ini diungkapkan dalam sarkasme pedas, terlihat jelas di sejumlah potret sang perkasa. Ciri khas lain dari periode baru karya seniman adalah palet warna yang kaya dan volume plastik yang ditekankan, Abu-abu silver, warna lapang tahun 1790-an selamanya di masa lalu.
Pada awal abad ke-19, Goya menerima pesanan besar dari keluarga kerajaan untuk eksekusi serangkaian potretnya. Salah satu karya paling luar biasa dari periode ini adalah "Potret Keluarga Raja Carlos IV" (1800, Museum Prado, Madrid). Selama pengerjaan kanvas skala besar ini (yang dimensinya 280 x 336 cm), artis berhasil membuat potret terpisah dari setiap anggota keluarga yang dimahkotai. Pengerjaan potret keluarga itu sendiri berlangsung sekitar satu tahun.
Hal pertama yang menarik perhatian ketika melihat gambar ini adalah kemegahan kostum semua anggota keluarga kerajaan, ditulis dengan keterampilan yang luar biasa. Kain mewah, kerudung tanpa bobot, permata warna-warni dan tanda kekuasaan menaungi citra para pahlawan itu sendiri. Efek ini dicari oleh artis. Karena, jika Anda melihat lebih dekat pada wajah angkuh anggota keluarga yang membeku, Anda dapat melihat karakteristik psikologis halus yang diberikan Goya kepada mereka masing-masing.
Sebagai contoh, gambar Ratu Mary Louise dilukis dengan kejernihan fotografis. Pelukis itu secara realistis menggambarkan hidung bengkoknya, dagu ganda dan kurus, bibir merekah dalam senyuman. Maria Louise berdiri di tengah kanvas, anak-anak kecil berdiri di sekelilingnya, Raja Carlos IV ditampilkan di sebelah kiri, dan putra sulungnya dengan kamisol sutra biru ada di sebelah kanan ratu. Kemudian, dia akan menjadi tiran Ferdinand VII (lihat wajah jahatnya). Di sebelah Ferdinand adalah pengantinnya, dia berpaling dari penonton, karena pada saat menulis gambar, kesepakatan tentang pernikahan mereka tidak tercapai. Di sudut kiri gambar, dalam bayangan yang dalam, Goya melukis dirinya sendiri.
Potret itu dengan sangat halus menyampaikan hubungan dalam keluarga. Jika Anda memperhatikan bagaimana karakter gambar berdiri, sangat mengejutkan bahwa mereka terlihat seperti terfragmentasi, kerumunan beku yang memenuhi seluruh kanvas. Seniman sengaja menekankan inkonsistensi pandangan dan gerak tubuh mereka. Dan warna gambar itu sendiri dibangun di atas kombinasi bintik-bintik yang tidak biasa berwarna-warni yang tersebar.
Terlepas dari kenyataan bahwa tidak ada keluarga yang dimahkotai yang menunjukkan sedikit pun kemarahan atas pekerjaan yang sudah selesai (ratu bahkan mengolok-olok penampilannya yang "tidak berhasil"). kanvas adalah pesanan terakhir yang diterima seniman dari keluarga kerajaan.
Tetapi karya paling signifikan dari seniman periode ini (1800 – 1803) adalah kanvas "Ayunan Berpakaian" dan "Ayunan Telanjang" (Museum Prado, Madrid). Agaknya, kedua karya ini dibuat atas perintah Perdana Menteri Manuel Godoy. Menurut sumber, nama asli lukisan itu adalah "Gypsy Dressed" dan "Gypsy Nude". Gambar perempuan yang diciptakan oleh seniman di kanvas ini mewujudkan keindahan yang hidup dan sensual, kontras tajam dengan kanon dingin akademisi. Informasi yang dapat dipercaya tentang identitas gadis yang menjadi model untuk karya-karya ini tidak disimpan. Menurut salah satu versi, itu adalah nyonya Godoy, menurut yang lain – Duchess of Alba, siapa, menurut rumor, memiliki hubungan yang agak lama dengan artis itu sendiri. Benar, tidak ada bukti nyata yang ditemukan.
Dalam dua tahun ke depan, dari tahun 1804 hingga 1806, artis menciptakan sejumlah gambar wanita yang menarik. Ini termasuk Potret Francisco Sabas y Garcia (1804, Galeri Seni Nasional, Washington), Potret Dona Teresa Sured (1804-1806, Galeri Gambar Nasional, Washington) dan Potret Dona Isabel Cabos de Porsel (sekitar tahun 1805, Galeri Nasional, London). Semua kanvas ditulis secara gratis, berbeda dari karya-karya awalnya yang sederhana. Tuannya, dengan hati-hati mencampur banyak nuansa terkait nada, berhasil mencapai interpretasi model yang sangat realistis. The faces of young women are filled with a romantic impulse, and the poses and looks are full of determination. Dark canvases are a tribute to the established tradition of that time, tetapi, despite this, the artist manages to achieve the rich sound of all colors and incredibly realistic transmission of young girls. Another feature of portraits is that the painter does not select their outfits and accessories, as was the case in his earlier work, and the personality characteristics of the heroines, their character and psychology.
Then the artist creates another work with memorable female images – “Swinging on the Balcony” (1805-1812, Metropolitan Museum of Art, New York). The canvas depicts two lovely young women sitting on the balcony. In the background, in dark colors, the silhouettes of their companions are written out. The fragile figures of the girls, their crafty smiles and touching eyes look alluring and attractive, but the appearance of their companions is alarming and creates a sense of danger.
Soon a war broke out with France. Goya received many government orders for portraits of army generals, and in between created etchings assembled into a common series called The Disasters of War. In total, the series includes about eighty works. Di dalamnya, the painter depicted military operations without embellishment. Not of any heroism or ostentatious courage, only what actually happens in the war is the hardening of the human heart, which becomes capable of any atrocities and betrayals.
A series of etchings dedicated to the war, became the pinnacle of the artist’s realistic work. Many works reflect what the painter himself saw and experienced over the years. The whole tragedy of the Spanish people is depicted ruthlessly, truthfully, without a drop of idealization:mountains of corpses, looting, fires, famine, executions.
It should be noted that the painter’s goal, first of all, was not documentary accuracy, but the expression through this series of works of the tension and tragedy that he felt, passing through the years of the war. The deep subtext, the combination of reality and grotesque, allegory and science fiction along with a sober analysis of reality, and the sharp expressiveness achieved through sharp black-and-white contrasts predicted completely new development paths in the European engraving genre.
On a cardboard “A sad foreboding of what is about to happen” (1810, National Library of Madrid), a man in torn clothes is depicted, his arms are helplessly spread to the sides, and his eyes full of despair and tears are raised to the sky in a soundless question. In the background, chaos and destruction reign, the losses that the hell of war inevitably brings with it. Etching opens the series “Disasters of War” and is, in fact, its leitmotif.
All the horrors of war go through a series of etchings of an eerie and frightening realistic sequence:countless corpses, violence against women, execution of rebels and carts with the dead. The events and images depicted by the master so accurately convey the essence of hostilities that they could serve as an illustration to absolutely any of the armed conflicts experienced by all mankind. It was important for the artist to emphasize that the victims of monstrous interstate conflicts are not only soldiers of official troops, but also defenseless civilians:children, old people, women. The series was able to come out in full assembly only in 1863, after 35 years spent under the rule of France.
The end of the first decade of the 19th century was a difficult, difficult time for Spain. Discontent in the country was constantly growing, and King Carlos IV proved to be a weak-willed and insolvent politician. In fact, the country was ruled by his spouse and her favorite – Prime Minister Manuel Godoy. They completely subjugated the king and squandered the treasury, bringing Spain to almost complete ruin. This caused popular unrest, which led to an acute crisis in the country.
In 1808, King Carlos abdicated in favor of the eldest son Ferdinand VII. While confusion was taking place at the Spanish court, caused by the division of power, Napoleon, taking advantage of the situation, captured the young ruler and put his brother Joseph on the Spanish throne, and brought his troops into the country. The French emperor motivated his action exclusively with good intentions, namely, the need to resist the ripening revolution. Thus began the bloody war of Spain with France.
This year, Goya creates his painting “The Colossus” (1808, Prado Museum, Madrid), in which he expresses all the confusion and tension prevailing in society. Most of the composition is occupied by a giant figure of a fierce Colossus, clenching his fists. A giant walks through Spanish land, touching thunderclouds. His appearance causes general panic. The figure of Colossus most likely personifies the mercilessness of war, bringing general ruin, destruction and chaos.
In the fall of the same year, the artist leaves the capital and goes to Zaragoza, already destroyed by French troops. The appearance of the ruined and burned hometown amazed the painter to the depths of his soul and gave him a new impetus to creativity.
Pada saat ini, Madrid was in a fever from the news. On the streets they said that the French did not just want to arrest, but to deal with the entire royal family. On May 2, 1808, crowds of people gather in front of the royal palace in Puerta del Sol. They demand from the French evidence that the youngest son of the former king Carlos IV, the thirteen-year-old prince Francisco de Paula, beloved among the people, is still alive. Gradually, the situation grew tense, the heated Spaniards rushed to guard the palace. They were met by armed rebuff. Locals are faced with Egyptian mercenaries – Mamelukes.
A few years later, in 1814, Goya depicted the scene of this event on a canvas entitled "The Second of May, 1808 in Madrid, the uprising against the Mamelukes" (Prado Museum, Madrid). The composition of the picture is extremely intense, everything is mixed in it – people, hewan, living, dead and wounded. The intense red-orange coloring of the canvas perfectly conveys the atmosphere of social disaster.
Napoleon’s troops brutally crushed the rebellion. On the same night, on the orders of the French monarch, an unprecedented in its cruelty massacre was carried out on the surviving rebels. Hundreds of Madrid were executed without trial, according to surviving evidence, many of them had no relation whatsoever to the uprising.
No real artist or poet could remain indifferent, being a direct witness to such events. Francisco de Goya also could not. Six years later, he created the painting “The Shooting of Rebels on May 3, 1808 in Madrid” (1814, Prado Museum, Madrid), which tells of a terrible tragedy. The picture shows us a scene that happened late at night in a wasteland outside the city. At a gentle slope of a hill, illuminated by the uneven light of a large lantern, French soldiers shoot the captured rebels. The painter presented the executioners as a faceless, strictly organized mass. The center of the work is a young peasant dressed in a white shirt. He spreads his arms wide, as if trying to protect his native land with his own body. The rest of the rebels, doomed to death, are represented in different ways. Someone obediently bowed his head, someone defiantly smiles directly into the executioners, others covered their hands with their hands, but none of them even tries to escape. The background in the picture is the silhouettes of the cathedral, towers, rumah, barely distinguishable from the darkness of the night. The composition of the picture is so expressive that it seems that deafening shots will now break the reigning silence. The gloomy and severe landscape complements the atmosphere of imminent tragedy.
With this picture, the artist sought not only to convey the cruel events from the history of Spain in order to excite the viewer with them, he wanted to depict the moral superiority of the Spanish people over his executioners, to express the rebellion of the national spirit.
Voluntary exile
With the advent of 1812, the artist suffered a personal tragedy, the beloved wife of Joseph died. The artist was very upset by the death of a faithful companion of his life, because after her departure, he had only one son left, who was already 28 years old. It is amazing that Goya did not write anything about his wife and only once depicted her in the picture – “Portrait of Josefa Bayu de Goya”. Judging by this canvas, Josefa was a simple kind woman. The artist himself, in spite of his short stature and unprepossessing appearance, was known as a lover of women, maybe therefore the modest Josef did not participate in the social life of society.
Like any painter, Goya experienced all his joys and sorrows through creativity. After the death of his wife, he set about creating a series of etchings designed to illustrate the work of Nicolas Fernandez de Moratan, “Historical Notes on the Emergence and Development of Bullfighting in Spain”. Nowadays, this series is known as "Tavromahiya", in it the artist showed the fearlessness of a person entering into battle with a wild and ferocious animal.
Toward the end of the second decade of the 19th century, Francisco de Goya, sick, tired and disappointed in the policies of the Spanish authorities, decided to leave the bustling capital for privacy. He bought a large two-story house on the banks of the Manzanares River, surrounded by large cultivated land. The artist moved more than one to a new shelter, nicknamed the House of the Deaf neighbors, followed by his distant relative Leocadia Weiss, with his little daughter Rosarita. Little is known about the life of this woman. In Madrid, she was famous for her scandalous behavior, but the deaf artist was obviously not embarrassed.
At the end of 1819, Goya fell seriously ill again. Leocadia and Rosarita courted him, trying to brighten up his serious condition. Thanks to this care and the efforts of Dr. Eugenio Garcia Arrieta, the artist was able to recover and even returned to painting. His first picture, after suffering, was dedicated to his savior – "Self-portrait with Dr. Arrieta" (Institute of Arts, Minniapolis) was painted already in 1820. In the center of the composition, the master portrayed himself, leaning his back on the shoulder of a young doctor. Eugenio brings a glass of healing broth to the artist’s lips. In the background, in a darkened room, one can see someone’s silhouettes. The color of the double portrait is harmonious and calm. At the bottom of the canvas, the artist’s note:“Goya thanks her friend Arriet for the attention and care that saved his life during a dangerous illness, which he suffered at the end of 1819, at the age of 73 years. He wrote it in 1820. "
Having improved his health, Goya begins to work on a new series of prints called Los Proverbios (Proverbs), published by the San Fernando Academy in 1864, although it became known under a different name – “Disparates” (“Nonsense”). On 22 cardboards, Goya depicted all kinds of absurdities and absurdities – this was his author’s interpretation of national proverbs, which acquired a fantastic sound from the artist.
Scary visions
In the same 1820, Goya returned to monumental painting, deciding to paint the walls of his house. So, Misalnya, on the walls of a large room on the ground floor, the painter depicted a beautiful young lady in full growth – “A Woman in a Black Shawl” (Prado Museum, Madrid). There is no exact information, but perhaps this is a portrait of Leocadia Weiss herself. The Spaniard stands in a natural pose, resting with one hand on a high stone fence, which occupies most of the composition. The light black veil covering the woman’s face gives the image a certain mystery.
This mural has become the most pacified of all the works of the cycle, in which the master decided to reveal the hidden essence of man. Art history has not yet seen works of this kind. Goya’s murals are dominated by a frightening, diabolical, unnatural principle, ominous images appear as if in a nightmare. Perhaps the artist saw them in a dream, faith is not entirely in a dream, but in delirium. Goya himself in some letters mentioned that during his illness he suffered terrible hallucinations, maybe it was they who found their way out in the artist’s Black Paintings.
One of the most striking is the fresco "Saturn devouring its children" (1820-1823, Prado Museum, Madrid). Dim lighting snatches from the darkness the thin body of a god who, in a frenzied madness, devours his own child, tearing his body apart.
The fresco “Pilgrimage to St. Isidore” (1820-1823, Mray Prado, Madrid) is very revealing, demonstrating how much the artist’s worldview has changed. This comparison is very vivid because in his youth Goya already created a work dedicated to this topic:“Festivities on the day of St. Isidore” (1788, Prado Museum, Madrid) depicts one of the most beloved holidays of the people of Madrid. It is an annual procession to the banks of the Manzanares River, where a big picnic with dances was arranged. An indispensable attribute of the holiday was drinking more water from a healing spring found, according to legend, by St. Isidore. On the canvas of 1788 it is a colorful and cheerful national holiday. But at a late work, on the wall of the “House of the Deaf”, an alarming feeling of imminent misfortune reigns. On a dark and gloomy fresco on a dry ground a crowd of people wanderclinging to each other. On their faces are terrible grimaces of pain, fear, horror, animal malice and malice.
In the same spirit, the work “Sabbath of the Witches” (1820-1823, Prado Museum, Madrid) was done, although it was painted in lighter colors, all the space on it was occupied by the same “ugly” crowd. In the center of the composition is a black goat in a monastic cassock. Those around with a greedy gleam of crazy eyes listen to the personification of Satan. Drawing this "demonic tribe", the artist emphasizes that people have lost their human appearance, so their faces are like the faces of animals.
All the frescoes of the “House of the Deaf” have a strange and controversial character, they excite and scare. Spots of white, yellow and pinkish-red color suddenly flash, snatching separate images from the darkness, kemudian, on the contrary, envelop them. All fifteen scenes were done in dark colors, for this and the fact that the plots themselves are incredibly “dark”, the frescoes were nicknamed “Black Paintings”. They were on the walls of the house until the 1870s, until the new owner, Baron Emil Erlanger, a banker and a passionate collector, ordered to transfer all the plots to canvas. In 1878, he presented them at an exhibition in Paris, and three years later he donated all the works to the Madrid Prado Museum, founded by Ferdinand VII in 1819.
Relocation to France and the death of a master
The completion of the frescoes coincided with changes in the country. King Ferdinand VII in 1823 abolished the constitutional government, which Goya sympathized with. The artist, who was still a court painter, began to fear for his life and in the spring of 1824, he left for France.
He settled in Bordeaux, in a small cozy house, taking with him and Leona Leocadia with her daughter. By this time, the artist was already seventy-six years old. Goya worked a lot in France. He created portraits of his relatives and friends around him, mastered the technique of lithography. Around 1828, Goya created the work “Thrush from Bordeaux” (Prado Museum, Madrid) and a new series of etchings “Bulls of Bordeaux”.
Not long before his death, the painter traveled to Madrid, where he visited his son and grandson. The painter died on April 16, 1828, he was eighty-two years old. The ashes of Francisco de Goya were transported to Spain and buried in the Madrid Temple of San Antonio de la Florida, painted by the master many years ago.
All the work of the master had a huge impact on the formation and development of 19th century art. Just a few years after the death of the artist, his contribution to the artistic culture was evaluated at the pan-European level.
Zhuravleva Tatyana
