Edgar-Germain-Hilaire de Ga atau Edgar Degas, karena seluruh dunia mengenalnya, lahir di Paris dalam keluarga bangsawan kaya. Masa kecil artis masa depan diadakan dalam suasana cinta dan ketenangan. Sejak usia dini, Edgar menunjukkan cinta dan kemampuan menggambar, dan terlepas dari kenyataan bahwa ayahnya ingin dia menjadi pengacara, tidak ada yang bisa menghentikan pemuda itu untuk belajar seni lukis. Mentor Degas muda di Paris School of Fine Arts adalah seniman terkenal Lamot. Benar, setelah hanya satu tahun sekolah, pada tahun 1856 Degas tiba-tiba meninggalkan Paris untuk semua orang dan pergi selama hampir dua tahun untuk tinggal di Italia.
Lukisan Edgar Degas
Alasan resmi untuk perjalanan itu adalah keinginan untuk melihat kerabat dari pihak ayah. Tapi bukan mereka yang menariknya ke Italia, tetapi kesempatan untuk berhubungan dengan karya seni yang luar biasa dari seniman besar Renaisans.
Artis itu sering bepergian, dia mengunjungi semua pusat budaya utama negara - Florence, Roma dan Napoli. Di setiap kota, dia mempelajari dengan penuh perhatian karya para pelukis besar di masa lalu. Keluarga Degas paling terkesan dengan kanvas Paolo Veronese dan Andrea Mantegna, yang menjadi cita-citanya.
Eksperimen kreatif pertama
Dua tahun kemudian, artis muda bertemu Gustave Moreau, yang kemudian menjadi baginya bukan hanya seorang kawan, tetapi juga pembimbing. Moreau dengan penuh semangat mempelajari lukisan, memberikan seluruh waktunya. Mencoba memahami esensi harmoni, dia sangat tertarik dengan karya-karya Titian, Leonardo da Vinci, Rafael, Caravaggio dan Veronese, mencoba merasakan sistem mereka dalam menciptakan warna. Moreau lebih suka menampilkan komposisi warna-warninya sendiri dalam cat air atau pastel. Degas muda begitu terpesona oleh karya seorang kawan yang lebih tua sehingga dia juga mengalihkan perhatiannya ke teknik ini. Perlu dicatat bahwa Moreau memiliki pengaruh kuat pada artis muda, tapi jika Gustave menugaskan tempat utama untuk mewarnai, kemudian Edgar Degas (terutama di awal karyanya) menegaskan keutamaan menggambar, yakin bahwa itu adalah "bidang kegiatan yang lebih bermanfaat".
Di Italia sang pelukis memulai pencarian sarana ekspresi artistiknya sendiri. Sebagai dasar dari gayanya sendiri, Degas memilih konstruksi konstruktif dari bentuk, melalui interpretasinya yang realistis. Karena itu, karya awal seniman dibedakan oleh pola yang tajam dan akurat.
Banyak karya Degas yang terkait dengan periode ini diberkahi dengan ekspresi khusus yang muncul dari reproduksi realitas yang tepat. Ini jelas ditunjukkan oleh lukisannya "Pengemis Romawi" (1857, Musium Seni, Birmingham). Gambar pahlawan wanita itu sendiri di kanvas ini diberikan sangat realistis, dan bahkan interpretasi yang sulit, sementara ruang di sekelilingnya digambarkan dengan sewenang-wenang. Seorang wanita tua yang lelah duduk di ambang pintu rumah tua, hilang dalam pikiran, dan mengintip ke kejauhan dengan rasa ingin tahu. Tidak hanya pakaiannya yang usang, tetapi juga benda-benda yang ditempatkan secara sembarangan di latar depan gambar itu menceritakan tentang kehidupan sulit sang pahlawan wanita:sepotong roti dan panci tua dengan makanan yang setengah dimakan dengan ujung yang terkelupas. Degas melakukan konstruksi komposisi kanvas sesuai dengan prinsip-prinsip para empu lama, tapi sebagai modelnya dia tidak memilih wanita cantik yang canggih, tetapi seorang wanita sederhana yang citranya sama sekali tidak ideal.
Terlepas dari kenyataan bahwa gambar dicirikan oleh struktur grafik komposisi tertentu, ia memiliki pemodelan warna yang halus dan elaborasi nada yang diverifikasi dengan cara yang paling akurat. Faktanya, hanya dengan empat warna, sang seniman berhasil menciptakan tipe pengemis Italia yang sangat harmonis dan ekspresif.
Banyak perhatian dalam pekerjaan diberikan pada ornamen, seolah-olah “merevitalisasi” seluruh ruang di sekitarnya. Dalam lukisan ini, Degas berhasil dengan sangat terampil memecahkan masalah artistik mendasar yang mengkhawatirkan pelukis selama studinya di kelas Louis Lamot – rasio sosok pahlawan dan ruang di sekitarnya.
Pada musim semi tahun 1859, Edgar Degas kembali ke Paris. Setelah tinggal sedikit di rumah orang tua, artis pindah ke bengkel besar yang terletak di arondisemen ke-9 di Rue de Laval. Di sana ia mulai menciptakan, pertama-tama beralih ke tema sejarah. Degas mencoba memberinya interpretasi baru, bukan karakteristik dari karya-karya awal genre ini.
Contohnya adalah lukisan "Spartan Muda Memanggil Spartan untuk Bersaing" (1860, Museum Nasional, London). Di sini Degas, mengikuti kanon klasik seni rupa, berusaha memperbaruinya dengan pengamatan yang hidup dan akurat dari kehidupan nyata. Sang master benar-benar mengabaikan idealisasi bersyarat dari plot antik, karakter yang ia gambarkan lebih mirip remaja modern yang diambil dari jalanan Paris. Ini terutama terlihat dalam beberapa gerakan sudut dari karakter yang digambarkan olehnya, ditempatkan di lanskap yang agak bergaya.
Sosok anak muda ditempatkan sejajar dengan tepi bawah kanvas dalam satu ruang denah pertama, yang memberikan adegan persuasif yang besar, tanpa kehilangan ritme dekoratif. Pose statis pemuda berbicara tentang pengaruh seni neoklasik. Artis menekankan realisme adegan dengan bantuan interpretasi psikologis halus dari wajah masing-masing karakter. Pada waktu bersamaan, sarana ekspresif utama di atas kanvas, seperti pada karya-karya sebelumnya, adalah musik yang elegan – garis plastik. Warna gambar, dibangun di atas kombinasi warna yang terbatas, memberikan kanvas rasa kejelasan dan ketenangan yang ketat.
Penciptaan gaya potret yang aneh
Di awal karirnya, Degas menciptakan banyak potret. Ini sebagian dipengaruhi oleh pengaruh ayah artis, yang percaya bahwa penguasaan keterampilan pelukis potret yang terampil itulah yang dapat memastikan kehidupan yang nyaman bagi pemuda itu. Pada kanvas pertama dalam genre ini, Degas terutama melukis potret diri dan potret anggota keluarga, tapi segera beralih ke gambar teman-temannya. Dalam karya-karya ini, fitur karakteristik gaya individu pelukis dimanifestasikan dengan jelas, yang menganut teknik komposisi tradisional, di mana mudah untuk menemukan koneksi dengan karya-karya master lama.
Contohnya adalah karya tahun 1855 "Potret Diri" (Museum d'Orsay, Paris) di mana sang seniman menggunakan karakteristik latar belakang gelap dari sekolah seni lukis Spanyol, diwakili oleh master hebat seperti Diego Velazquez dan Francisco de Goya. Dalam Potret Diri, dia muncul di hadapan kita dalam pose alami, memegang pensil arang di tangan kanannya – simbol miliknya dalam seni. Perlu dicatat bahwa pekerjaan ini, seperti banyak potret awal Degas lainnya, dibedakan oleh skema warna monokrom.
Perlahan-lahan, karyanya menjadi lebih jenuh dengan cahaya dan warna. Dalam lukisan Potret Diri dengan Topi Lembut (1857, Institut Seni Stirling dan Frappsn Clark, William Sgown), artis sudah menolak untuk menggunakan latar belakang netral yang dibungkam. Meski latar lukisannya berwarna biru tua, itu diterangi oleh sinar matahari yang stabil yang datang dari jendela yang ditinggalkan oleh master di luar kerangka kanvasnya. Degas menggambarkan dirinya dalam setelan kasual, aksesori ekspresif utamanya adalah syal merah-oranye di lehernya. Bintik warna cerah ini berperan sebagai garpu tala untuk konstruksi warna potret.
Namun demikian, di sini, seperti pada kanvas sebelumnya, Misalnya, "Potret Rene de Ga" (1855, Sekolah Tinggi Seni Museum Smith, Northhamton), postur statis yang jelas tetap ada. Benar, Degas dengan cepat menyadari kekurangan ini dan mulai bereksperimen dengan gerakan dan sudut dalam potretnya, yang sebagai hasilnya "menghidupkan kembali" karya-karyanya dan memberi mereka dinamisme. Berkat visi alam yang luar biasa tajam dan konstruksi komposisi lukisan baru yang dibawa pelukis ke dalam kanvasnya tidak hanya emosionalitas, tetapi juga psikologi mendalam yang diucapkan.
Puncak sebenarnya dari gaya awal Edgar Degas, sebagai pelukis potret, adalah karya "Keluarga Bellelli" (1858-1867, Museum d'Orsay, Paris). Model untuk kanvas ini adalah paman dari seniman Gennaro, istrinya Aura, dan dua putri mereka – Giovanna dan Julia. Komposisi gambar dibangun berdasarkan prinsip adegan genre tertentu. Di tengah kanvas adalah sosok Baroness, mengenakan gaun hitam berkabung tanpa aksesoris. Paman artis, Gennaro, digambarkan dari belakang; dia duduk di kursi dekat perapian. Sosok dan wajah kedua pasangan mengungkapkan ketidaktertarikan mereka pada apa yang terjadi di sekitar. Giovanna, berdiri di samping ibunya, di sisi lain, hati-hati melihat penonton. Julia yang lebih muda, nyaman duduk di kursi, dia, seolah-olah melakukan percakapan santai, menoleh ke ayahnya.
Seniman tidak pernah mendikte modelnya di posisi apa mereka harus berada. Tidak seperti banyak pelukis pada masanya, Degas lebih suka melukis "potret orang dalam pose alami yang khas untuk mereka, biasanya memberi mereka kebebasan mutlak, baik dalam posisi tubuh maupun dalam ekspresi wajah."
Terlepas dari kenyataan bahwa pose semua model tenang, susunan figur yang asimetris menciptakan semacam ketajaman tak terduga dalam komposisi. Warna kanvas dipilih sangat indah, kombinasi biru, perak, nada hitam dan putih, membangun sistem warna yang sempurna. Benar, meskipun demikian, adegan yang ditampilkan artis tidak bisa disebut ideal. Degas mengisi potret keluarga dengan drama:dia memerankan pasangan, cukup lelah dengan perusahaan satu sama lain. Pose mereka menekankan perbedaan karakter dan pengalaman emosional pasangan. Menjadi jelas bagi pemirsa bahwa anak-anak tetap menjadi satu-satunya unit yang menyatukan mereka. kanvas ini, ditandai dengan psikologi yang mendalam, penguasaan dalam mentransmisikan cahaya dan keakuratan gambar, adalah salah satu karya terbaik dalam genrenya yang dibuat pada pertengahan abad ke-19.
Gaya individu seniman terus berkembang, dalam karya-karya berikutnya pelukis lebih suka menghindari stasioneritas dalam komposisi dan penataan frontal model dengan meningkatkan dinamika komposisi. Untuk akhir ini, Degas cukup sering menggunakan konstruksi komposisi pada diagonal, pergeseran dan sudut tak terduga, berkat itu dia bisa mencapai yang baru, efek yang lebih ekspresif.
Sebagai contoh, solusi komposisi yang sangat berani, dipilih oleh Degas untuk lukisan "Seorang Wanita Duduk di dekat Vas Bunga" (1865, Museum Seni Metropolitan, New York), yang sekilas membuat aneh, kesan yang mengganggu. Sebagian besar lukisan ditempati oleh karangan bunga megah yang terdiri dari bunga krisan berbagai warna. Pahlawan wanita duduk di sebelah meja di mana ada bunga, tapi wajahnya sedikit berpaling dari mereka, dia berpaling. Tampaknya pahlawan wanita itu jatuh ke dalam gambar kehidupan diam secara tidak sengaja. Namun demikian, solusi semacam itu tidak memperburuk karakteristik psikologis model, tetapi, di sisi lain, menekankan dan menekankan individualitasnya. Wanita itu jauh, wajah termenung tampak tercabik oleh kabut kenangan sedih. Bakat luar biasa yang digunakan seniman untuk menggambarkan setiap sifat yang menyampaikan fitur karakternya sangat mencolok. Studi gambar ini, dilakukan dalam beberapa tahun terakhir, menunjukkan bahwa Margaret Claire Brunkan (yang kemudian menjadi Baroness Valpinson) tergambar di kanvas.
Saat menggambar potret, Degas sering menyertakan atribut yang mengungkapkan pekerjaan atau status sosial sang pahlawan. Contoh nyata dari interpretasi gambar semacam itu adalah lukisan "Potret James Tissot" (1867, Museum Seni Metropolitan, New York), di mana Degas, seorang seniman Prancis, digambarkan di bengkelnya.
Pada tahun 1869, sang seniman menciptakan karya agungnya yang lain – potret Mademoiselle Hortense Valpinson (Institute of Fine Arts, Minneapolis), di mana pelukis menangkap putri berusia sembilan tahun dari temannya Paul Valpinson. Gadis itu digambarkan bersandar di meja yang dilapisi taplak meja berwarna gelap dengan pola bordir berwarna. Di ujung meja yang berlawanan adalah sekeranjang kerajinan yang belum selesai. Hortense muda melihat dengan hati-hati ke penonton, seolah terkejut.
Teknik komposisi ini membantu seniman menekankan sifat langsung anak. Latar belakang gambar, ditulis dalam sapuan nyaring lebar, semakin meningkatkan kesan ini. Warna karya didasarkan pada kombinasi warna oker-emas yang hangat, serta nada hitam dan putih, yang memberikan seluruh pekerjaan suara yang sangat besar.
Pekerjaan lain, mengejutkan dalam komposisi ekspresifnya, adalah "Potret Viscount Lepik dengan putri-putrinya" (nama alternatif "Concord Square", 1876, Museum Pertapaan negara, Sankt Peterburg). Komposisi dinamis menyerupai foto dengan pemotongan tajam di semua sisi kanvas, yang bukan merupakan ciri lukisan pada masa itu. Garis cakrawala sangat dilebih-lebihkan, yang mengubah Place de la Concorde, yang dengan cepat dilintasi oleh Viscount Louis Napoleon Lepic, hanya menjadi latar belakang untuk karakter dalam gambar.
Seolah-olah seseorang yang telah dipuji oleh putri seorang bangsawan, berhenti, berbalik ke arah yang berlawanan sehubungan dengan gerakan ayahnya. Kanvas memiliki rasa yang menarik. Sementara karakter utama lukisan Degas mengenakan kostum ringan, hampir menyatu dengan latar belakang, pakaian peserta lain dalam komposisi dibuat gelap, warna hampir hitam. Angka-angka "hitam" ini, terletak di kanvas dengan presisi matematis, menciptakan ritme "musik" yang menakjubkan dari seluruh karya.
Berasal dari keluarga bangsawan dan tidak merasa membutuhkan uang, Edgar Degas mampu untuk tidak memenuhi persyaratan model yang mulia, membuat potret kustom. Di antara poser ada banyak karakter dari masyarakat kelas atas, tetapi tidak pernah sekali pun sang seniman mulai menggambarkan mereka dalam kemegahan pakaian mewah yang berseri-seri. Terlepas dari status para pahlawan lukisannya, Degas selalu berusaha menyampaikan seakurat mungkin fitur karakteristik masing-masing. Terbiasa dengan sanjungan, singa dan singa betina sekuler sering meninggalkannya, merasa tersinggung.
Pengalaman hidup dan perjalanan
Peristiwa penting dalam kehidupan Edgar Degas adalah kenalannya dengan Edward Manet, yang terjadi pada tahun 1862. Segera, artis mulai secara teratur mengunjungi Cafe Gerbois – tempat pertemuan populer bagi seniman muda. Di sana mereka membahas pencarian mata pelajaran baru dalam seni, sarana ekspresif asli dan visi mereka sendiri tentang realitas. Di antara pengunjung tetap kafe adalah seniman hebat seperti Claude Monet, Alfred Sisley, Auguste Renoir dan banyak lainnya.
Dipengaruhi oleh komunitas impresionis ini, di akhir tahun 1860-an Degas beralih ke penciptaan seri besar – Binatu, Pacuan kuda, Adegan Balet, dan Modistik. Semua lukisannya dibedakan oleh pengungkapan yang sangat akurat tentang kedalaman dan kompleksitas dunia batin para pahlawan mereka. Tidak seperti kebanyakan seniman impresionis, Degas tidak pernah mencari inspirasi di alam, ia memandang realitas sebagai elemen dinamis, dan gerakan terus-menerus inilah yang menempati tempat utama dalam karyanya. Cita-citanya adalah kehidupan kota modern yang sibuk. Karena sifatnya yang sangat jeli, Menghilangkan gas, berjalan di sepanjang jalan-jalan Paris yang bising, memperhatikan semua fitur ekspresif yang khas dan untuk waktu yang lama menyimpan apa yang dilihatnya dalam ingatannya. Kemudian, menyampaikan ritme kehidupan perkotaan, seniman menciptakan gambar yang akurat secara fotografis dan tidak memihak.
Kesejahteraan materi awal memungkinkan Edgar Degas menghabiskan seluruh waktunya untuk eksperimen kreatif. Dia mampu dengan berani membuang semua kanon, semua trik usang dalam menyusun komposisi, untuk menemukan sudut pandangnya sendiri yang tidak terduga, visi baru, berkat yang satu bisa mencapai kesan kesegaran dan spontanitas pekerjaan.
Sebagai hasil dari penelusuran materi iklan, seniman mampu mencapai penyesuaian komposisi lukisan yang akurat, di mana tidak ada yang kebetulan dan semua elemen dirancang untuk menekankan makna umum plot. Pelukis itu sendiri mencirikan karyanya sebagai berikut:"Pekerjaan saya adalah hasil refleksi, observasi pasien, inspirasi, karakter dan studi master hebat." Degas menangkap semua pahlawannya dalam pose alami dan santai, mencoba yang terbaik untuk menyampaikan karakter dan suasana hati mereka.
Kapan, pada tahun 1870, Perang Prancis-Prusia pecah, artis mengajukan diri untuk bergabung dengan resimen infanteri. Tiba-tiba, di lapangan tembak pertama, menjadi jelas bahwa mata kanannya terlihat buruk. Diagnosis dokter adalah ini:ablasi retina yang disebabkan oleh diabetes. Ternyata kemudian, ini hanyalah awal dari penyakit Degas, yang akhirnya membawanya ke kebutaan hampir total. Namun demikian, dia ditinggalkan di jajaran tentara Prancis, dipindahkan ke resimen artileri. Pada tahun 1871, perang sudah berakhir, dan Degas melakukan perjalanan singkat ke London, setelah itu dia pergi ke kerabat Amerikanya di New Orleans, di mana ia menghabiskan musim dingin tahun 1872 – 1873.
Pada awal masa tinggalnya di Amerika Serikat, Degas menciptakan banyak sketsa dan lukisan, termasuk sejumlah potret anggota keluarganya. Tapi segera dia kehilangan sumbunya. Alasan untuk ini adalah kesimpulannya bahwa “Seni Paris tidak bisa sama dengan seni Louisiana tanpa perbedaan. Karena jika tidak, itu hanya akan menjadi dunia ilustrasi. " Mulai saat ini, artis berhenti membuat sketsa dan sketsa, yang sebelumnya ia ciptakan dalam jumlah besar selama banyak pengembaraannya.
Degas memastikan bahwa hanya pengamatan yang berkepanjangan terhadap kehidupan di negara tertentu "yang dapat memberikan kesempatan untuk mempelajari kebiasaan masyarakat dan merasakan pesona mereka." Namun demikian, bertentangan dengan tesisnya sendiri, seniman menciptakan lukisan "Kantor Penjualan Kapas di New Orleans" (1873, Museum Seni Rupa, Po). Komposisi multi-figur dari karya ini didasarkan pada kontras warna yang kontras – hitam dan putih, pergantian yang menciptakan ritme yang jelas dari seluruh kanvas.
Pada musim semi tahun 1873, Degas kembali ke Paris, di mana dia segera menunggu serangkaian kerugian dan masalah. Dalam waktu kurang dari setahun, ayah artis meninggal, meninggalkan hutang yang besar. Ternyata, almarhum benar-benar kacau. Bank yang dikelola oleh Auguste de Ga, berutang jumlah astronomis kepada kreditur. Demi menjaga nama baik keluarganya, artis membayar sebagian hutangnya dari dana yang diwarisi darinya, tapi ini tidak cukup. Untuk memenuhi kebutuhan, pelukis menjual tanah keluarga dan koleksi lukisan oleh master besar, dikumpulkan oleh ayahnya.
Semua ini menyebabkan keadaan sedemikian rupa sehingga pelukis untuk pertama kalinya dalam hidupnya berpikir untuk menjual lukisannya. Salah satu cara efektif untuk menarik pembeli, sang seniman menganggap pameran impresionis, yang sering dia bantu atur. Pada periode 1874 hingga 1886, delapan pameran semacam itu diadakan, di tujuh di antaranya Degas berpartisipasi. Perlu dicatat bahwa karyanya sukses dan terjual dengan sangat baik, berbeda dengan karya-karya impresionis lainnya.
Selama tahun 1870-an, Degas semakin menyempurnakan gaya artistiknya. Konstruksi spasial karyanya telah memperoleh ketajaman yang belum pernah terjadi sebelumnya, kebebasan dan dinamisme yang lebih besar. Warna dalam lukisannya memperoleh makna independen, menjadi sangat kompleks, seperti dipenuhi cahaya.
Degas begitu menyederhanakan dan membersihkan gambarnya sehingga dia bisa menyampaikan permainan otot-otot tubuh manusia yang bergerak hanya dengan bantuan satu sirkuit. Perlahan-lahan, karyanya memperoleh karakter pahatan yang semakin meningkat. Dia mulai menekankan kontur sosok dan objek dengan garis karbon tebal, Merah Jambu, nuansa ungu dan kehijauan mulai mendominasi warna lukisan, yang memberikan sonicity kerja, dan semua detail diminimalkan.
Degas praktis berhenti melukis dengan minyak, pastel adalah bahan favoritnya. Potret terakhir, dibuat oleh tuannya, adalah lukisan "Helene Roire di kantor ayahnya" (1886, Galeri Nasional, London), menggambarkan putri seorang teman seniman Henri Rouen – Helen.
Sejak pertengahan 70-an dalam karya Degas, pengaruh ukiran Jepang, yang memiliki pengaruh besar pada seluruh gerakan kaum Impresionis, telah semakin terlacak. Seniman mulai menggunakan banyak teknik seni ini, Misalnya, konstruksi spasial asli, penggunaan sudut yang tidak terduga dan seringnya penempatan karakter sekunder di tengah komposisi.
Cinta pacuan kuda
Salah satu gairah terbesar sang seniman adalah kuda. Edgar Degas menunjukkan minat pada hewan anggun ini selama dia tinggal di Italia. Dia terpesona oleh pacuan kuda tradisional Romawi di Via del Corsa, di mana ia membuat banyak sketsa. Di Prancis sendiri pada tahun 1860-an, baik di bawah pemerintahan Louis Philippe dan Napoleon III, olahraga berkuda juga sangat populer. Lebih-lebih lagi, Degas tidak hanya tertarik pada plastik alami dan keanggunan kuda, dia lebih tertarik pada gerakan dan gerakan profesional pengendara mereka.
Menciptakan serangkaian karya yang dikhususkan untuk pacuan kuda, Degas sering menemukan berbagai struktur komposisi yang tidak konvensional untuk kanvasnya. Trik favoritnya adalah berbagai pergeseran spasial, pemangkasan tepi tajam dan berbagai sudut "tajam". Inti dari semua teknik ini adalah untuk menciptakan gambar dinamis yang hidup yang dapat menyampaikan perasaan unik dari kenyataan yang selalu berubah. Tempat penting dalam karya-karya ini adalah warna. Dengan bantuan Degas warna, dimungkinkan untuk memberikan figur joki yang beraneka ragam ke bentuk terorganisir tertentu.
Pada tahun 1860, sang seniman menulis salah satu lukisan pertamanya dalam seri yang didedikasikan untuk pacuan kuda. Kanvas "Tuan-tuan di balapan:sebelum memulai" (Museum Seni Fogg, Cambridge) dengan sempurna mencirikan gaya dan karakter artis, yang telah berubah sepanjang hidupnya. Faktanya adalah bahwa Degas menulis ulang dua puluh tahun kemudian versi pertamanya dari karya ini, di mana sosok pengendara yang kabur dan kabur digambarkan dengan lanskap yang benar-benar datar. Di kanvas akhir ini, latar belakang lukisan itu adalah perbukitan dan pabrik di pinggiran kota dengan cerobong asap yang mengepulkan asap hitam.
Karya tahun 1862 "Penunggang sebelum memulai" (Musee d'Orsay, Paris), sangat akurat dan tulus menyampaikan emosi menarik yang dialami orang dan ketegangan kuda sebelum memulai. Di latar depan gambar, penuh ketegangan, fokus batin dan dinamisme, ditunjukkan joki bersiap untuk memulai balapan. Rencana tengah sibuk dengan masyarakat sekuler yang berisik, haus akan tontonan. Keaslian luar biasa yang dengannya gerak tubuh dan penanaman joki, tanpa puisi gambar, menakjubkan. Berkat penyambutan ini, penonton tidak terkejut dengan fragmentasi kanvas yang tajam, di mana tepi gambar memotong setengah dari sosok salah satu pengendara.
seri Degas, didedikasikan untuk pacuan kuda, penuh dengan karya-karya indah, diselesaikan dengan akurasi hampir reporter. Contoh kanvas semacam itu adalah "Sebelum memulai" (1878, Museum E.G.Bgorl, Zürich), “Pacuan kuda di provinsi. Kru di Perlombaan "(sekitar tahun 1872, Museum Seni Rupa, Boston), " Balap Kuda "(1894, Koleksi di Webb, New York) dan" Joki di Depan Tribun "(1869-1872, Museum d'Orsay, Paris ) Di kanvas terakhir, Degas menggambarkan momen sebelum balapan, ketika publik hanya diperlihatkan kuda-kuda yang berpartisipasi dalam balapan. Seniman dengan ahli menyusun gambar, mencapai ilusi ketenangan dan ketenangan, dipertahankan oleh para pahlawan. Pengalaman batin disampaikan dengan bantuan bayangan panjang yang menghiasi pasir trek balap dengan indah. Semua kuda dalam gambar hampir statis, dengan pengecualian satu. Degas mengatur dirinya sendiri tugas untuk mencerminkan keadaan tenang yang berlaku sebelum dimulainya balapan. Tidak ada gairah dan kegembiraan yang menjadi ciri khas acara ini.
Di suatu tempat pada tahun 1873, pelukis untuk sementara menjauh dari topik kuda dan pacuan kuda tanpa perhatian, kembali ke sana hanya beberapa tahun kemudian, ketika dia menugaskan penyanyi Jean-Baptiste Fare untuk melukis “Pacuan kuda. Joki – amatir ”(1876-1887, Museum d'Orsay, Paris). Setelah itu, Degas secara berkala menulis kanvas yang didedikasikan untuk pacuan kuda, sampai sekitar akhir 9-an. Salah satu karya terakhir dari seri ini adalah lukisan "The Fallen Jockey" (1896-1898, museum Seni, Koleksi Offlätsche, Basel). Komposisi kanvas mirip dengan karya seniman sebelumnya, itu menunjukkan kepada kita seekor kuda yang berlari melintasi padang rumput, di belakangnya masih ada joki yang tampaknya dijatuhkan olehnya.
Ekspresi kehidupan malam Paris
Penyakit artis memengaruhi gaya hidupnya. Degas mulai melindungi matanya dari sinar matahari yang cerah, dan umumnya mencoba, sejarang mungkin, berada di jalan pada siang hari. Tidak seperti kebanyakan impresionis, pelukis praktis tidak bekerja di udara terbuka. Degas melukis sebagian besar lukisannya di bawah penerangan gas, di mana ia menerima julukan "impresionis pertama malam itu." Ini juga bisa menjadi salah satu alasan mengapa tema kafe Paris, kafe murah, aktris, penyanyi dan wanita "setengah ringan" sangat menarik baginya.
Degas menciptakan banyak karya yang dikhususkan untuk topik lembaga tersebut dan penghuninya, salah satu yang paling terkenal adalah kanvas "Absinthe" (atau "Lovers of Absinthe", 1875, Mray d'Orsay, Paris). Ini menggambarkan interior pendirian Nouvelle-Athenn, populer di kalangan seni Paris. Komposisi gambar didasarkan pada prinsip adegan bergenre sederhana dari kehidupan sehari-hari penghuni kafe. Karakternya – seorang pria dan seorang wanita – tampaknya hanya beristirahat di meja setelah kekhawatiran sehari-hari. Tapi meja kosong di latar depan memberi kesan terjepit dan didorong ke sudut oleh dua orang, dan juga menekankan kekosongan dan ketidakpedulian mereka. Alur cerita yang bersahaja ini menggarisbawahi tema kegembiraan Alien terhadap manusia dari dunia dan kesepiannya yang tak terhindarkan, yang merupakan gagasan utama dari keseluruhan karya. Model untuk artis adalah pengukir dan artis Marcel Debuten dan aktris Helene Andre. Melalui warna, seniman berhasil memberikan ketegangan batin dan drama pada sosok mereka, praktis tidak bergerak.
Keterampilan halus pelukis untuk menyampaikan karakter modelnya dengan bantuan hanya satu gerakan terungkap dengan sempurna dalam kanvas yang menggambarkan penyanyi dari berbagai kafe. Contoh nyata adalah lukisan “Captain Ambassador” (1876, Museum Seni Rupa, Lyon), di mana gerakan penyanyi menggabungkan dua bagian komposisi:pertunjukan di atas panggung dan auditorium.
Mengenai pekerjaan ini, kritikus terkenal J. Riviera menulis:“Berapa banyak tokoh perempuan di latar belakang, dengan gaun dan kipas muslin mereka, dan penonton yang, mengangkat kepala mereka dan benar-benar meregangkan leher mereka, dengan antusias menonton tarian provokatif dan bait-bait yang ditulis dengan kasar! Jika aku tidak salah, kemudian penyanyi ini memiliki contralto yang benar-benar jenuh dengan brendi ... Gerakan penyanyi yang tidak biasa, condong ke arah penonton, tentu menegaskan keberhasilan penampilannya. Tidak pernah mengulangi dirinya sebagai aktor dengan peran yang diingat, dia menghimbau kepada penonton, bertanya kepada mereka, mengetahui sebelumnya bahwa mereka akan menjawab dengan tepat apa yang ingin dia dengar, karena dialah yang mengendalikan tiran, yang sifat buruknya menenangkan. ”
Ditulis pada tahun 1878, kanvas “Penyanyi dari Cafesantan” (atau “Penyanyi dengan Sarung Tangan, ”Museum Seni Vogt, Cambridge), juga merupakan perwakilan yang sangat jelas dari seri ini. Ellis Degrange, yang menjadi model kanvas ini, sebenarnya bukan penyanyi sama sekali, tapi seorang pianis yang sangat terkenal di kalangan Paris yang rela setuju untuk berpose untuk Degas. Sosok pianis, sangat dekat dengan penonton, masih bukan pusat komposisi kanvas. Peran ini dimainkan oleh tangannya, mengenakan sarung tangan hitam. Untuk memberikan gerakan suara yang lebih besar, Degas menggambarkannya dengan latar belakang yang terang. Seniman berhasil mengatur ruang karya dengan sangat ahli. Gerakan tangan penyanyi yang tajam, mulutnya yang terbuka dan fitur wajah yang agak terdistorsi benar-benar membawa gambar lebih dekat ke karikatur. Untuk mengurangi efek ini, sang master memperkenalkan warna-warna terang lembut ke dalam pewarnaan:highlight merah muda lembut pada gaun dan wajah pahlawan wanita, dan bunga di rambutnya.
Serial yang dikhususkan untuk cafeshantan dan penghuninya ternyata sangat cerah dan aneh. Semua karya siklus dibedakan oleh konstruksi komposisi yang sangat berani, yang bertujuan untuk mengungkapkan ide utama dari kanvas. Pancaran warna dan cahaya, dalam lukisan Degas, mengubah kenyataan menjadi dunia fantasi yang penuh dengan pesona tart khusus.
Balet
Tema favorit kedua Edgar Degas adalah elemen tari yang mengalir dan dinamis. Diketahui dengan pasti bahwa selama hampir dua puluh tahun artis secara teratur memperoleh langganan Opera Paris. Dia membenamkan dirinya dalam tema balet, menghadiri teater dan kelas tari. Menyaksikan kerja keras para balerina, sang seniman menciptakan kembali dunia tari yang mempesona. Dia menulis banyak lukisan yang didedikasikan untuk latihan mereka, di mana setiap gerakan para penari disempurnakan, pertunjukan di mana mereka disajikan kepada penonton dalam kilauan lampu sorot yang meriah, dan selama momen-momen relaksasi yang langka. Sebagian besar pekerjaan dilakukan di bengkel pastel Degas, di mana dia mengundang modelnya. Hanya lima belas tahun kemudian, direktur Opera Paris mengizinkan artis untuk bekerja langsung di balik tirai teater.
Salah satu karya pertama yang ditulis oleh Degas di teater adalah lukisan "The Orchestra of the Opera" (sekitar tahun 1870, Museum l'Orsay, Paris). Ini adalah kanvas berukuran kecil, komposisi yang seolah-olah tidak sengaja diambil saat penyajian sebuah foto. Sang master mengundang penonton untuk melihat panggung dari sisi lubang orkestra. Seluruh latar depan ditempati oleh musisi yang mengenakan jas berekor hitam. Tempat sentral di antara mereka adalah milik gambar seorang teman pelukis Desiree Dio, yang memainkan bassoon. Kanvas diatur sedemikian rupa sehingga kita hanya dapat melihat bagian bawah pertunjukan yang berlangsung di atas panggung. Hal pertama yang menarik perhatian penonton adalah tutus penari berwarna pink dan biru cerah, dan hanya setelah itu bintik putih pada kemeja musisi mengarahkan pandangannya ke karakter utama gambar.
Artis itu mengabdikan sejumlah besar karya berikutnya untuk para penari. Lukisan-lukisan paling awal dalam seri ini membawa sebagian besar ketidakpasifan fotografis yang dengannya sang master menggambarkan balerina.
Dalam kanvasnya “Dance Class” (1871, Museum Seni Metropolitan, New York), sang seniman dengan ahli menyampaikan kegembiraan seorang penari muda sebelum latihan yang penting. Seorang gadis muda berdiri di latar belakang cermin, yang memungkinkan sosoknya sedikit diimbangi dari tengah untuk menempati seluruh ruang kelas. Hanya di sisi kiri gambar itu ada tempat untuk piano hitam dan pengiring tua yang duduk di sebelahnya, yang baru saja bersiap-siap untuk mulai memainkan melodi untuk tarian. Gambar itu dipenuhi dengan keheningan yang memerintah di sebuah ruangan yang luas. Para penari melakukan pemanasan sebelum latihan. Semua karya diresapi dengan ritme musik yang jelas dan harmonis yang disampaikan oleh seniman melalui warna melalui perhatian penuh warna yang jelas dari kanvas.
Beberapa karya seri, di antaranya adalah kanvas "Kelas Dansa", Degas presented to the public in 1874 at the exhibition of the Impressionists. After her, he gained fame as an “artist writing dancers. “
The painting “Dance Lesson” (1874, Museum d'Orsay, Paris), striking with convincing realistic interpretation of images, belongs to the same period. Degas depicted a fragment of a rehearsal, during which an elderly teacher, stopping the rehearsal, gives instructions and recommendations to his students. Light white figures of dancers occupy almost the entire space of a large hall, the naturalness of their poses and gestures gives the canvas convincingness. Dalam karya ini, Degas captured the famous French choreographer Louis Merant, next to whom is one of the best dancers of the time, Josephine Gogelen.
The color of the picture plays a special role in it, built on a harmonious combination of gray, green, bluish-white and ocher shades, with numerous dark accents that bring clarity and clarity, forming a smooth linear rhythm, as if repeating the movements of the dance. The entire composition of the “Dance Lesson”, built on the principle of fragmentation, as it removes the action from the viewer, isolates it inside the illusory space created by the artist. Namun, in later works, the master intentionally brings graceful heroines closer to the edge of the canvas, and sometimes even cuts off the image of their figures, Misalnya, in such works as “Dancers” (1883, Dallas Art Museum), or “Before the exam” (1880), Denver Art Museum).
Unlike other canvases, where the artist paid attention mainly to the transfer of lightness and grace of all the movements of his heroines, in the work “Before the Exam” Edgar Degas decided to pay attention to their emotional state. On the canvas we see young dancers who are preparing for a responsible performance. On the right side of the composition depicts a girl whose pose is relaxed. Her shoulders and head are lowered, as if she is praying before going to the examiners. The second heroine massages her leg, gracefully leaning forward. Behind the girls on the bench were two elderly ladies, who were having a quiet conversation. Here Degas set out to depict an important moment in the life of the ballerinas – the moment when they tune in to perform, right before they enter the stage, where they will shine in the luxurious spotlights.
The most famous work on the subject of dance is the painting “Blue Dancers” (circa 1898, the A. Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscow), where the master was able to achieve special compositional and color expressiveness. In the work, the graceful heroines of which correct their costumes before the performance, the artist managed to use the artificial lighting effect so skillfully that the entire canvas turned out to be filled with radiance and sparkling threads of dance melody.
In the work of 1877, The Final Arabesque (Musee d’Orsay, Paris), similar intonations can be noted. The canvas is arranged in such a way as to give the viewer the opportunity to peek behind the curtains from above, to watch how the ballerinas are preparing for the upcoming appearance on the stage. The foreground of the painting is a figure of prima, depicted on the darkened background of an empty scene. The ramp lights illuminate her face and light yellow suit, likening the girl’s figure to a graceful flower.
Almost all works on the theater and dancers Degas performed in pastel technique. The master, who knew how to go beyond the usual stereotypes, and here developed his own unique style. His methods of applying the paint layer, with distinctive separate strokes, more like strokes, seemed to combine drawing and painting.
Aesthetics of hard work
Throughout his work, the artist was distinguished by a genuine interest in the characteristic features of the behavior of people belonging to different sectors of society. Degas has always been interested in the features of their plastics, specific gestures and movements, in a word, everything that he could transfer to the canvas. Throughout his life, the painter remained steadfastly addicted to certain topics that contributed to the expression of his creative interests.
Degas was very fond of everyday scenes in which the main characters were the saleswomen of haberdashery and hats, laundresses and ironers. In all the plots, the artist was attracted by characteristic poses and professional movements. Thanks to this, he was able to discover completely unexpected decorative effects associated with the rhythmic interaction of silhouettes and matching figures. Most of the paintings that make up this series, sebagai peraturan, were created outside the domestic environment, which helped Degas achieve a high level of social generalization.
Sebagai contoh, in the painting “Ironmaker” (circa 1869, New Pinakothek, Munich), the artist sought to convey the routine and monotony of the heroine’s daily work. The young girl depicted on the canvas holds the iron in his right hand, and moves the fabric with his left. To give greater dynamism, Degas made a double contour of the ironing skirt, emphasizing the efforts that she has to make. Immediately after returning from America, in 1873, Degas wrote another work under the same title, but with great expressiveness. On the new painting “Ironmaker” (Metropolitan Museum of Art, New York), the main character stands in profile, her dark silhouette stands out sharply against the background of a light-flooded window. Through this contrast and excellent transmission of the woman’s professional movements, the artist was able to masterfully reproduce the atmosphere prevailing in Parisian laundries.
The next canvas of the cycle – “Two Ironworkers” (Musee d’Orsay, Paris), created much later, in 1884, is perhaps the most famous. The work is written with wide nerve strokes, perfectly conveying the fluctuation of air around working girls. The color scheme, based on a comparison of blue, brown-ocher, golden and white tones, is characterized by increased decorativeness, which distinguishes this work from the previous ones.
Degas was not the only outstanding Parisian artist who loved the theme of ironers and laundresses. His work on this subject was often compared with the canvases of Honore Daumier. The critic Armay Sylvester, in 1879 wrote about this in the newspaper “Modern Life”:“Let’s move on to something significant. Sebagai contoh, this is what is significant that appears on the rare canvases of Mr. Degas – always the same synthesis process conveyed to us with admirable artistic flair. Just look at how the ironer bent over hard work. If you look at the canvas from a distance, you might think that it was written by Daumier, but in a closer look it becomes obvious that this is more than Daumier. In this work there is a refined skill, the full power of which is difficult to convey. ”
Household scenes also include paintings depicting visitors to hat salons. Sebagai contoh, the painting “At the Fashionista” (circa 1882, Museum Seni Modern, New York), depicting a student of Degas Mary Cassatt. The compositional construction of the work is fragmented, built on the principle of photography. The girl trying on a hat is almost hidden behind the back of the chair depicted in the foreground. The modiste, who offers the visitor two more headdresses, is located on the left side of the canvas and is practically indistinguishable. The falling thick shadow makes the woman’s figure only a decorative element.
Pekerjaan ini, the plot of which seems unpretentious, was the fruit of much thought by the author. The artist attached great importance to the expressiveness and “melodiousness” of the line, it was with its help that he sought expression in the reflection of form. Karena itu, to create a single rhythmic silhouette of the whole group, he specially simplified the volumes of the middle plan. Canvases dedicated to this topic have become a real pinnacle of Edgar Degas skill. Di dalamnya, he managed to achieve a new expressiveness in displaying reality and give a monumental generalization to the ordinary everyday scene.
Nude work
Another type of everyday scenes that Degas devoted a lot of time to were naked women behind the toilet. Since about the 1880s, the artist began to create beautiful female images that do not fit into the generally accepted canons of that time. Degas rejected all conventions, the idealization of ideas about female beauty. “Beauty must be characteristic” – this postulate was taken by the master as the basis of his work. The artist argued that the nature of a naked body is best manifested in a variety of movements that can be natural only during bathing. So a series of works appeared, the heroines of which are busy with themselves:they wash themselves, wipe themselves, comb their hair and are so absorbed in their thoughts that they don’t think at all to accept graceful and graceful poses.
A vivid example of such a plot is the Taz pastel composition (1885, Hill Stead Museum, Farmington), whose main character just bent down to wet her sponge in water. Her smooth gesture is full of naturalness, and the composition is devoid of anything that could distract the attention of the audience from the girl. Tahun berikutnya, the artist wrote another work with the same name (Mray d’Orsay, Paris). In this picture, the heroine crouched in the center of the pelvis and, leaning on her hand, washes her neck. The figure of the girl is softly outlined by the light pouring from the window. To achieve greater expressiveness, Degas used contrasts, sometimes emphasizing the female body, then gently "merging" it with drapery. A third of the composition is a wide white shelf with toiletries:a jug with clean water, a comb and a hairpin. So the artist emphasized the depth of the room.
Constantly returning to the same topics, poses and gestures is explained by Degas’s uncontrollable pursuit of excellence. Friends joked about the artist, saying that "to make him stop redoing a picture, you can only select it." The painter was simply obsessed with the desire to truly capture any movement. A special place in the work of Degas is given to the images of women combing hair. Here, the artist never copied previously found compositional techniques, tirelessly looking for new ones.
One of the most famous pastels of this cycle, “A Woman Combing Her Hair” (1886, Museum Pertapaan Negara, St. Petersburg), can serve as a perfect example of the artist’s constant search for an ideal pose and natural gesture. The work has several options, one of them is stored in a private collection of Morris (Philadelphia), and another at the Metropolitan Museum of Art (New York). In all versions, the heroine is depicted from the back, which allowed Degas to most convincingly convey her movements. The artist emphasizes the volume and depth of the shadow with elastic lines of the contour, creating expressiveness of the smooth movements of the heroine combing her red long hair.
Lembur, Edgar Degas develops his own aesthetics of motion transmission. The master sought not only to fix the position of the arms, legs and body with photographic accuracy, but to feel and convey with maximum expressiveness the complex interaction of all parts of the body. Working on the works of this series, the artist made an attempt to create his own system, which would allow him to depict the specific pose of a woman extremely accurately, but in the most generalized terms.
In later works by the artist, the movements of the heroines become sharper, the shape of the body began to be conveyed more simplistically and often outlined by a sharp contour. A vivid example is the painting “A Woman Leaving the Bath” (1900, koleksi Pribadi). It is very clearly visible on how the late style of the master gained sharpened expression, generalization of forms and decorativeness. The painter proved that the body can be even more expressive than the face, karena itu, completely ordinary motifs in his art received a poetic expression of life energy, graceful grace and beauty.
The last years of the master
At the beginning of the 20th century, Edgar Degas’s disease worsens so much that it almost completely loses sight. Unable to express himself in any other way than art, the master begins to seriously engage in sculpture, which he calls the "craft of the blind."
The themes that Degas tried to embody in a new form of creativity remained the same as in painting:jockeys, dancers and bathers. He sculpted small sculptures for himself, so a very small number of them were brought to the end, such as “The Little Fourteen-Year-Old Dancer”.
Contemporaries of the artist noted that at the end of life, despite a sharp deterioration in physical condition, Degas’ interest in music, photography and poetry only intensified. In the circle of friends, he often began to sing Neapolitan songs, Namun, somewhere from 1895, the painter almost completely stopped talking with friends and rarely left the house, continuing to communicate only with a very narrow circle of close people.
Already after 17 years, in 1912, Edgar finally quit working. By this time he is already blind and completely worn out. There were several reasons for this poor state of the artist, this year his sister Teresa dies, and the painter himself has to leave his beloved house because of the reconstruction, which could no longer be postponed.
September 27, 1917 Edgar Degas died at the age of eighty-three years. The funeral was very modest – as the artist himself wished. Among the friends who came to take him on their last journey were Claude Monet, Leon Bonn, Mary Cassett, Henri Lerol, Jean-Louis Foren, Ambroise Vollard and many others. In his last will, Degas requested not to give mourning speeches during the funeral. Separately, he emphasized that if Foren really wants to say a few words, let them be very simple and concise, like:"He, like me, loved to draw most of all." Edgar Degas already became a recognized great painter during his lifetime, his paintings were bought up at fabulous prices, and although the artist’s last years were rather joyless, he still lived a rich and vibrant life and remained forever in the history of art.
Zhuravleva Tatyana
